Поколение шестидесятников Иванов В И картон к

Поколение шестидесятников Иванов В. И. , картон к картине «Семья. 1945 год» , 1958 -64

Литература и искусство 1960 х годов подвергали сомнению все нравственные устои общества, оказавшиеся ложными, заформализованными, не отвечающими реальным жизненным потребностям общества. Возникло стремление к пересмотру существующей системы ценностей, выводу общества из трясины мифологизированного сознания, ликвидации разрыва между реальностью и вымыслом. Более традиционные художники обращены были к периферии, к ее запустению, ставили вопрос об утрате культурных ценностей, возвращали внимание к своеобразию национальных пристрастий и образа мыслей. «Суровые» проявили интерес к человеку и его судьбам, что тоже не было исключено из творчества традиционалистов. Социальный взгляд на вещи присущ был и тем, и другим.

В потоке нового искусства 1960 х годов наметились два фланга. В стилистическом плане их расхождения иногда были очевидны, в другой раз трудноразличимы. В плане подхода к оценке своего времени больше схождений. У «суровых» художников, преобладала деформация натуры. У ряда художников не «суровых» натура постепенно тоже испытывала превращения, что свидетельствовало о некотором сближении стилистики, и наоборот, крайне «суровые» нередко приближались к натурному письму. В. И. Иванов, «Полдник» , 1963 -1966 Т. Н. Яблонская, «Хлеб» , 1944

Для XX века поток искусства, названный впоследствии «суровым стилем» , в действительности являлся важной его составляющей. Видоизменяясь, но, сохраняя свою образную типологию, он прошел путь с 1920 х годов до конца века. Критика впервые назвала новое явление «суровым и драматическим стилем» в I 960 году, отчего в употреблении сохранились слова «суровый стиль» . Сначала он определялся по пластическим признакам, среди которых чаще употреблялись такие качества, как лаконизм, экспрессия, монументальность, декоративность.

Взлет его относился к 1960 м годам, но на них он не завершился, как считал А. А. Каменский, а продолжался до конца XX века, утратив актуальность, и сосуществуя с другими художественными концепциями. Очертания его расплывчаты, как и у любого художественного направления. Отдельные мастера совершали уклонения, но ни шаг вправо, ни шаг влево не приводил к смерти цельного потока искусства. В 1960 х годах «суровый стиль» оформился также содержательно, ибо новое время породило новые общественные настроения, идеи, мироотношение, и он закрепил их в традиционной для него системе образности. П. П. Оссовский, «Панорама Гаваны» , 1963 В. Ф. Стожаров, «Покров» , 1969

Никола й Ива нович Андро нов (1929 -1998) Русский художник, живописец, один из основоположников «сурового стиля» . В 1943– 1948 гг. учился в Московской средней художественной школе, затем поступил в Институт имени И. Е. Репина в Ленинграде. Вернувшись в Москву, продолжал обучение в Институте имени В. И. Сурикова (1952 1954). В 1960 70 е гг. Андронов немало работал как живописец монументалист. За мозаичное оформление интерьера издательства “Известия” (“Человек и печать”, 1978; совместно с А. В. Васнецовым) ему была присуждена Государственная премия СССР в 1979 г. «Материнство» Автопортрет

Андронов начинал «суровый стиль» с картин «Строители Куйбышевской ГЭС» и «Монтажник» (обе 1958), в которых проявилась социальная напряженность, выраженная в энергичной, смещенной форме. «Монтажник» , 1958

Однако подлинной формальной новацией послужило большое полотно «Плотогоны» . Расхлестанная цветная живопись этой работы отразила в себе пластику Лентулова. Темп цветового решения вовсе не представлял собой того пессимизма, который овладел художником при обозрении им российской деревни и провинциальных городов. Все это выражалось только живописной пластикой, сумрачным, но выразительным колоритом, композицей и предметными объемами, составляющими нагруженную ритмику картины. «Плотогоны» , 1961

«Проводы» это реквием по погибшей крестьянской России в тяжелой войне с немцами. В картине предчувствуется последующая гибель людей, вставших на защиту своих родных, своей малой родины. Густая живопись богата оттенками. Цветом лепится колченогая форма. Темная, землистая живопись порождает ощущение драмы. Ему способствует будто бы пленэрный цвет, рефлексы которого превращены в густые заливки, вмазанные в плотную массу, создающую впечатление внушительности темы. «Проводы» , 1965– 1967 «Проводы» , 1967

Андронов художник преимущественно трагедийного плана. Его размышления о жизни, о России, о земле не просто печальны, они безысходны. Он внес новизну в интерпретацию жизни, равно как и в пластику, не на кого непохожую и вполне самостоятельную. Это было время, когда и жизненный смысл, и тема произведения рассматривались как активное средство движения к новому пониманию и воплощению реальности, как обновление искусства, как решительный отказ от стереотипов. «Усково. Возле Ферапонтово» , 1963

Андронов смотрел на современность философски успокоено, стараясь охватить, понять божий мир, и пессимистически, готовый завыть, как воют собаки в картине «Зимняя ночь. Собаки» Собаки воют на мертво повисшую луну, откликаясь на дальнее завывание волков. Взору открывается бездонное небо с повисшими звездами на темном фиолетовом небе, густота которого словно приведена в движение подтеками оттенков и от этого внушает философические размышления о небесном мире. С другой стороны, пустынная возбуждает чувство тоскливого беспокойства, характерного для того времени бесконечной борьбы за свободу духа. «Зимняя ночь. Собаки» , 1969

В новое время Андронов, как и другие живописцы «сурового стиля» , смотрел на мир с другой стороны, чем это делали художники 1920 1940 х годов. Но даже если они обращались к привычным сюжетам, то при помощи новой живописной пластики искали их новую интерпретацию, не скользящую по поверхности, а обращенную к сущностным проблемам бытия, месте человека в обществе, его ценности или небрежение им, что и делало их творчество достойными отображения проблематики эпохи. «Крутой спуск» , 1963

Па вел Фёдорович Ни конов (1930) — советский и российский живописец и график, педагог, профессор. Академик РАХ (2000; член корреспондент 1997). Народный художник РФ (1994). Лауреат Государственной премии Российской Федерации (2002). Один из основоположников «сурового стиля» . Вместе с братом Михаилом был членом группы «Девять» . Самая знаменитая картина П. Никонова, «Геологи» (1962), вызвала на выставке 30 летия МОСХа гнев Никиты Хрущёва, позднее же — вошла во все отечественные хрестоматии. С 1998 года Павел Никонов руководит мастерской станковой живописи в Суриковском институте. «Геологи» , 1962

