Музыка и театр эпохи Возрождения Италия Джованни

Музыка и театр эпохи Возрождения

Италия Джованни Пьерлуиджи Палестрина (1525 – 1594)

Месса – главное богослужение католической церкви, которое сопровождается музыкой.

Мадригал – ( «песня на родном языке» ) светский жанр музыки эпохи Возрождения. Семейство виол Лютня

Шансон – во Франции светская многоголосная песня. Клеман Жанекен

Истоки театра Возрождения – в Италии, но подлинных высот он достиг в других странах – Англии и Испании.

Комедия дель арте (commedia dell аrte), или комедия масок. Каждый персонаж имел свою маску – характер и настоящую маску, часть костюма. Постоянные персонажи: Арлекин – городской слуга. Умный, хитрый, смелый , подвижный. Как правило, выходит сухим из воды. В 16 веке занимал в труппе положение Дзанни – простака, запутывающего своими глупыми выходками интригу комедии. Носил костюм, покрытый разноцветными заплатами, символизирующими бедность и скупость его обладателя. В 17 веке занимал положение Дзанни – пройдохи.

Бригелла – слуга, прибывший на поиски работы из деревни. До 17 века – пружина действия. Но затем меняется ролями с Арлекином и становится простаком. Речь неграмотная. Наивен, нерасторопен, неуклюж. Правду говорит, как правило, некстати. Трусоват. Обычно бывает бит за дело и по ошибке. Носил костюм из длинной белой блузы с желтыми или зелеными нашивками, длинных белых панталон, простых туфель и шапочки.

Коломбина служанка, участвующая в развитии интриги, в разных сценариях также называемая Фантеской, Серветтой, Франческиной, Смеральдиной, Мирандолиной и т. д. Большую популярность получила во французском театре. Происхождение: крестьянская девушка, в городе чувствующая себя неуверенно и непривычно. Занятие: служанка, как правило при Панталоне или Докторе, девушка—дзанни. Костюм: обычно одета в красивое пышное платье; в более позднем театре (с XVIII века) часто появляется в платье из заплат, похожем на костюм Арлекина. Маска: маску не носит. Поведение: первоначально это деревенская дурёха, по характеру схожая с маской Арлекина; подчёркивается её честность и порядочность, а также всегда хорошее настроение. Во французском театре крестьянские черты Фантески стёрлись, маска приобрела характер типичной французской субретки.

Панталоне – купец, чаще всего венецианский. Говорит на мягком венецианском диалекте. Отец семейства. Обычно грузный. Скуповатый или очень скупой. Очень важный и не слишком умный. Хворый. Носил красную куртку, красные панталоны, желтые туфли с пряжками, красную шапочку, черный плащ, а также кашель с деньгами за поясом. Имел маску землистого цвета, длинный горбатый птичий нос, седые усы и бороду.

Пульчинелла (итал. Pulcinella, фр. Polichinelle) — персонаж итальянской комедии дель арте. Представляет южный (или неаполитанский) квартет масок, наряду с Тартальей, Скарамучча и Ковьелло. Маска Пульчинеллы зародилась в Неаполе (южная Италия) в последнее десятилетие XVI века. В ней сочетались черты первого и второго дзанни: простодушие и придурковатость, присущие деревенскому обжоре и увальню, а также ловкость и сметливость горожанина простолюдина. Однако если Бригелла был всегда холостяком, а у Арлекина жена появляется лишь в поздних сценариях, то Пульчинелла почти всегда женат и обманут женой, что придает также ему черты отсутствующих в южном квартете масок стариков Панталоне и Доктора.

Театральный словарик: Пастораль – театральный жанр (от лат. Pastoralis – «пастушеский» ); Буколическая поэзия (от греч. «буколикос» – «пастушеский» ) поэзия, повествующая о бесхитростных забавах пастухов и пастушек. (Торквато Тассо – пасторальная драма «Аминта» (1573)); Теларии – трехгранные призмы, которые поворачивались вокруг вертикальной оси. Это давало возможность менять декорации; Просцениум

Просцениум передняя, ближайшая к зрителям часть сцены, расположенная перед порталом сцены. В древнеримском театре просцениумом называлась площадка для игры актёров (другое её название — пульпитум), находившаяся перед сценой (др. греч. σκηνή). Дальнейшее развитие просцениум получил в Италии в 16 в. ( «Театро Олимпико» в Виченце с просцениумом шириной 25, 72 м и глубиной 6 м). В Англии 16 в. существовал просцениум, отделённый от сцены раздвижным занавесом или колоннами; просторный, глубоко вдающийся в зрительный зал просцениум перешёл в английский театр 17— 18 вв. ; Арьерсцена (от французского arriere — сзади), замк нутое с трех сторон пространство, примыкающее к задней части основной сцены.

