ОСНОВЫ КОМПОЗИЦИИ ТЕМА : Арт-объект «Посвящение» . (Рекомендуемые темы)
Модерн (от фр. «современный» ) – художественное направление в искусстве, наиболее распространенное в конце 19 -го начале 20 -го века, имеет четкие хронологические границы: от конца 1880 -х г. г. до 1914 года, т. е. до начала Первой мировой войны. Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий. Основным орнаментом и формой декора нового стиля становится изогнутая линия, похожая на локон волос или изгиб стебля растения. Модерн стремился стать единым синтетическим стилем, в котором все элементы из окружения человека были выполнены в одном ключе.
Антонио Гауди – испанский архитектор, большинство причудливофантастических работ которого возведено в Барселоне. Великий архитектор, модернист, творивший вне устоявшихся стилей. Человек, который почти не работал с чертежами. Архитектор, специалист, в основе труда которого лежит скрупулезный математический расчет. Главными его инструментами были воображение, интуиция и вычисления в уме. Прямых линий он не терпел и стремился передать в своих проектах живую силу природы, считая изогнутые и округлые линии проявлением ее божественной сущности. Подражая природе, он создавал свои творения похожими на облака и деревья, воду и солнечный свет, ветер и огонь, и мечтал о том, чтобы углов, ровных стен и замкнутых пространств не было совсем.
Один из проектов великого Гауди предоставил ему уникальную возможность совместить стихию природы и выразительность собственного архитектурного гения. Этот проект – парк Гуэль, который представлял собой прообраз некого идеального города-сада. Гауди стремился сразу погрузить посетителей парка в фантасмагорический мир, используя причудливые формы, символы, знаки. Облицовка стен мозаикой из колотой керамической плитки стала отличительной чертой построек Гауди. Визитная карточка парка – цветное мозаичное покрытие извилистой скамейки-парапета и живности, включая знаменитого дракона, ставшего символом города.
А. Гауди. Парк Гуэль
А. Гауди. Парк Гуэль. Мозаика
Экспрессионизм (от лат. «выражение» ) – течение в европейском искусстве, получившее наибольшее развитие в первое десятилетие 20 века, преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремился не столько к воспроизведению действительности, сколько к выражению эмоционального состояния автора. Экспрессионизм представлен во множестве художественных форм, включая живопись, литературу, театр, архитектуру, музыку и танец. В противовес натурализму и эстетизму здесь утверждается идея прямого эмоционального воздействия, повышенной аффектации, сгущение мотивов боли, крика и, таким образом, принцип выражения преобладает над изображением. Банальность, уродливость и противоречия современной жизни порождали у экспрессионистов чувства раздражения, отвращения, тревоги, которые они передавали при помощи угловатых, искареженных линий, быстрых и грубых мазков, кричащего колорита. В большей степени это относится к двум художественным объединениям начала 20 века, сформировавшимся в Германии – «Мост» (глава и вдохновитель объединения Эрнст Людвиг Кирхнер) и «Синий всадник» (идеологом объединения был Василий Кандинский). Художники «Синего всадника» находились под влиянием беспредметного искусства и использовали в своих полотнах жесткие, дисгармоничные, пронзительные цвета, будоражащие чувства людей. Таким путем они стремились достичь главной цели своего творчества – раскрыть свое нервное напряжение, донести его до зрителя.
Василий Кандинский – выдающийся русский живописец, график, теоретик искусства. Вместе со своим другом Францем Марком в декабре 1911 года в Мюнхене организовывает творческое объединение представителей экспрессионизма «Синий всадник» . В творчестве объединения «акцент делался на выявлении ассоциативных свойств цвета, линии и композиции» . «Картина с белой формой» «Пейзаж с красными пятнами»
В. Кандинский «Композиция IV» В. Кандинский «Композиция VII» В. Кандинский «Композиция V»
В. Кандинский «Фуга» В. Кандинский «Импровизация. Потоп» В. Кандинский «Страшный суд» В. Кандинский «Картина с тремя пятнами»
Абстракционизм (от лат. «отвлеченный» ) или беспредметное, нефигуративное искусство, возник в начале 1910 -х годов в нескольких странах Европы. Это было вызвано небывалыми до этого экспериментами в изобразительном искусстве. Часть художников перестала видеть в реальной жизни повод для вдохновения, их перестали интересовать реальные предметы. Художники-абстракционисты выстраивали свои композиции исходя из формальных элементов: линия, цветовое пятно, отвлеченная конфигурация формы. С самого начала абстрактное искусство развивалось в двух направлениях. Первое направление – геометрическая абстракция, для нее характерны правильные четко очерченные конфигурации. В этом направлении работали Казимир Малевич, Пит Мондриан, Робер Делоне. Второе направление – лирическая абстракция. Художники, работавшие в этом направлении, предпочитали свободно текущую форму, наполненную мерцающими, пульсирующими цветами. Основоположником этого направления абстракционизма был Василий Кандинский.