Павел Никонов признанный мастер отечественной живописи, один из ведущих художников поколения 1960 х, чья творческая биография началась в эпоху оттепели. Участник так называемой "группы восьми" объединения московских художников, пересматривавших принципы социалистического реализма Никонов был одним из мастеров, стоявших у истоков "сурового стиля". Однако позже он отошел от этого направления, избежав штампов, на многие годы закрепившихся в советском искусстве. «Наши будни» , 1960

Экспрессивный реализм Никонова Новаторские устремления и академическая школа, реалистическая сущность и абстрактная форма в этом весь строптивый характер произведений Павла Никонова. Произведениям художника свойственны живое восприятие действительности, поиск новой пластической выразительности, и вместе с тем есть определенный круг идей, образов, мотивов, которые неизменно притягивают внимание мастера. «Штаб октября» , 1966

Характер пространства и конкретность времени, в которые помещен человек, намеренно индеферентны, и это сообщает сюжету структуру философской притчи. Не признавая формальных рамок сюжета, художник создает динамичное, живое пространство длящегося «пути» , в котором человек вечный странник. В то же время для художника важно непосредственное «натурное» наблюдение, ассоциации, выстраиваемые в прямой связи с увиденным. Его бытописательские сюжеты, пейзажи, портреты и натюрморты как правило не сочиненные образы, а реальные картины жизни, их эмоционально обобщенное прочтение. «Мясная лавка» , 1968

У Никонова правда о живой, хотя и умирающей деревне. В представлении художника она в центре мира. Земля, небо, человек, его труд, который он несет как крест в течение всей жизни до гроба, это никоновская вселенная. Она великая, но страшная. Никто прежде не достигал такого драматического напряжения в изображении русской деревни. Художник ставит нас лицом к лицу этого трагического мира и вместе с тем заставляет нас почувствовать его высшую красоту первородство земли, беспредельность неба, сопричастность космосу человеческого бытия и значение правды, которую всегда искали люди России. Та сила, которая жива в природе и человеке, рождает веру и надежду. «Северная деревня» , 1969

Братья Смолины, Александрович (1927 – 1994 ) и Петр Александрович (1930 -2002) Утверждение достоинства человеческой личности, романтическая приподнятость и суровость художественных образов, исключающие всякую обыденность, — эти свойства определяют творческий почерк художников. Поездки братьев Смолиных в Заполярье, их личные впечатления от жизни людей в противоборстве с природой послужили основой для создания в 1961 году картин «Полярники» и «Зверобои» , 1961

Художники передали суровую неуютную красоту Заполярья, мужество незаурядных людей – покорителей дальнего Севера. Сам материал работы подсказал Смолиным ясную монументальную форму, смелые композиционные решения. Но за этой формой не потерялись человечность образов и симпатия художников к своим героям. Пожалуй, впервые показаны люди интеллектуального труда, работающие в условиях Заполярья. Персонажи Смолиных поставлены в трудную ситуацию, но просветленная гамма с преобладанием серебристого, синего и белого цветов, а также композиция, построенная на энергичных ракурсах, выдают и новый типаж современников, и их героическую мужественную работу, заслуживающую уважения из за ее сложности. «Полярники» , 1961

В картине «Стачка. 1905 год» героем становится народ, а темой – революционное прозрение народных масс. Тема эта выражена пластически. Она звучит в монолитной решимости толпы, в тяжелой поступи человеческой реки, хлынувшей из пасти фабрики. Народная решимость победить в борьбе за свои права обнаруживается в противоборстве людского потока с громадами фабричных зданий и механизмов, обступающих его со всех сторон. В соответствии с торжественным и тяжелым ритмом полотна находится его трагически напряженный красно коричневый колорит. Ярким всплеском прорывается тревожный цвет алых знамен. Монументальность картины роднит ее с фреской. И это не случайно: образ пролетарской революции 1905 года глубоко вжился в сознание народа. Братья Смолины смогли выразить призыв «Революция начинается!» в убедительном и понятном художественном образе. «Стачка. 1905 год» , 1964

Первая заметная работа А. А. Смолина «Таджикистан. Застава» отличается колористической цельностью. В ней нет никакого искажения рисунка, которое показалось бы неуместным в данной теме. Главная партия отдана затемненному цвету, соответствующему настроению сюжета. Не содержа новаций, решение, предложенное авторами, явилось красивым и серьезным. Братья Смолины, «На границе» , 1963 А. А. Смолин, «Таджикистан. Застава» , 1962

Ви ктор Ива нович Ивано в (род. 1923), посвятил свое творчество крестьянству. Монументальная, словно рубленая, конструктивно четкая форма художника сближалась с «суровым стилем» , являясь одной из его разновидностей. Автор многочисленных жанровых картин из деревенской жизни. Его работы отличаются монументальностью образных решений, острой выразительностью композиционных построений, суровостью колорита. Автопортрет в рыжей шапке, 1969 «Рязанские луга» , 1967

Картина «Семья. 1945» рисует исконный обеденный ритуал, как торжественное действо. В этой ритуальной ситуации просматриваются патриархальные традиции, благодаря которым обычный обед превращается в благостное исполнение ежедневного обряда. Скупая обстановка, рисующая скудную крестьянскую трапезу, прописана яркими красными красками, вогорающимися на солнце. Солдат пришел с войны, но напряженная жизнь снижает радость победы. Картина эта пример высокого искусства, осмысливающая тяжелую жизненную правду и воплощающего ее в аскетичных образах крестьян, показанных в бедной обстановке избы, своими укрупненными масштабами вырастающей до величественной картины бытия. «Семья. 1945» , 1960 -1964

Иванов, пожалуй, первым среди шестидесятников обратился к монумтальной форме, придавшей его персонажам законченность. Вторая особенность художника поиски типажа и введение в творчество понятия типажности. Иванов как бы раз и навсегда выбирает облик женщины или крестьянина и с небольшими модуляциями пишет их от картины к картине. Так, характерный, узнаваемый облик женщины со слегка стесанным подбородком и оттопыренными ушами встречается в картинах «Молодая мать» , «Портрет молодой женщины» , «Рязанские луга» , «Родился человек» и «На Оке» Эти суровые и стойкие, непритязательные русские женщины часть природы, слиты с ней, без нее невозможны. «На Оке» «Молодая мать» , 1964