Уильям Шекспир (1564 – 1616)

Стратфорд – на –Эйвонде. Памятник Шекспиру

Принц Хэл

Леди Макбет

Будапешт Веймар Стратфорд Линкольн – парк Чикаго Сан Диего

Магистральной идеей эпохи Возрождения была мысль о достойной личности. Время подвергло эту идею трагическому испытанию, свидетельством которого и явилось творчество Шекспира. К финалу в нем нарастает метафора бури, ибо, как в бурю, все вдруг закружилось, спуталось, потерялось. Величие и низость стали легко меняться местами. Человек, спасаясь от самого себя, подобно королю Лиру, бросился назад к природе, сорвал одежду, чтобы в неприкрытой наготе души обнаружить неизвестную прежде сложность внутреннего бытия, свою одновременно Божественную и по звериному жестокую сущность. «Время вышло из пазов» , прежнее единство распалось, замелькало множеством лиц, быть может, поражающих не героическим величием, но небывалым ранее разнообразием, которое впервые и навсегда было запечатлено в драматургии Шекспира.

Обнаруженный в семейной коллекции портрет елизаветинца (1610). Некоторые искусствоведы утверждают, что это единственный прижизненный портрет Уильяма Шекспира

Известные сейчас автографы Шекспира из Стратфорда

Автограф Шекспира на его завещании

Дом Шекспира в Стратфорде

Шекспир, церковь св. Троицы, Стратфорд

Шекспир, Линкольн парк, Чикаго

Шекспир начал с хроник — пьес о событиях национальной истории, закон которой обозначен им словом Время. Основные шекспировские хроники образуют два цикла по четыре пьесы (тетралогии). Первая — «Генрих VI» (три части) и «Ричард III» . Вторая — «Ричард II» (1595), «Генрих IV» (две части; 1596 1598) и «Генрих V» (1599). В первой тетралогии из хаоса смуты является сильная историческая личность, стремящаяся подчинить себе Судьбу и Время, — Ричард III. Сила способна обеспечить трон, но не способна удержать его, если государь нарушает законы нравственности и превращает историю в политический спектакль.

Тема второй тетралогии — становление национального государства. Хроника «Генрих IV» повествует о захвате власти Генрихом IV, родоначальником династии Ланкастеров, и о юности будущего идеального короля Генриха V. Под началом сэра Джона Фальстафа в кабаках и на большой дороге проходит школу жизни принц Генрих. Принц черпает силу у земли, у всего, что телесно и материально и что воплощает Фальстаф, шут Времени. Под смех Фальстафа со сцены сходит Средневековье с его рыцарской вольницей, воплощенной в образе Гарри Готспера, соперника принца. Своего идеального монарха Шекспир считает необходимым провести через народный смеховой фон. Однако в финале, когда принц коронован, Фальстаф изгоняется, ибо не по законам природы существует государственный порядок. В их противоречии — источник шекспировского трагизма.

Литературное наследие Шекспира распадается на две неравные части: стихотворную (поэмы и сонеты) и драматическую. В. Г. Белинский писал, что «слишком было бы смело и странно отдать Шекспиру решительное преимущество пред всеми поэтами человечества, как собственно поэт, но как драматург он и теперь остается без соперника, имя которого можно б было поставить подле его имени» .