Пит Мондриан Питер Корнелиус Мондриан – нидерландский художник, положил начало абстрактной живописи. Его картины, представляющие собой сочетания прямоугольников и линий, являются примером наиболее строгой, бескомпромиссной геометрической абстракции. Мондриан отказывался от малейших намеков на сюжет, моделировку и пространственную глубину. Строил композиции на основе свободно сконструированной и заполнявшей холст пространственной сетки. Используя прямые линии жестких контуров, он делал композиции асимметричными, достигая динамического равновесия.
Пит Мондриан «Площадь Согласия» «Композиция А» «Композиция № 2» «Композиция с большой красной плоскостью»
Пит Мондриан «Бродвей буги-вуги» «Трафальгарская площадь» «Композиция 10» «Нью-Йорк»
Абстрактные картины Робера Делоне по замыслу художника являются «чисто пластическими конструкциями, исключающими какое-либо психологическое или метафизическое истолкование» , зато техника исполнения свидетельствует о большом мастерстве в обращении с цветом. «Радость жизни» «Круглые формы»
Василий Кандинский – видный русский живописец, график, теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма. Кандинский работал над теорией беспредметного искусства и на первый план в цветовой композиции выдвинул пятно. В этом положении заключалось принципиальное отличие концепции беспредметного искусства Кандинского от «геометрической» тенденции абстракционизма. «Контрастные звуки» «Черный аккопанемент»
В. Кандинского увлекала связь живописи и музыки, поскольку он был необычайно чувствителен к звуку и мог буквально «слышать» цвета – эта способность называется «синестезией» . По Кандинскому, горизонтали звучат «холодно и минорно» , а вертикали – «тепло и высоко» . Острые углы – «теплы, активны и желты» , а прямые – «холодны, сдержанны и красны» . Зеленый цвет «уравновешен и соответствует тонким звукам скрипки» , красный «может создавать впечатление сильного барабанного боя» , синий присутствует «в глубине органа» , а голубой «развивает звук флейты» .
«Оранжевый фиолетовый» «Композиция 8» «Секущая линия» «Желтое-красное-синее»
Пауль Клее – немецкий и швейцарский художник и график, теоретик искусства, разработавший странный, сказочный художественный язык, посредством которого он хотел изобразить мир, лежащий по ту сторону действительности. Свое кредо Клее сформулировал в Творческой исповеди - «Целью изобразительного искусства является не воспроизводство видимого человеческому глазу, но воссоздание постигнутого» . В основу его работ заложены наблюдения природы, будь то ландшафт, ботаника, космос. Клее исследовал возможность звуков и чистых тонов гармонировать и контрастировать, искал их соответствия. Его живопись стала настоящим эквивалентом ритмических и тональных музыкальных соотношений.
Пауль Клее «Сад роз» «Горная деревня»
Пауль Клее «Город из сна» «Огонь и полная луна» «Город, увенчаный храмом» «Полная луна» «Золотая рыбка»
«Уходящая птица» «Красный шар» На надгробной плите выгравировано собственное высказывание Клее о себе: «Посюсторонне меня не постичь. Ибо как раз пребываю средь мертвых и среди нерожденных. Несколько ближе к Вселенной, чем водится. И все же недостаточно близко…. »
Константин Бранкузи – французский скульптор румынского происхождения, создал собственный оригинальный стиль скульптурной абстракции. Бранкузи исключал из своих работ все реалистические детали, сокращал формы до простейшей геометрической сущности. Именно простота и примитивизм форм достигли в его творчестве максимального эффекта. Бранкузи акцентировал фактуру использованных им скульптурных материалов, отдавая предпочтение гладко отполированным поверхностям камня и металла или шероховатости грубо отесанного, потресковавшегося дерева.