Мужчины часто показаны со спины. Эта изрубцованная глубокими ложбинами спина говорит о тяжком труде, чем лицо, впрочем, тоже весьма выразительное ( «Полдник» , «Родился человек» ; «Под мирным небом» ). Иванов не только высматривает национальный характер в реальной жизни, но выискивает типичные его черты, приводящие к обобщению облика. «Полдник» , 1966 «Родился человек» , 1969

В центре внимания Иванова человек, интерпретация которого вызывает множество вопросов, на которые художник пытается ответить. Как видится художнику пребывание человека на земле? И он отвечает: незаметно. Человек и особенно сельский и провинциальный житель, обделен вниманием общества. Но повсеместно труженик воспринимается достойно, его твердый характер просматривается в сценах похорон или труда. Живет он без претензии к Богу, несуетно. Такой ракурс обозрения жизни характерен был для искусства шестидесятников. Будучи свидетелями прошедшей войны, гибели народа, страданий и невозвратных утрат, они считали необходимым внимательно рассмотреть человека, его быт, его жизнь. Шестидесятники поставили проблему ответственности общества за человека. «Уборка картофеля» , 1967

В ранних работах Иванова «На покосе. В шалаше» и в «Молодой матери» цвет горит, просвечивает и громко звучит на малиновой занавеске, подчиненный радостно озвученному настроению картины. Художник извлекает красоту из свечения цвета, из его контраста, ярких сопоставлений. Вместе с тем расцветка одежды, занавесок, покраски стен простонародная, встречаемая в жизни деревни и потому еще более убедительная. «На покосе. В шалаше» , 1961

Иванов поднимает трудные вопросы нравственности, человеческой памяти, благодарности предкам. Эти проблемы вечны, сколько бы последующее разрушение искусства не старалось стереть воспоминания о некогда существовавшем нравственном законе, переступление которого искусство во все времена решительно осуждало. «В годы войны» , фрагмент «В годы войны» , 1967

Пётр Па влович Оссо вский (1925 - 2015)— советский и российский живописец. Живописец стремится отыскать неизвестные широкой аудитории «мелодии быта» , «старинные приметы» . Но все это не фиксируется на холсте механически. Наблюденное, подмеченное укрупняется, формируется в характерное характеры, в свою очередь, кристаллизуются в типы национальные. Примечательно, что и в пейзаже Оссовский стремится выразить не мимолетно преходящее состояние, не дуновение игривого ветерка или торопливо мелькнувшего лучика, а атмосферу тех событий, что пронесла история над холмами, долинами и городами «Велосипедисты» , 1959 Автопортрет

«Зимний вечер» (1957), «На городской окраине» , «Полночь» (обе 1958), «Московские окраины. Зима» , «На окружной железной дороге» . Бытовой жанр приобретает здесь иную тональность и иную структуру, чем это было у Решетникова, Григорьева, Лактионова и многих других. Панорамность изображения реальной действительности у Оссовского усилили настроенческие начала. Взаимодействие людей, подобное сценической постановке, было заменено введением пейзажного аргумента, который значительно усилил переживание текущей жизни. Явно обновилась стилистика. Натурально выписанные подробности заменились почти этюдной впечатлительностью, придавшей живописному письму цветовую свободу. «Московская окраина, зима» , 1959

В полной мере стилистка Оссовского и его образные пристрастия определились в картине «Три поколения» . Отношение к реальности почти правдивое, но более лиричное в обрисовке образов крестьян, особенно мальчика, и тягостное в изображения нелегкого бытования взрослых. Крупный план картины как бы кинематографическим наплывом придает полотну и, соответственно, образам людей монументальную значительность, а жесткая латунная живопись без полутонов и композиционные срезы «кадра» дополняют это впечатление. «Три поколения» , 1959 «Три поколения» , 1960

Плоскостная обобщенность цвета не дала еще результата в серии «Люди Сибири» , хотя прежняя сумрачность угрожающей силы природы, суровость и стойкость людей в полной мере выказали принадлежность к более декоративному стилю, но к тому его стилистическому варианту, который был приближен в некоторых работах к «суровому стилю» . Показывая современников, художник подчеркивает в их образах «фундаментальные» качества, что присущи тем, кто несет и приумножает эстафету поколений. Среди этих типических черт особенно выпуклы спокойная уверенность, обстоятельность, доброта, ощущение хозяина труда своего. «Девушка с Алтая» , 1965 «Москва строится» , 1959 «Люди Сибири. Строительство Байкальского туннеля БАМа»

Из серии «На земле древнего Пскова» обращают на себя внимание «Рыбаки Псковского озера» . Живопись утратила в них натурный характер даже тогда, когда художик писал свои персонажи с натуры. Цвет упрощается: он лишается пленэрной нагрузки, становится локальным. Национальный тип складывается из множества индивидуальных черт, но его главные, примечательные качества постоянны и устойчивы. «Рыбаки псковского озера» , 1967

«Куба начеку» , 1968

Из цикла «Рубежи нашей жизни» , 1965

Ви ктор Ефи мович Попко в (1932 — 1974) — советский художник, живописец, график. Лауреат Государственной премии СССР Известность Попкову принесла картина 1961 года «Строители Братской ГЭС» , которая вошла в число ярких шедевров живописи «сурового стиля» . Попков, как и другие шестидесятники, много ездил по стране, был в Средней Азии, в городах Поволжья, на Байкале, Кавказе, в Прибалтике, повсюду писал своих героев с натуры. «Строители Братской ГЭС» , 1961 Автопортрет, 1964

На время учебы Виктора Попкова пришлись общественно политические перемены, названные «оттепелью» . Возможность жить смелее, ярче, открывать новые пути в искусстве захватила молодежь. По существу, это был последний всплеск общественного энтузиазма в СССР. Продолжавшаяся несколько лет «оттепель» поманила возвращением к «ленинским заветам» , близким сбыванием мечт, яблоневыми садами на Марсе и коммунизмом к 1980 году. Освоение целины, масштабные стройки были материальным воплощением бодрящего оптимизма эпохи. «Коммунизм — это моло дость мира, / И его возводить молодым!» — пели юноши и девушки. И с песней отправлялись на целину, на строительство гидроэлектростанций и заводов. Не отставала от всех и художественная молодежь. Узнавание жизни, первые творческие опыты начинались для нее не с тихих «пленэрных посиделок» , а с коммунистических строек. «Строители Братской ГЭС» , фрагмент, 1961