В 1930 году шекспировед Э. К. Чемберс предложил хронологию творчества Шекспира по жанровым признакам, позднее она была скорректирована Дж. Макмануэем. Выделялись четыре периода: первый (1590— 1594 г. г. ) — ранние: хроники, ренессансные комедии, «трагедия ужаса» ( «Тит Андроник» ), две поэмы; второй (1594— 1600 г. г. ) — ренессансные комедии, первая зрелая трагедия ( «Ромео и Джульетта» ), хроники с элементами трагедии, хроники с элементами комедии, античная трагедия ( «Юлий Цезарь» ), сонеты; третий (1601— 1608 г. г. ) — великие трагедии, античные трагедии, «мрачные комедии» ; четвёртый (1609— 1613 г. г. ) — драмы сказки с трагическим зачином и счастливым финалом.

Первый период творчества (1590— 1594)

Вероятно, первыми пьесами Шекспира были три части «Генриха VI» . Источником для этой и последующих исторических хроник служили «Хроники» Холиншеда. Тема, объединяющая все шекспировские хроники, — смена череды слабых и неспособных правителей, приведших страну к междоусобицам и гражданской войне и восстановление порядка с воцарением династии Тюдоров. Подобно Марло в «Эдуарде II» Шекспир не просто описывает исторические события, а исследует мотивы, скрывающиеся за поступками героев.

«Комедия ошибок» — ранняя, «ученическая» комедия, комедия положений. По обычаю того времени, переделка пьесы современного английского автора, источником для которой стала итальянская версия комедии Плавта «Менехмы» , описывающая приключения братьев близнецов. Действие происходит в Эфесе, мало похожем на древнегреческий город: автор переносит приметы современной ему Англии в античную обстановку. Шекспир добавляет сюжетную линию двойников слуг, тем самым запутывая действие ещё больше. Характерно, что уже в этом произведении присутствует обыкновенное для Шекспира смешение комического и трагического: старику Эгеону, невольно нарушившему эфесский закон грозит казнь и только через цепь невероятных совпадений, нелепых ошибок, в финале к нему приходит спасение. Перебивка трагического сюжета комической сценой даже в самых мрачных произведениях Шекспира — это уходящее корнями в средневековую традицию напоминание о близости смерти и, в то же время, непрекращающемся

На грубоватых комических приёмах построена пьеса «Укрощение строптивой» , созданная в традициях фарсовой комедии. Это вариация популярного в лондонских театрах в 1590 х годах сюжета об усмирении жены мужем. В увлекательном поединке сходятся две незаурядные личности и женщина терпит поражение. Автор провозглашает незыблемость установленного порядка, где главой семьи является мужчина.

Комедия Шекспира не была сатирической и этим резко отличалась от всего последующего развития жанра. Ее смех идет от ощущения полноты жизни, ее силы, красоты, изменчивости. У шекспировской комедии есть своя великая тема — Природа. У нее есть свой любимый герой – шут, исполненный знания жизни не каковой она кажется, а какова она есть. Строптивицу, оказывается, не так уж сложно укротить, если все дело не в ее характере, — сильном, лишенном мелочности, а потому на поверку куда менее строптивом, чем у многих других героинь, а в том, что еще не нашелся укротитель. Женихи Бьянки? Их невозможно представить рядом с Катариной. Возник Петруччо, и все стало на свои места. Все в этой комедии дано с карнавальным преизбытком: и первоначальная строптивость жены, и в качестве исправительного для нее средства тирания мужа, и, наконец, мораль под занавес. Без поправки на карнавальность нельзя воспринимать ни перевоспитания героини, ни назидательной речи, произнесенной ею в качестве урока другим строптивицам.

Экранизация комедии «Укрощение строптивой» — чёрно белый художественный фильм. Экранизация одноимённой пьесы Уильяма Шекспира. 1961 год Режиссёр Сергей Колосов Автор Сергей Колосов сценария Людмила Касаткина, В главных Андрей Попов, ролях Владимир Благообразов Оператор Композитор Владимир Яковлев Александр Голубенцев Кинокомпания Мосфильм

«Укрощение строптивой» (англ. The Taming of The Shrew) — комедийный фильм режиссёра Франко Дзеффирелли, экранизация одноимённого произведения Уильяма Шекспира, 1967 год Франко Режиссёр Дзеффирелли Автор Франко сценария Дзеффирелли Элизабет В главных Тэйлор ролях Ричард Бёртон Освальд Оператор Моррис Композитор Нино Рота