Работы К. Бранкузи «Поцелуй» «Скульптурная голова» «Спящая муза» «Рыба» «Птица в пространстве»
Работы К. Бранкузи
Жан (Ханс) Арп Жан Арп – немецкий и французский художник, график, скульптор, поэт, один из родоначальников абстрактной скульптуры. Всем работам Арпа свойственна мистическая запредельность. Его стиль – использование мягких, позаимствованных у природы форм, к примеру, облаков, листьев, человеческих тел. Природные организмы живут в собственном пространстве, которое находится очень далеко от реальности. Арп искал нетрадиционные формы в изобразительном искусстве. В своих композициях он использовал коллажи, а чуть позже рельефы, изготовленные из окрашенного дерева или картона. Абстрактные деревянные рельефы, созданные художником, кажутся забавными, шутливыми, однако за показной несерьезностью всегда стоят сложная интеллектуальная деятельность и глубокая творческая проницательность.
Жан (Ханс) Арп «Композиция» «Лес, земные формы» «Портрет Тристана Тцара» «Начало пейзажа» «Форма земного леса»
Жан (Ханс) Арп
Отто Герберт Хайек Отто Хайек – немецкий скульптор, художник-абстракционист и график. Хайек – художник, осваивающий среду обитания человека, главный предмет его творческого интереса – эстетическая организация среды, создание колоссальных монументальных городских ансамблей и композиций, предназначенных для интерьерных пространств.
Отто Герберт Хайек
Отто Герберт Хайек
Супрематизм (от лат. «наивысший» ) – направление в авангардистском искусстве, основанное в первой половине 1910 -х годов Каземиром Малевичем. Являясь разновидностью абстракционизма, супрематизм выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний. Геометрические фигуры написаны чистыми цветами и погружены в некое пространство, где господствуют законы динамики. В супрематических картинах отсутствует представление о «верхе» и «низе» , «левом» и «правом» – все направления равноправны. Возникает самостоятельный мир, замкнутый в себе.
Казимир Малевич Каземир Малевич – художник-авангардист польского происхождения считал, что искусство должно быть выше природы и совершенно отделено от нее, и использовал в своем творчестве геометрические формы, поскольку их в природе не существует. Стремясь познать суть искусства и сделать осязаемой границу между небытием и явью, он, шагнув в будущее, создал «Черный квадрат» – картину, которая уже много десятилетий удивляет, настораживает, заставляет думать. «Черный квадрат» был написан в 1915 г. на самой заре зарождения супрематизма. Он стал логическим объяснением этого стиля, наглядным пособием – вершина авангарда, идеальный символ, выше которого еще никто не поднялся. Полотна Малевича известны многим, но понятны единицам.
Работы К. Малевича «Автопортрет в двух измерениях» «Супрематизм (1916)» «Желтый, оранжевый, зеленый» «Супрематизм» «Полет на аэроплане»
Работы К. Малевича «Живописные объемы в движении» «Супрематизм 8» «Супрематическая живопись» «Супрематизм 10»
Любовь Попова – русский и советский живописец, график, театральный художник. В своем творчестве Попова прошла много этапов и в определенный период стала участником группы «Спремус» , организованной К. Малевичем. В это время супрематизм особенно увлекает ее и она создает цикл «Живописная архитектоника» . Однако от работ Малевича Попову отличает многообразие красочных ритмов.
Работы Л. Поповой «Живописная архитектоника» «Динамическая структура» «Живописная архитектоника 2» «Пространственно-силовая конструкция»
Лазарь Лисицкий, также широко известен как Эль Лисицкий - советский художник, архитектор, книжный график, дизайнер, театральный декоратор, мастер фотомонтажа. Лисицкий разрабатывал композиции, которые называл «Про. УНы» – проекты утверждения нового. Они представляли собой аксонометрические изображения находящихся в равновесии различных по форме геометрических тел, то находящихся на твердом основании, то как бы парящих в космическом пространстве. В последствии проуны стали основой для мебельного дизайна, проектов театральных макетов и декоративнопространственных установок.