Но «суровый стиль» явился хотя и ярким, но кратким этапом для Виктора Попкова. Постоянный поиск был для него непременным условием творческого существования. В 1963 году художник обращается к традициям лубка, иконы, палехской миниатюры, и в работах, созданных им в 1963— 1966 годах ( «Дети Переславля» , «Владимирские художники» , «Студенты на практике» , «Полдень» и другие), эти традиции в разных пропорциях смешиваются. Характерны для этого периода и «снижение пафоса» , заинтересованный взгляд в сторону наивного искусства, бытовизация образов — то ироничная, то лирическая, то отстраненно повествовательная. «Владимирские художники» , 1963 «Дети Переславля» , 1963

Художнику удалось уйти от однозначности «сурового стиля» , во второй половине 1960 х годов он демонстрировал гораздо большую творческую свободу. В его живописи реализовались философские размышления о времени, на смену прямого обращения к зрителю пришла метафоричность. В это время в творчестве Попкова можно выделить несколько линий. В частности, появляются работы, в которых художник обращается к теме отчуждения, к нравственным противоречиям времени. «Бригада отдыхает» , 1965 «Двое» , 1966

Исключительным по своему значению является Мезенский цикл, который был создан по впечатлениям от неоднократных поездок на Русский Север, в деревни на реке Мезень. Художник обратился к трагизму русской деревни, воплотил её боль и лишения. «Воспоминания вдовы» , 1966

Внимание к «человеку негерою» , к его скромному существованию, обывательским драмам, к переживаниям, далеким от судеб социалистического строительства, — все это характерно для искусства 1960 х годов. Усталость от официоза и многофигурных композиций претворилась в картины с камерными, очень незамысловатыми сюжетами. Таким образом, Попков, создавая свои «семейные картины» , творил в русле эпохи. Чувство трагического с этих пор уже не отпускало Попкова. И крупицы трагедии, растворенные в обыденности, в попковских полотнах вновь кристаллизуются — то пятнами насыщенного красного цвета в контрасте с черным и белым ( «Развод» , 1966), то нервностью черных штрихов и линий и глубиной теней ( «Больной мальчик» , 1967) «Больной мальчик» , 1967 «Развод» , 1966

« «Северная песня» попытка посмотреть на себя и со стороны, и как бы изнутри, поставить вопросы и не обязательно сразу на них ответить. Единственное условие, обязательное для такого подхода к работе, — абсолютная честность и искренность. Если здесь будет малейшее несоблюдение истин, то спастись невозможно. Но такой путь, как мне кажется, открывает колоссальный простор для творчества: «раскрепощение абсолютно ото всех догм веры в других людей, в их разум и чувство, да и веры в себя. Здесь художник "голый", и спрятаться не за что. . . И еще мне хотелось показать в картине слитность двух противоположных групп людей. Несмотря на внешнее различие, на разную жизнь, на то, что одни — жи вут в деревне, а другие — в городе; все равно перед большими человеческими переживаниями — такие различия бессильны» . » писал о своей картине Попков. «Северная песня» , 1968 Фрагмент

Ге лий Миха йлович Ко ржев (Коржев-Чувелёв; 1925 — 2012) — советский и российский живописец, педагог, профессор, представитель «сурового стиля» . Первый секретарь Союза художников РСФСР в 1968— 1975 гг. Художник завоевал широкую известность в конце 1950– 1960 х годов, прежде всего триптихом «Коммунисты» (1957– 1960) и серией «Опаленные огнем войны» (1962– 1967). С 1951 по 1958 го Коржев преподает в Московском высшем художественно промышленном училище. С 1967 года заведующий кафедрой монументально декоративной живописи в Московском высшем художественно промышленном училище. С 1968 года является председателем правления Союза художников РСФСР. С 1968 по 1976 года руководил творческой мастерской живописи Академии Художеств СССР в Москве.

В его полотнах воплотились судьбы страны и людей. Его картины стали классикой современного искусства. Коржев поистине чуткий мастер, он чувствует человеческую душу, сострадает вместе с героями своих картин. Значительным творческим достижением стали картины «Художник» , «Уличный певец» , «Обреченная» , «Влюбленные» , 1959 «Художник» , 1960 -1961

Герои его картин сильные и мужественные люди, с чувством собственного достоинства. На протяжении долгих лет художник ведет напряженную работу, его искусство соединило в себе драматизм и философские обобщения, строгость и эмоциональность. «Проводы» , из серии "Опаленные огнем войны «, 1967 «Мать» , из серии "Опаленные огнем войны"

Гелий Коржев один из тех художников, который взвалил на свои плечи груз творческой, гражданской и человеческой ответственности. Обладая мощным зарядом творческой энергии, Коржев сумел перенести его на свои полотна. Его картины передают эту особую энергию зрителям. Полотна посвящены достоинству и духовной стойкости народа, терпению простых людей. «Следы войны» , из серии «Опаленные огнем войны» , 1963 -64 «Старые раны» , из серии «Опаленные огнем войны» , 1967

Родился в семье известного советского врача, директора Института им. Н. В. Склифосовского — П. Н. Обросова, репрессированного в 1937 году. В 1954 г. окончил Московское высшее художественнопромышленное училище (б. Строгановское). И горь Па влович Обро сов (1930 -2010) Обросов Игорь — художник, писатель. Картины, великолепно передающие контрастное освещение – солнечное или грозовое. Особенно любит изображать фактуру старого дерева (бревна, доски, зачастую облитые резким, «магниевым» светом – из за этого любая картина вся светится тревожным, зачаровывающим сиянием). Характерны необычные названия картин ( «Голубые озера льна» , «Печаль светлых сараев» , «Ветровичок» ). Портреты Ф. Тютчева, Б. Ахмадуллиной. Повести ( «Повесть о белой лошади, о голубых озерах льна и ласточках береговушках» ). «Девушка с белой лошадью» , 1967 «Близ деревни Домкино» , 1961

Среди основных работ: «Голубые озера льна» , (1966) «Яхромские высоты» , «Портрет матери» , «Противостояние» (1973— 1978), «Встречая и провожая эшелоны» (1979— 1980), «Скорбь земли Тверской» (1979— 1980), «Красное покрывало» (1993), «А за окном ночь» (1994), «Тишина. Сон» (1995). Обросов обратился к крестьянской теме, которая навсегда вошла в его творчество. Эскизы к картине «Голубые озера льна» , 1964