В последующих пьесах Шекспир отходит от внешних комедийных приёмов. «Бесплодные усилия любви» — комедия, созданная под влиянием пьес Лили, которые тот писал для постановки в театре масок при королевском дворе и в аристократических домах. При довольно простой фабуле пьеса представляет собой непрерывный турнир, состязание персонажей в остроумных диалогах, сложной словесной игре, сочинении стихов и сонетов (к этому времени Шекспир уже владел непростой стихотворной формой). Язык «Бесплодных усилий любви» — вычурный, цветистый, так называемый эвфуизм, — это язык английской аристократической верхушки того времени, ставший популярным после выхода в свет романа Лили «Эвфуэс или Анатомия остроумия» .

Второй период творчества (1594— 1601)

Первая подлинно шекспировская трагедия — «Ромео и Джульетта» — возникла в окружении комедий и сонетов. Она сонетна по своей языковой природе, ибо ее главный герой Ромео не только говорит, но и любит еще в этой условной традиции. В любви к Джульетте ему предстоит узнать себя и столкнуться с миром. В то же время сонетное слово, пришедшее в трагедию, открыло этому жанру новые лирические возможности в изображении человека, позволившие сменить дошекспировскую риторику глубиной мысли и чувства. Без этого спустя пять лет не был бы возможен «Гамлет» .

Ромео и Джульетта. Картина Ф. Дикси (1884)

Около 1595 года Шекспир создаёт одну из самых популярных своих трагедий — «Ромео и Джульетту» , — историю развития человеческой личности в борьбе с внешними обстоятельствами за право на свободную любовь. Сюжет, известный по итальянским новеллам (Мазуччо, Банделло), был положен Артуром Бруком в основу одноимённой поэмы (1562). Вероятно, произведение Брука и послужило источником для Шекспира. Он усилил лиризм и драматизм действия, переосмыслил и обогатил характеры персонажей, создал поэтические монологи, раскрывающие внутренние переживания главных героев, таким образом преобразив ординарное произведение в ренессансную поэму о любви. Это трагедия особого типа, лирическая, оптимистичная, несмотря на гибель главных героев в финале. Их имена стали нарицательным обозначением высшей поэзии страсти.

Балет в 3 актах 13 картинах с прологом и эпилогом Сергея Прокофьева. Либретто Адриана Пиотровского, Сергея Прокофьева и Сергея Радлова. Премьера балета состоялась в 1938 г. в Брно (Чехословакия). Широкую известность, однако, получила редакция балета, которая была представлена в Кировском театре в Ленинграде в 1940 г. «Ромео и Джульетта» Прокофьева — один из самых популярных балетов двадцатого столетия. Галина Уланова и Константин Сергеев в балете С. С. Прокофьева «Ромео и Джульетта»

Галина Уланова и Юрий Жданов, 1954

Экранизация трагедии «Ромео и Джульетта» Режиссёр Франко Дзеффирелли Джульетта Оливия Хасси Ромео Леонард Уайтинг Композитор Нино Рота Англия – Италия, 1968 год Две премии «Оскар» , три премии «Золотой Глобус»

Приблизительно 1596 годом датируется ещё одно из знаменитейших произведений Шекспира — «Венецианский купец» . Шейлок так же, как и ещё один знаменитый еврей елизаветинской драмы — Варавва ( «Мальтийский еврей» Марло), жаждет отмщения. Но, в отличие от Вараввы, Шейлок, остающийся отрицательным персонажем, гораздо сложнее. С одной стороны это жадный, хитрый, даже жестокий ростовщик, с другой — оскорблённый человек, обида которого вызывает сочувствие. Знаменитый монолог Шейлока о тождестве еврея и любого другого человека «Да разве у жида нет глаз? . . » (акт III, сцена 1) признаётся некоторыми критиками лучшей речью в защиту равноправия евреев во всей литературе. В пьесе противопоставляются власть денег над человеком и культ дружбы — неотъемлемой составляющей жизненной гармонии.