Эль Лисицкий Проун 1 А Мост 1 Проун 3 А Проун 1 Проун 2 Проун 10
Эль Лисицкий Геометрия и искусство Без названия Тут кончено Проун 19 D Удар все рассыпано
Владимир Татлин – русский и советский живописец, график, художник театра, один из основоположников русского конструктивизма. Татлин увлекался проблемой материала в искусстве, ставил перед собой экспериментальные задачи на сочетание разных материалов (дерева, стекла, металла, картона и пр. ) таким образом, чтобы свойства каждого из них были выражены в примененной художником форме, в специфичной данному материалу работе. Татлин выполнил несколько серий таких композиций, названных им «живописными рельефами» . «Контррельефы» – более сложные композиции – отличались от «рельефов» тем, что были подвешены в пространстве на тросах, проволоке или шпагате. Так возникла идея висячей композиции-конструкции.
Владимир Татлин «Трамвай В» «Угловой контррельеф»
Яков Чернихов – советский архитектор, художник, график, теоретик архитектуры, всегда и везде пропагандировал язык графики. Он считал, что владение графическими приемами, начертательной геометрией, рисунком – это обязательные навыки, наряду с грамотностью. Графические работы Чернихова, исполненные романтики, экспрессии и пафоса технического века, характеризуют его как крупнейшего представителя жанра архитектурной фантазии. Своеобразие архитектурно-графического языка Чернихова во многом питалось глубоким увлечением проблемами орнамента и ритма и поразительным мастерством во владении всеми известными видами графической техники.
Работы Я. Чернихова
Работы Я. Чернихова
Наум Габо – российский и американский художник, скульптор и архитектор, теоретик искусства, один из лидеров мирового художественного авангарда. Характерной чертой его творчества являлся постоянный поиск новых техник скульптурного моделирования для воплощения форм, рожденных его воображением. Наум Габо создал необыкновенно красивые скульптуры, пользуясь довольно простыми геометрическими элементами. Непосредственная заслуга мастера состоит в открытии струнного и спирального метода «ваяния» скульптур, дематериализации и эффекте прозрачности форм. Пластическим средством Габо служили не масса объема, а ее противоположность – пустота.
Работы Наума Габо
Все скульптуры Габо геометрической направленности – при изображении человеческой фигуры, видны внутренние решетки и перегородки, которые «рисуют» нос, губы, рот и одновременно являются необходимыми конструкциями.
Пабло Пикассо – испанский художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер, основоположник кубизма, в котором трехмерное тело в оригинальной манере рисовалось как ряд совмещенных воедино плоскостей. Пикассо не был «зациклен» на каком-то одном стиле, а искал способы и виды самовыражения в разных художественных направлениях. Коллаж стал важной вехой в истории кубизма. Картина, преодолевающая плоскостность, эстетически символизировала обращение к реальной природе вещей. Прорыв в третье измерение и в мир реальных материалов открыл огромную свободу творчества для Пикассо. Он использовал все: газетные вырезки, части музыкальных инструментов, ноты, коробки, ткань, металл. Реальность погружалась в пространство картины и окружалась игрой цвета и света, чтобы проявить себя в новом качестве.
Коллажи Пабло Пикассо
Пикассо изобрел технику ассамбляжа, собирая элементы композиций среди мусора и обломков, он составлял из них скульптуры, отливаемые затем в бронзе. Способность по-новому применить вещь и ввести ее в произведение искусства – свидетельство безудержной фантазии и чувства юмора мастера. «Голова женщины» «Коза» «Голова воина» «Голова быка» «Женщина с детской коляской»
Пикассо создает раскрашенные скульптуры из листового железа. Кульминация этой техники – 15 -метровая скульптура в Чикаго.
Сюрреализм (от фр. «сверхреальный» , «сверхестественный» ) – направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920 -х годов во Франции и отличалось использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм. В 1919 году Зигмунд Фрейд опубликовал книгу под названием «Интерпретация снов» , в которой он заявил, что сны символически выражают наши неосознанные желания. Эта работа имела успех и особенно сильное воздействие она оказала на художников-сюрреалистов. Сюрреальность – совмещение сна и реальности, для чего художники предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов. Нередко сюрреалисты выполняли свои работы под воздействием гипноза, алкоголя или голода, ради того, чтобы достичь глубин своего подсознания. В соответствии с теорией сюрреализма, изначально для художника не существует не только изображаемого предмета, но и темы. Сюрреалистические работы узнаваемы. Их отличают абсурдные, нелогичные сочетания разнородных форм, изощренность фантазии и, как правило, профессионализм: высокая живописная культура, умело построенные композиции, точный рисунок, превосходная фактура, чувство линейного и пространственного ритма, талантливые цветовые решения.