«Москва. Новые кварталы» , 1962 «Москва. Эстафета на проспекте Мира» , 1963

Важной темой творчества Игоря Обросова (1930 2010) стали репрессии 1930 х годов. Маленьким мальчиком он стал свидетелем сцены ареста отца Павла Николаевича Обросова, известного хирурга, директора Института имени Склифосовского. События той роковой ночи легли в основу многих работ художника, в том числе и картины « 1937 й. Мать и отец. Ожидание» . «Мальчиш-Кибальчиш» , 1963

«Мать и отец. Ожидание 1937 г. » , 1967 «В ожидании ареста»

Михаи л Андре евич Сави цкий (1922 -2010) — советский и белорусский живописец. Герой Беларуси (2006) Михаил Савицкий — Народный художник СССР и Белоруссии, лауреат Государственной премии СССР и трех Государственных премий Белоруссии, академик Академии художеств России и Национальной академии наук Белоруссии. Он награжден орденами Ленина, Трудового Красного Знамени, «Знак Почета» , орденом Отечественной войны II степени, орденом Франциска Скорины № 1, а также премией и орденом Андрея Первозванного, медалями. В 1959 году, как бывший военнопленный, он был награжден медалью «За победу над Германией» . М. А. Савицкий избирался народным депутатом СССР, депутатом трех созывов Верховного Совета БССР. «Партизаны» , 1963

Юность Савицкого совпала с годами второй мировой и Великой Отечественной войн. Двадцатилетний юноша, солдат Советской Армии, участвовавший в боях за Севастополь, он оказался почти в самом начале войны в застенках концлагерей Дюссельдорфа, Бухенвальда, Дахау, где не только в полной мере разделил трагедию народов Европы, но и активно боролся в рядах Сопротивления. По счастливой случайности Савицкий избежал смерти освобождение лагеря союзниками произошло в то время, когда юноша после семнадцатидневного пребывания под арестом за организацию побега, обессиленный, угасал в тифозном бараке. «Казнь (Наказание смертью)» . 1968 -69 гг.

Традиции русской живописи, исторической картины нашли в его творчестве своеобразное продолжение, не имеющее аналогов в современном искусстве М. А. Савицкий, автор более чем 200 тематических картин. Его творчество — развитие традиций тематической картины, основных тенденций русской живописи. Высшим воплощением его творчества стали ранние работы, посвященные Великой Отечественной войне, — «В партизаны» , «Убийство семьи партизана» , «Поле» , «Плач о павших героях» , «Беженцы» , «Партизанская Мадонна» , «Казнь» , «Клятва» , «Партизаны. Блокада» , «Витебские ворота» , «Ветераны» , цикл картин «Цифры на сердце» , посвященный трагедии концентрационных лагерей и цикл работ «Черная быль» о трагедии Чернобыля. «В партизаны» , 1964 «Партизанская мадонна» , 1967

Интересы Савицкого направлены на воплощение монументальных образов в станковом произведении. Написанное вслед за "Партизанской мадонной" полотно "Витебские ворота" решается почти как настенная роспись. Савицкий добивается трагедийного звучания картины. Состояние стоического напряжения идущей на зрителя толпы беженцев проявляется не только в горестно суровом выражении лиц, но и в композиционной "сбитости" фигур вокруг возвышающейся в центре женщины. Сферическое пространство, пронизанное несколькими потоками движений, динамично, и в то же время его планы максимально уплощены, "спрессованы", словно для того, чтобы не разрушить цельности изобразительной поверхности. «Витебские ворота» , 1967

Основополагающая, определяющая работа в творчестве Михаила Савицкого — картина «Поле» . Противостояние врагу, враждебной силе, откуда бы она ни исходила, суть и смысл этой работы. Россия как данность, Россия как вечность, Россия как вечное противостояние врагу, Россия как неизбежная Победа. «Поле» , 1971

Таи р Тейму р оглы Сала хов (1928 -…) Учился в Азербайджанском художественном училище им. А. Азимзаде (1945 1950). В 1957 г. окончил Московский государственный художественный институт им. В. И. Сурикова по мастерской П. Д. Покаржевского; выдающийся советский азербайджанский и российск ий художник живописец, педагог, профессор. Вице президент Российской Академии художеств с 1997 года.

Всем произведениям Таира Теймур оглы Салахова в видах изобразительного искусства свойственно особое благородство формы, стройность линий и контрастность цвета. Пластическая выразительность произведений художника созвучна беспокойным ритмам искусства ХХ века его работы на зарубежных выставках соседствуют с произведениями Пикассо и Брака, чье творчество всегда воспринималось как антитеза академизму. Сегодня в Российской Академии художеств, а также в академиях других стран (почетным членом некоторых мастер является) Салахов воспринимается как абсолютный классик. Монументальность образа и строгая красота живописи неизменные вечные качества искусства мастера.

Салахов, культовая фигура «сурового стиля» , сумел перейти к изящным камерным сюжетам, утвердив и здесь собственный, узнаваемый стиль. Мастеру интересны детали, предметы, события в неожиданных ракурсах, в которых раскрываются их особые, ранее оставленные без внимания, а теперь заново открытые смыслы. Изобразительный язык художника соединение монументальной уплощенности образа и мощной скульптурной пластики, объединенной сильным локальным цветом. «Женщины Апшерона» , 1967

Будь это многофигурные композиции, портреты, натюрморты или пейзажи изобразительная манера мастера подчиняет себе любой мотив. Мир и человек, сложное взаимоотношение двух начал природы и характера стали сферой его творческих исканий, раскрывающих правдиво, без условных прекрас, силу духа людей. «Айдан» , 1967

Помимо родного Азербайджана, России, вдохновляли художника и многочисленные поездки по миру. В пейзажах мастера главное искреннее восприятие увиденного, переживаемое в каждой работе как некий символ страны. Портреты художника утвердили его как тонкого психолога, умеющего остаться на грани между обобщенностью и уникальностью индивидуальных черт, раскрывающего неповторимость портретного образа. «Потрет матери» , 1969 «Утренний эшелон» , 1958

Влади мир Фёдорович Стожа ров (1926— 1973) — русский советский живописец. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Он рано приобщился к непреходящим ценностям отечественной культуры. Был влюблен в удивительную красоту природы северной России. В 1939 году он поступает в Московскую среднюю художественную школу при Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова, заканчивать которую ему пришлось в военные годы. Позже в 1945 году он поступает в Московский государственный институт им. В. И. Сурикова на живописный факультет. «Деревня Сёрдла. Коми АССР» , 1969

Пейзажи Владимира Стожарова связаны с непосредственными впечатлениями мастера и с его натурной работой на севере России. В 1968 году Владимир Фёдорович получил Государственную премию им. И. Е. Репина за серию пейзажей «На Севере России» , в которую вошли работы, написанные на Удоре.