В это же время Шекспир создаёт бессмертный и интереснейший тип, которому до сих пор не было аналогов в мировой литературе — сэра Джона Фальстафа. Успех обеих частей «Генриха IV» не в последнюю очередь и заслуга этого самого яркого действующего лица хроники, сразу ставшего популярным. Персонаж несомненно отрицательный, но со сложным характером. Материалист, эгоист, человек без идеалов: честь для него ничто, наблюдательный и проницательный скептик. Он отрицает почести, власть и богатство: деньги нужны ему лишь как средство получить еду, вино и женщин. Но сущность комизма, зерно образа Фальстафа не только его остроумие, но и весёлый смех над самим собой и окружающим миром. Его сила в знании человеческой природы, ему противно всё, что связывает человека, он — олицетворение свободы духа и беспринципности. Человек уходящей эпохи, он не нужен там, где государство могущественно. Понимая, что такой персонаж неуместен в драме об идеальном правителе, в «Генрихе V» Шекспир убирает его: зрителям просто сообщают о смерти Фальстафа. По традиции принято считать, что по просьбе королевы Елизаветы, желавшей увидеть Фальстафа на сцене ещё раз, Шекспир воскресил его в «Виндзорских насмешницах» . Но это лишь бледная копия прежнего Фальстафа. Он растерял своё знание окружающего мира, нет более здоровой иронии, смеха над самим собой. Остался лишь самодовольный пройдоха.

Фальстаф с большим кувшином вина и кубком. Картина Э. фон Грюцнера (1896)

Гораздо удачнее попытка снова вернуться к фальстафовскому типу в заключительной пьесе второго периода — «Двенадцатой ночи» . Здесь мы в лице сэра Тоби и его антуража имеем как бы второе издание сэра Джона, правда, без его искрящегося остроумия, но с тем же заражающим добродушным жуирством. Отлично также вкладывается в рамки «фальстафовского» по преимуществу периода грубоватая насмешка над женщинами в «Укрощении строптивой» .

Третий период творчества (1600— 1609)

Третий период его художественной деятельности, приблизительно охватывающий 1600— 1609 годы, сторонники субъективистского биографического подхода к творчеству Шекспира называют периодом «глубокого душевного мрака» , считая признаком изменившегося мироощущения появление персонажа меланхолика Жака в комедии «Как вам это понравится» и называя его чуть ли не предшественником Гамлета. Однако некоторые исследователи считают, что Шекспир в образе Жака всего лишь осмеивал меланхолию, а период якобы жизненных разочарований (по версии сторонников биографического метода) на самом деле не подтверждается фактами биографии Шекспира. Время создания драматургом величайших трагедий совпадает с расцветом его творческих сил, решением материальных затруднений и достижением высокого положения в обществе. С его появлением начинается период «великих трагедий» (1601 1606). К ним принадлежат «Отелло» (1604), «Король Лир» (1605), «Макбет» (1606). Тон комедий теперь посерьезнел, а иногда становится и вовсе мрачным в таких произведениях, как «Троил и Крессида» (1601 1602), «Все хорошо, что хорошо кончается» (1603), «Мера за мера» (1604).

Гамлет и Горацио на кладбище. Картина Э. Делакруа (1839)

Небывалая новизна и достоинство Гамлета сказались в том, что, размышляя о необходимости поступка, он взвешивает его последствия и как бы предощущает то, что можно назвать нравственной ответственностью. Побуждаемый к мщению не только призывом отца, но всей привычной логикой «трагедии мести» , Гамлет не верит, что его единственный удар что то способен восстановить в мировой гармонии, что ему в одиночку дано вправить «вывихнутый век» . Катастрофично отчуждение Гамлета, нарастающее по ходу действия.

Маттиа Баттистини в роли Гамлета в опере Тома, 1911 год

Гамлет» (англ. Hamlet) — художественный фильм режиссёра Лоуренса Оливье, 1948 год

Экранизация трагедии «Гамлет» — советский чёрно белый двухсерийный художественный фильм, поставленный на Киностудии «Ленфильм» в 1964 году режиссёром Григорием Козинцевым по трагедии Шекспира «Гамлет, принц датский» (1602 год). Перевод Бориса Пастернака.