Рене Магритт – бельгийский художник-сюрреалист, выстраивал сюжет своих полотен на игре контрастов. Сочетание несочитаемых в природе, но вполне природных форм и предметов. Художник, тесно сотрудничающий с сюрреалистами, просил называть его «магическим реалистом» , ибо его работы не столько обращены к подсознанию, сколько побуждают к активному размышлению и поиску ответов на вечные вопросы. Картины художника часто напоминают ребусы, но ребусы, которые полностью разгадать невозможно.
Работы Р. Магритта «Загадки горизонта» «Прекрасный пленник» «Оазис» «Трудный переход» «Память»
Магритт считал, что творчество не возможно подвергнуть анализу, что это загадка, философская головоломка. «Победа» «Голконда» «Прекрасный мир» «Пророчесто»
Хуан Миро – испанский живописец, скульптор, график, руководствовался в своем творчестве принципами сюррреализма и на протяжении всей жизни оставался верен главному принципу этого направления – освобождению творческого подсознательного начала из-под контроля логики и разума. Миро создал под влиянием сюрреализма поэтично-фантастический язык знаков. Работы Миро, поначалу предметные, постепенно превращались в воплощения странных, безудержных фантазий художника.
Работы Х. Миро «Возделанная земля» «Рождение мира» «Человек, бросающий камень в птицу» «Карнавал» «Без названия»
Генри Мур Скульптура сюрреализма, отличавшаяся тотальным господством вымысла, открыла технические возможности новых материалов, новые темы и методы создания образов, обновив язык скульптуры, объединивший в себе изобразительное начало с выразительным. Наиболее известный представитель сюрреализма в скульптуре – Генри Мур, британский художник и скульптор. Такого явления как пейзажная скульптура, в прямом смысле слова, не существует. Однако Мур сумел использовать и пейзаж и небо в качестве дополнительных выразительных элементов. Его уникальный сквозной прорыв формы позволил исследовать не только внешние, но и внутренние поверхности, что дало возможность привязать скульптуру к окружающей среде. Иначе говоря, благодаря прорыву формы, Мур значительно увеличил скульптурный объем, а тем самым и степень потенциального интереса к скульптуре.
Работы Генри Мура «Полулежащая фигура» «Скульптура из трех частей» «Двойное лезвие ножа» «Король и королева»
Франциско Инфанте – российский художник, мечтатель и конструктор, когда-то кинетист, где-то концептуалист. Внес свой вклад в искусство, создав в начале 70 -х годов «артефакты» . Артефакт – вручную сделанный объект, что символизирует гармонию искусства, техносферы и природы. Идея проста: в естественное природное пространство внедряется объект, сделанный руками художника, так, чтобы создать с природой некое иллюзорное целое. Например, заслонить линию горизонта цветной полоской, закрепленной на невидимой леске. Создать из зеркал или зеркальной фольги сложное отражение-искажение окружающего. Изобразить в синем небе, на фоне облаков какую-нибудь супрематическую дыру.
«Очаги искривленного пространства» «Жизнь треугольника»
«Супрематические игры» «Сквозь камень» «В небесах-облаках» «На реке»
Кинетическое искусство (от греч. «движение» , «приводящий в движение» ) – направление в современном искусстве, возникшее в 1950 -х годах и ориентирующееся на пространственно-динамические эксперименты с нетрадиционными материалами, обыгрывающие эффекты реального движения всего произведения или отдельных составляющих его форм. Современное кинетическое искусство располагает возможностями света, цвета, многих материалов, звука, кроме того, оно может решить практически любую программу их взаимодействия. Посвятившие себя кинетическому искусству, художники задаются различными эстетическими целями. Ж. Тенгли стремится оживить машины, П. Бюри обыгрывает замедленное движение, Х. Ле Парк и В. Коломбо используют феномены прозрачности, игры света и теней, Х. де Ривера сосредоточен на художественных эффектах работы моторов, прибегая к сложным приспособлениям. В современном кинетическом искусстве движение воспроизводится по-разному: некоторые произведения динамически преобразуются самим зрителем, другие – колебаниями воздушной среды, а третьи приводятся в движение мотором или электромагнитными силами.