В 1959 году Стожаров посещает Италию. Здесь он написал картину «Рим. Площадь Венеции» . Именно в Риме Стожаров воочию увидел, что знаменитый «венецианский колорит» Тинторетто и Тициана – не выдумка мастеров, а порождение природы. Палитра художника стала «жаркой» . Работа «Рим. Площадь Венеции» , была написана яркими красками: яркое синее небо, густая тень, контрастные по цвету дома, залитый солнцем асфальт. «Рим. Площадь Венеции»

«Венеция» , 1960

Стожаров обладал чувством исторической перспективы, чувством народных традиций. Его натюрморты — это ярмарка цвета, веселый праздник народного духа. Предметы старого крестьянского быта, изделия народных умельцев, такие как прялки, братины, туеса, вальки, расшитые льняные полотенца, поставленные и положенные на деревянные крестьянские столы под золотистыми бревнами русских изб все создает неповторимый дух того времени. «Хлеб, соль и братина» , 1964 «Натюрморт с яблоками»

Эдгар Илтнерс (1925 - 1983) - латышский и советский художник. Народный художник СССР (1977). Член-корреспондент Академии художеств СССР (1975) Учился в Риге в Академии художеств Латвийской ССР (1949 56) у О. Скулме и Э. Калныня; преподавал там же (с 1960, ректор в 1974 76). В своих произведениях 50 60 х гг. , исполненных в строгой, графичной, и в то же время пластически выразительной красочной манере, стремился к философски обобщённой интерпретации темы труда ("Мужья возвращаются", "Хозяева земли «, Мозолистые руки", "Бессмертие, все в Художественном музее Латвийской ССР, Рига). В 70 х гг. создал ряд картин (пейзажи, бытовые сцены), отличающихся энергичной, плотной манерой письма, светоносным колоритом ("У моря", "Пахари").

«Хозяева земли» , 1960 «Партизаны» , 1958

Дми трий Дмитриевич Жили нский (1927 -2015) — советский и российский живописец и график, педагог, профессор. Академик АХ СССР (1988; член-корреспондент 1978). Народный художник РСФСР (1987). Лауреат Государственной премии РСФСР им. И. Е. Репина (1985) и Государственной премии РФ (1999). Член Союза художников СССР с 1954 года. Ученик В. А. Фаворского. Автор многочисленных сюжетных полотен, картин портретов, в которых удачно, новаторски, переосмыслены традиции древнерусской иконописи и живописи раннего Возрождения. «В метро» , 1959 Автопортрет

«На новых землях» . Триптих, 1967

Дмитрий Жилинский буквально ворвался в искусство в середине 1960 х годов. Показанные на выставках картины «Студенты. В скульптурной мастерской» , «У моря. Семья» и, конечно, «Гимнасты СССР» заставили заговорить о молодом мастере как об одном из новаторов современной живописи. Зрителей поразило многое: активная роль цвета, линейная динамика композиции, монументальность пластического решения, переданное через силуэт ощущение массы, объема, но главное, – то, что впервые в отечественном искусстве послевоенного периода появился художник, сумевший переложить высокий стиль европейского Ренессанса и древнерусской иконописи на язык современности. «Студенты. В скульптурной мастерской» , 1964

Среди произведений, созданных во второй половине 1960 х годов, особое место занимает картина «Под старой яблоней» , где впервые в полную силу прозвучал один из самых проникновенных образов в творчестве Жилинского – образ матери. Рядом с ней, под ветвями плодоносящей яблони, изображены ее внуки Василий и Ольга, молодое продолжение рода Жилинских. Так, символический образ древа жизни получил в картине зримое воплощение. «Под старой яблоней» , 1967

Продолжая галерею своих учителей, Жилинский исполнил два варианта парного портрета художника Н. М. Чернышева с женой. В более ранней полуфигурной композиции впечатляет панорама русского пейзажа, выделяющая и укрупняющая фигуры, привносящая в работу специфическую философскую интонацию. В решении второго портрета конкретный сюжет с участием близких и реальных людей, благодаря творческому воображению мастера, магии рисунка и цвета, воспринимается зрителем подобно притче. Мотив прогулки превращается в метафору, в тему шествия, движения человека по жизненному пути. «Семья художника Н. М. Чернышева» , 1969

Между тем, в пластической моделировке фигур, точно найденных позах героев нет отвлеченной условности. Все персонажи, в том числе и дальнего плана, узнаваемо портретны. Магическое перевоплощение реальности, превращение обыденного в вечное, бытового в бытийное, свойственное лучшим работам Жилинского, и составляет, пожалуй, один из главных «секретов» его таланта. Именно в этом творчество мастера, принадлежащего к поколению «шестидесятников» , наметило путь для художественных поисков других художников, заявивших о себе уже в 1970 е годы. «У моря. Семья» , 1964 «На новых землях» . Триптих. Левая часть. «Строительство» , 1967

Дмитрий Жилинский принадлежит к числу тех мастеров, чье творчество открыло новые пути в развитии отечественного искусства второй половины ХХ века, дало начало традиции, сохраняющей свою актуальность и в настоящее время. Реализованная им принципиальная связь с великим культурным наследием прошлого обогатила язык современной живописи и продолжает оставаться школой для молодых художников. Среди «шестидесятников» Жилинский занимает особое место. «Я никогда не был художником «сурового стиля» . Я только жил одновременно с ними» , – говорил он о себе. «Гимнасты СССР» , 1965 -1965

Не «суровые» художники В «суровом» творчестве большое значение приобрели поиски самостоятельного языка, что порой снижало высоту осмысления действительности и, естественно, содержательность образа. Если говорить о наличии в искусстве оппозиционности высочайше утвержденным нормам творческой жизни, то Борис Георгиевич Биргер (1923 -2002) являет собой пример громкого несогласия с давлением на искусство. Оппозиционность в искусстве выражается и остается в истории не крикливыми заявлениями, а самим фактом тематического круга произведений и новаторскими приобретениями пластической формы, что в условиях советского времени часто бывало недоступным. «Натюрморт» , 1965