Иннокентий Смоктуновский — Гамлет, принц датский Михаил Названов — Король Эльза Радзинь — Гертруда (англ. )русск. Юрий Толубеев — Полоний Анастасия Вертинская — Офелия, дочь Полония Владимир Эренберг — Горацио Степан Олексенко — Лаэрт, сын Полония Вадим Медведев — Гильденстерн Игорь Дмитриев — Розенкранц Ааду Кревальд — Фортинбрас, принц норвежский Композитор Дмитрий Шостакович

«Гамлет» (англ. Hamlet) — художественный фильм режиссёра Франко Дзеффирелли, 1990 Режиссёр Франко Дзеффирелли Автор сценария Франко Дзеффирелли, Кристофер Де Вор Композитор Эннио Морриконе Кинокомпания Canal+ Страна – Великобритания, США, Франция Год 1990

Мэл Гибсон — Гамлет Гленн Клоуз — Гертруда Алан Бейтс — Клавдий Хелена Бонэм Картер — Офелия Пол Скофилд — Призрак отца Гамлета Иэн Холм — Полоний Натаниель Паркер (англ. ) — Лаэрт Стивен Диллэйн — Горацио Шон Мюррей — Гильденстерн Майкл Малони — Розенкранц

Около 1600 года Шекспир создаёт «Гамлета» , по мнению многих критиков, — самое глубокое своё произведение. Шекспир сохранил сюжет известной трагедии мести, но всё внимание перенёс на духовный разлад, внутреннюю драму главного героя. В традиционную драму мести был введён герой нового типа. Шекспир опередил своё время — Гамлет не привычный трагический герой, осуществляющий мщение ради Божественной справедливости. Приходя к выводу, что одним ударом невозможно восстановить гармонию, он переживает трагедию отчуждения от мира и обрекает себя на одиночество. По определению Л. Е. Пинского, Гамлет — первый «рефлектирующий» герой мировой литературы. Герои «великих трагедий» Шекспира — люди выдающиеся, в которых перемешано добро и зло. Сталкиваясь с дисгармонией окружающего мира, они совершают нелёгкий выбор — как существовать в нём, они сами творят свою судьбу и несут всю полноту ответственности за это.

В это же время Шекспир создаёт драму «Мера за меру» . Несмотря на то, что в Первом фолио 1623 года она отнесена к комедиям, комического в этом серьёзном произведении о неправедном судье почти нет. Её название отсылает к поучению Христа о милосердии, по ходу действия одному из героев угрожает смертельная опасность, а финал можно считать условно счастливым. Это проблемное произведение не укладывается в определённый жанр, а существует на грани жанров: восходя к моралите оно устремлено к трагикомедии.

Настоящая мизантропия проступает только в «Тимоне Афинском» — истории щедрого и доброго человека, разорённого теми, кому он оказывал помощь и ставшего человеконенавистником. Пьеса оставляет тягостное впечатление, несмотря на то, что неблагодарные Афины после смерти Тимона постигает кара. По мнению исследователей, Шекспира постигла неудача: пьеса написана неровным языком и наряду с достоинствами обладает ещё большими недостатками. Не исключается возможность того, что над ней работал не один Шекспир. Характер же самого Тимона не удался, иногда он производит впечатление карикатуры, другие персонажи просто бледны . Переходом к новой полосе шекспировского творчества можно считать «Антония и Клеопатру» . В «Антонии и Клеопатре» талантливый, но лишённый всяких нравственных устоев хищник из «Юлия Цезаря» окружён истинно поэтическим ореолом, а полупредательница Клеопатра геройской смертью в значительной степени искупает свои прегрешения.

Экранизация трагедии «Макбет» — фильм режиссёра Орсона Уэллса, снятый в 1947 году по классическому произведению Шекспира. Вышел на экраны в 1948 году. Режиссёр Орсон Уэллс Макбет Орсон Уэллс Леди Макбет Жанетт Нолан Композитор Жак Ибер Кинокомпания Republic Pictures Mercury Productions Страна США Год 1948

Четвёртый период творчества (1609— 1612)

Просперо и Ариэль. Картина В. Гамильтона (1797)