Александр Колдер – американский скульптор, который приобрел всемирную известность замысловатыми фигурами из проволоки и так называемыми «мобилями» – кинетическими скульптурами, которые приводятся в движение электричеством или ветром. Параллельно с работой над мобилями, Колдер создавал так называемые «стабили» – статичные скульптуры из окрашенного металла. Ранние стабили, небольших размеров, имели облик невиданных животных, измышленных фантазией художника. Позднее они приобрели характер монументальных скульптур. Крупные конструкции, смонтированные из металлических плоскостей разнообразных очертаний, врезаются в пространство, оставляя обширные проемы в виде арочных пролетов.
Александр Колдер
Александр Колдер
Александр Колдер
Александр Колдер
Жан Тэнгли – швейцарский скульптор, представитель кинетического искусства, обладающий неисчерпаемым воображением. Создавал «метамеханические» скульптуры, представляющие собой геометрические элементы из металла, приводимые в действие моторчиками, ремешками и шестеренками, которые создавали случайные и постоянно меняющиеся композиции на фоне монохромных деревянных пластин. Наивные и трогательные, насмешливые и провокационные, механические скульптуры не перестают удивлять, вызывая одобрение, восторг или улыбку. Монументальные машины, исполняющие музыкальные композиции, выставляют напоказ зрителю механизм, словно приоткрывая тайну создания мелодии.
Жан Тэнгли
Фонтан на площади Игоря Стравинского у Центра Жоржа Помпиду в Париже был создан Жаном Тэнгли совместно с женой, французской художницей Ники де Сен-Фалль. Фонтан состоит из 16 -ти находящихся в движении скульптур (мобилей). Тэнгли выполнил черные механизмы из железа, сочетающие шестеренки и колеса со шлангами, цикл за циклом повторяющие замысловатые движения. Сен-Фалль создала яркие авангардные фигуры из полистирола. Торчащие из воды, огромные яркие фигуры разыгрывают спектакль под лучшие произведения Стравинского, по очереди выпуская струйки воды.
Фонтан Стравинского в Париже
Этторе Соттсасс – известный итальянский архитектор и дизайнер, получил известность как промышленный дизайнер, скульптор, фотограф и основатель дизайнерского объединения «Группа Мемфис» . Философия Сотсасса состояла в том, что все, что нас окружает должно будоражить и вызывать яркие эмоции, что сильная реакция, пусть и отрицательная, лучше, чем никакая.
Этторе Соттсасс и «Группа Мемфис» .
Этторе Соттсасс и «Группа Мемфис» .
Этторе Соттсасс и «Группа Мемфис» .
Этторе Соттсасс и «Группа Мемфис» .
Фриденсрайх Хундертвассер ( Фридерик Стовассер ) Ф. Хундертвассер – австрийский архитектор и живописец. Эксцентричный, гениальный, провокатор, фанатик, космополит, бродяга и артист. Творчество Хундертвассера ярко и насыщенно, в корне отличающееся от традиционного искусства. Его работы алогичны, что не помешало ему создать самобытно-космическое архитектурно-декоративное направление. Свою архитектурную концепцию он изложил в нескольких манифестах и воплотил во множестве проектов. Его Идеальный Дом – это безопасная уютная нора, которую сверху покрывает трава, но нора со множеством оконглаз. Он говорил, что «Дома состоят не из стен – это иллюзия, - а из окон» .
Хундертвассер – создатель собственного оригинального и виртуозного стиля, вывел теорию «диктатуры окон» , когда каждое окно индивидуально и имеет право на собственную жизнь, полную радости и праздника. Он считал, что нельзя жить в одинаковых домах – коробках, людям от этого плохо. В своих творениях он широко использовал битую керамическую плитку, делал из нее мозаику, расцвечивающую до этого ровную и тоскливую поверхность, насаживал на дома золотые или голубые купола-маковки, нарушающие монотонность прямой крыши, выделял место для деревьев и травы, чтобы немного компенсировать урон, наносимый обществом природе. Любимое живое существо Хундертвассера – улитка с домиком на спине. Спираль была его любимой темой, формой и содержанием, символом бесконечности мысли и совершенства. Он рисовал бурные водовороты с особой страстью, чувствуя какую-то неведомую силу, управляющую рукой художника. Его стиль «бесконечной линии» вошел в число художественных эмблем Австрии.