Б. Биргер пробовал свои силы в кубизме и абстракции. Он, почувствовав недостаточность своих начинаний, пошел, как принято говорить, своим путем, что обещало ему не просто трудности, а гонения за несогласия с режимом. В 1960 х и последующих годах удержаться на поверхности художественной жизни было трудно, если не объединиться в какую либо группу. Биргер же не вошел ни в одну из них, прибившись к определенному кругу литераторов, чьи портреты стали появляться в его творчестве Портрет литературоведа А. Морозова, 1960 -е Портрет Аллы Демидовой

В 1962 году он участвовал в выставке в Манеже и вместе с другими стал объектом хрущевского гнева. Был исключен из Союза художников, через несколько лет восстановлен, исключен и опять восстановлен. Но и исключения и восстановления положения его не меняли. Официального признания, выраженного в государственных заказах, выставках и премиях, он был лишен, да и сам к ним не стремился. Обретя независимость от художественной среды Биргер выработал свой ни на кого из современников непохожий пластический язык. Все пишущие о творчестве Биргера отмечают своеобразия его живописи льющийся свет, которым он обыгрывает предметную среду. Автопортрет

Портрет Василия Аксенова

Алексей Михайлович Грица й (1914— 1998) — советский живописец. Народный художник СССР (1974). Лауреат Государственной премии СССР (1978) и двух Сталинских премий третьей степени (1951, 1952). Он поступил в Академию художеств в 1932 году, получив до того первые наставления у скульптора Р. Баха. Молодой Грицай, не искушенный в художественных тонкостях и не помышлявший ни о каких сложных художественных задачах, на экзамене рисовал старательно и наивно, стремясь как можно вернее передать то, что видит. Он и сам был удивлен, когда его приняли. Долгое время Грицай преподавал в Художественном училище памяти 1905 года и в Московском государственном художественном институте имени Сурикова. Он всегда напоминал ученикам, что «умение рисовать, знание законов перспективы и композиции нисколько не остановят процесс самовыражения таланта, а только помогут ему. «На Оке. Весна» , 1969

Скромные, простые, по настоящему весенние "Подснежники" Грицая, при всей их незамысловатости, были новым словом в искусстве тех лет. У Грицая обновление выразилось в какой то новой камерности, задушевности пейзажа, в простоте мотива, во внимании к малой, незаметной части природы в отказе от больших монументальных композиций, тщательно и торжественно выстроенных. Но именно к таким работам готовили художника все годы его обучения. «Подснежники»

Природа у художника внутренне глубоко связана с человеком, поэтому столь естественны в его пейзажах жанровые мотивы ("Вечером", 1954). Грицай также любит писать животных ("Первая зелень. Стадо", 1957; "Туман. Телята", 1962). Художника привлекают и зимние, и осенние мотивы, но он во всем предпочитает переходные моменты, также и во времени дня (любимое время сумерки). Мотивы часто повторяются, складываются в серии картин, повествующих о световоздушной ткани природы в разных условиях. «Первая зелень. Стадо» , 1957 «Туман. Телята» , 1962

Грицай большое внимание уделяет колориту картины, который у него всегда гармоничен. Работы его написаны легко и свободно, но за ними стоит, как правило, долгая работа, они даются трудно, порой пишутся годами. Так писалась картина "Пора весны" (1959 1965), ставшая у Грицая одной из лучших. Это не конкретный пейзаж, а обобщенный образ весеннего мира. «Пора весны» , (1959 -1965)

Братья Ткачевы, Алексей Петрович (1925) и Сергей Петрович (1922) Народные художники СССР. Действительные члены Академии Художеств СССР. Члены Союза художников СССР. Лауреаты Государственной премии имени И. Е. Репина (1968) и Государственной премии СССР (1978). Серебряная медаль Академии художеств СССР (1961). А. П. Ткачев неоднократно избирался в состав правления Союза художников РСФСР. С. П. Ткачев занимал должность секретаря Союза художников РСФСР, а с 1976 по 1984 гг. возглавлял Союз художников. А. и С. Ткачевы, «В трудные годы» , 1958 Автопортрет. 1960

Ткачевы работают как вместе (с 1952 года), так и самостоятельно; каждый из них является крупной творческой личностью со своей индивидуальностью. С. П. Ткачев – художник острой живописной манеры, тяготеющий к масштабным полотнам, к созданию сюжетно развернутых работ. А. П. Ткачев – более лиричен, он тонкий живописец и рисовальщик. В совместно написанных картинах эти качества соединяются и представляют художнический феномен "братьев Ткачевых", который включает в себя редкое мастерство в создании "большой картины" с досконально проработанной внутренней драматургии и живым языком пленэрной живописи. С. П. Ткачев, «Девушка с лошадью» , 1955 А. П. Ткачев, «Старушка» , 1961

Знаменитая картина братьев «Между боями» , где, используя минуты затишья, красноармейцы учатся грамоте. Президент Академии художеств Б. В. Иогансон отмечал, что картина «проникнута подлинной человечностью. Правда времени передана в ней с большой силой и убедительностью» . Ко времени той персональной выставки на улице Горького в Москве любителям живописи были известны многие работы Ткачевых и, конечно, картина «Матери» , снискавшая славу скандальной. Чиновникам не понравились женщины на скамейке – слишком мрачные. Но зрителям картина эмпанировала, каждый находил в ней свое. У каждой из женщин своя судьба, но они действительно объединены каким то тревожным чувством.

Братья Ткачевы воплотили своим искусством живую нить традиции, идущей от великанов XIX века – Александра Иванова, Сурикова, Репина, от вставшего вровень с мастерами Аркадия Пластова, духовного наставника живописцев. Искусство Ткачевых – это искусство говорящих картин, в которых есть глубокая мысль, досконально разработан сюжет. И в разработке его авторы всегда идут от натуры. В центре внимания художников– русская деревня. Через призму деревенской жизни они воспринимают все происходящее в стране. «Ветреный день» , 1957 «Прачки» , 1959

Обращение художников к сельской тематике сближает их творчество с актуальными в 1960 х – 1970 х годах тенденциями в литературе, в прозе писателей "деревенщиков" (Ф. А. Абрамов, В. И. Белов, В. Г. Распутин, В. М. Шукшин), открывших новый взгляд на трагедии и "силу правды" людей, живущих "на земле". «Первые шаги» , 1966 -67 «Детвора» , 1958 -60

«Родная земля. Победители» , 1968 «Хлеб республики» , 1967 -70

Татьяна Ниловна Ябло нская (1917— 2005) — советский, украинский живописец. Народный художник СССР (1982), лауреат Государственной премии СССР (1979) и двух Сталинских премий второй степени (1950, 1951). Родилась в Смоленске в семье художника, графика и преподавателя словесности Н. А. Яблонского. На протяжении всей своей творческой жизни участвовала в многочисленных всеукраинских, всесоюзных и международных выставках, среди которых самые значительные: • 1956 — XXVIII Международная художественная выставка в Венеции (биеннале); • 1958 — Всемирная выставка в Брюсселе. Начиная со студенческих лет, имела более чем 30 персональных выставок в Москве, Лондоне, Будапеште, Киеве, других городах. Много лет проработала в Киевском государственном художественном институте, ее учениками является множество известных художников Украины. Автопортрет, 1945

Из за войны Татьяна Яблонская вынуждена была сменить место жительства и образ жизни. Наконец В 1944 году Яблонская возвращается из Саратовской области в Украину, где рисует свой первый шедевр – картину «Хлеб» . Молодую художницу наконец то замечают, она обретает всеобщее признание среди советской публики, картина появляется на мировых выставках, ее даже печатают в нескольких учебниках. А через 5 лет за эту же картину Яблонскую наградят Сталинской премией. А пока что, в том же 1944 году художница становится членом Союза художников и одним из преподавателей Киевского художественного института. Она продолжает творить, и в 1951 году получает вторую Сталинскую премию, теперь за картину «Весна» . «Хлеб» , 1944 «Весна» , 1950

Иногда художница выбирает совсем будничные сюжеты – простудившаяся девочка «лечит» своего игрушечного медвежонка, накладывая ему повязку, чтобы горло не болело, другая девочка внимательно смотрит, как распускаются почки на ветках, поставленных в воду. Но и такие простые рассказы убеждают нас в том, что всё хорошо, болезнь пройдёт, наступит весна и жизнь опять будет радостной и солнечной. «Простудилась» , 1953 «За окном весна» , 1954

Она выбирала для своих полотен яркие, солнечные цвета, поэтому и сами работы, и изображённая в них жизнь казались ясными и радостными. Одна из самых знаменитых картин Яблонской – «Утро» . На картине показана легкая и непринужденная обстановка в обыкновенном доме. Проснувшись ранним весенним утром, девочка лет десяти, встала в позу «ласточки» , словно балерина. Солнце послало свои первые лучи на землю – тени на полу довольно длинные. Пионерский галстук, который висит на спинке стула, означает, что школьные занятия еще не закончились. Осветившаяся первыми солнечными лучами комната окутана утренней прохладой. Постель девочка еще не убрала, она вся вытянулась навстречу новому дню, словно приветствуя его. Девочка радуется солнечному утру, а вместе с ней радуются все живые существа и даже растения. «Утро» , 1954

Творчеству Яблонской присущ широкий жанровый диапазон: художница писала портреты, натюрморты, пейзажи, тематические картины. Значительная часть ее жизнеутверждающих картин посвящена труду и быту украинского народа. Главное место в творчестве принадлежит темам материнства, спорта и колхозного труда. Ее картины и этюды, посвященные маленьким детям, школьницам и их родителям, отличаются живописной свежестью, жизнерадостным мироощущением. В поисках самовыражения и своего «я» художница увлеклась национальной формой в искусстве, графическим обобщением. В это время появляются картины «Невеста» , «Колыбель» , «Бумажные цветы» , «Мать и дитя» , «Родоначальница» , «Лебеди» . «Родоначальница» , 1966 «Невеста» , 1966

«Лебеди» , 1966 «Колыбель» , 1968

«Выплыл лубок, всевозможные народные картинки, народное искусство всех видов, бумажные цветы и пр. Я с восторгом верила в то, что нашла, наконец, настоящую точку опоры. В то время много было разговоров о самовыражении, о поисках своего «я» , и мне казалось, что и я, наконец то, скажу свое слово» говорила об этом периоде художница. «Бумажные цветы» , 1966 «Мать и дитя» , 1966

«Наверное, в этом увлечении было и что то хорошее. Ведь оно было искренним. Наверное, самые лучшие работы этого периода что то стоят. Но в основном, как мне теперь представляется, это направление было ложным. Это был виток в сторону, в поисках выхода из тупика, куда завели меня 50 е годы. Я забыла о возможностях живописи и стала на путь внешней декоративности. Этот путь более прост. В конце 60 х годов меня потянуло несколько «вглубь» . Такие вещи, как «Безымянные высоты» , «Отдых» , стоят уже на пути выхода из декоративизма. К ним относится и «У синего моря» . Я почувствовала потребность в живых ощущениях» . «Чайная» , 1967 «У синего моря» , 1971

Большинство «шестидесятников» были выходцами из интеллигентской или партийной среды, сформировавшейся в 1920 е годы. Их родители, как правило, были убеждёнными большевиками, часто участниками Гражданской войны. Вера в коммунистические идеалы была для большинства «шестидесятников» самоочевидной, борьбе за эти идеалы их родители посвятили жизнь. Огромное влияние на мировоззрение шестидесятников оказала Великая Отечественная война. Столкновение с жизнью и смертью, с массой реальных людей и настоящей жизнью страны, не закамуфлированное пропагандой, требовало формировать собственное мнение. Кроме того, атмосфера на передовой, в ситуации реальной опасности, была несравнимо более свободной, чем в мирной жизни. Наконец, экзистенциальный фронтовой опыт заставлял вообще по иному относиться к социальным условностям. Определяющими событиями в жизни поколения стали смерть Сталина и доклад Н. С. Хрущёва на ХХ съезде КПСС (1956 год), разоблачавший сталинские преступления. Для большинства «шестидесятников» XX съезд был катарсисом, разрешившим многолетний мировоззренческий кризис, примирявший их с жизнью страны. Последовавшая за XX съездом либерализация общественной жизни, известная как эпоха «оттепели» , стала контекстом активной деятельности «шестидесятников» . Как отмечал сын Хрущёва Сергей: «у каждого поколения есть своя главная тема, а нас, шестидесятников, влекут годы первой „оттепели“» . Многие шестидесятники стали убеждёнными интернационалистами и сторонниками «мира без границ» .