Ф. Хундертвассер
Ф. Хундертвассер
Ф. Хундертвассер
Заха Хадид – британский архитектор и дизайнер арабского происхождения. Ее считают одной из самых оригинальных и самых успешных современных архитекторов в мире. В 2004 году Заха Хадид стала первой в истории женщиной-архитектором, награжденной Притцкеровской премией. Стиль ее работ – деконструктивизм, яркое противопоставление отточенному и тщательно спланированному конструктивизму. Хадид, полностью отметая общепринятую геометрию, использует искаженную перспективу, выявляющую острые углы и кривые линии. Кроме чисто архитектурной работы, Заха Хадид охотно экспериментирует в жанре инсталляции, создает театральные декорации, выставочные пространства, интерьеры, обувь, картины.
Заха Хадид
Заха Хадид
Филип Трейси – знаменитый современный ирландский модельершляпник, любимчик английской аристократии, создающий ежегодно большое количество наипричудливейших шляпок, благо, в церкви и на скачках английским домам предписано находиться обязательно в головном уборе. Шляпка от Трейси уже мало похожа на полноценную шляпу, скорее, это маленький изящный или эпатажный аксессуар, непонятным образом крепящийся к голове. Изобильно украшенные шляпы обычно имеют тяжелые детали из искусственных и натуральных цветов, растений, перьев, пластика, меха, металла, текстиля, кружева и пр. Он всегда в процессе эксперимента: его работа – это игра с формой и палитрой.
Филипп Трейси
Оп-арт (оптическое искусство) – художественное течение второй половины 20 века, использующее различные оптические иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Задача оп-арта – обмануть глаз, спровоцировать его на ложную реакцию, вызвать образ «несуществующий» . Визуально противоречивая конфигурация создает неразрешимый конфликт между фактической формой и формой видимой. Глаз всегда стремится организовать хаотически разбросанные пятна в простую систему. В оптической живописи, напротив, простые однотипные элементы располагаются так, чтобы дезориентировать глаз, не допустить становления целостной структуры.
Виктор Вазарели – французский художник, график и скульптор, ведущий представитель направления оп-арт. Стремился к интеграции искусства в повседневность, оперируя преимущественно зрительными эффектами, рассчитывая на спонтанность восприятия, развивал пластический язык цвета и формы. Для художника на первом месте всегда стояли оптические эффекты и процесс взаимодействия картины и зрителя. Он много экспериментировал в этом направлении и пришел к созданию трехмерных картин и скульптур. Комбинаторика Вазарели опирается на базисные, типовые свойства восприятия, не зависящие от индивидуальных особенностей зрителя.
Для своей серии картин «Пластические единицы» Вазарели создал «арталфавит» , фон которого представлял собой монохромно окрашенные квадраты, в которые вписывались контрастные по цвету фигуры: прямоугольник, круг, эллипс и т. д. Они могли бесконечно комбинироваться и Вазарели оставалось только передавать своим помощникам соответствующие данные, чтобы на их основе те могли собрать задуманные художником работы. «Алфавит» «Орион МС»
С середины 60 -х годов Вазарелли стал экспериментировать со структурами кристаллических форм. В геометрически абстрактных работах возникает впечатление пространственности изображения: фигуры изгибаются и кажутся то выдвинутыми на передний план, то задвинутыми на задний.
В работах «Торони-N» и «Иццо-МС» эффектная иллюзия пространства, несмотря на то, что изображенные предметы являются «невозможными объектами» , не имеющими понятного пространственного решения. Вазарелли назвал этот эффект «иллюзорным вечным двигателем» .
Работы Виктора Вазарели
Скачать презентацию ОСНОВЫ КОМПОЗИЦИИ ТЕМА Арт-объект Посвящение Рекомендуемые
Материал для арт-объектов.pptx