Четвёртый период, если не считать пьесу «Генрих VIII» (большинство исследователей сходятся в том, что она почти вся написана Джоном Флетчером), обнимает всего только три четыре года и четыре пьесы — так называемые «романтические драмы» или трагикомедии. В пьесах последнего периода тяжёлые испытания подчёркивают радость избавления от бедствий. Клевета уличается, невинность оправдывает себя, верность получает награду, безумие ревности не имеет трагических последствий, любящие соединяются в счастливом браке. Оптимизм этих произведений критиками воспринимается как знак примирённости их автора. «Перикл» , пьеса существенно отличающаяся от всего ранее написанного, знаменует появление новых произведений. Наивность, граничащая с примитивностью, отсутствие сложных характеров и проблем, возврат к построению действия, характерному для ранней английской ренессансной драмы, — всё указывает на то, что Шекспир находился в поиске новой формы. "Зимняя сказка" — причудливая фантазия, рассказ «о невероятном, где всё вероятно» . История о ревнивце, поддавшемся злу, терпящем душевные муки и заслужившем своим раскаянием прощение. В финале добро побеждает зло, по мнению одних исследователей, утверждая веру в гуманистические идеалы, по мнению других — торжество христианской морали. «Буря» самая удачная из последних пьес и, в некотором смысле, финал творчества Шекспира. Вместо борьбы здесь царит дух гуманности, всепрощения. Поэтические девушки, созданные теперь — Марина из «Перикла» , Утрата из «Зимней сказки» , Миранда из «Бури» — это образы прекрасных в своей добродетели дочерей. Исследователи склонны видеть в заключительной сцене «Бури» , где Просперо отрекается от своего волшебства и уходит на покой, прощание Шекспира с миром театра.

В 1575 году в Лондоне был основан первый постоянно действующий театр, предназначенный не для придворных, а для горожан. В Лондоне работали публичные, частные и придворные театры. В 1594 году Шекспир в качестве актера вступил в труппу, которая называлась «Слуги лорда – камергера» . Заглавные роли он не играл, зато стал драматургом труппы. Свои пьесы Шекспир писал для сцены, а не для чтения. Поэтому важная роль отводилась произнесенному слову. Шекспировский театр обходился без декораций. На площадку помещали предметы, необходимые по ходу пьесы (столы, кресла, скамейки, иногда бутафорские деревья). Актеры играли на различных инструментах: гобоях, скрипках, барабанах, лютнях, тамбуринах. В действие включалось пение и танцы. Главным оставался актер. Его голос, пластика, мимика, темперамент завораживали зрителей.

Стихотворения и поэмы Первое издание «Сонетов» (1609)

В общем стихотворения Шекспира, конечно, не могут идти в сравнение с его гениальными драмами. Но сами по себе взятые, они носят отпечаток незаурядного таланта, и если бы не тонули в славе Шекспира драматурга, одни вполне могли бы доставить и действительно доставили автору большую известность: мы знаем, что учёный Мирес видел в Шекспире стихотворце второго Овидия. Но, кроме того, есть ряд отзывов других современников, говорящих о «новом Катулле» с величайшим восторгом.

Сонет — стихотворение из 14 строк. В английской традиции, в основе которой лежат, в первую очередь, сонеты Шекспира, принята следующая рифмовка: abab cdcd efef gg, то есть три катрена на перекрестные рифмы, и одно двустишие (тип, введённый поэтом графом Сурреем, казнённым при Генрихе VIII). Всего Шекспиром было написано 154 сонета, и большая их часть была создана в 1592— 1599 годах. Впервые они были напечатаны без ведома автора в 1609 году. Два из них были напечатаны ещё в 1599 году в сборнике «Страстный пилигрим» . Это сонеты 138 и 144.

Наиболее определенный тематический цикл в шекспировском сборнике представляют первые семнадцать сонетов. У них одна тема: пожелание прекрасному молодому человеку продолжить себя в потомстве, не забыть, сколь скоротечна земная жизнь и земная красота. Это своеобразное введение в книгу, которое могло писаться по заказу и, возможно, еще до того, как возникло личное отношение поэта к другу, исполненное восхищения и искренней любви. Поэт навсегда сохраняет дистанцию, то ли необходимую для его чувства, близкого к поклонению, то ли диктуемую социальным различием, если принять версию, что адресатом сонетов был юный аристократ (граф Саутгемптон или граф Пембрук? ). Любовь дарит поэзии вдохновение, но от нее получает вечность. О силе поэзии, способной победить Время, говорится в сонетах 15, 18, 19, 55, 60, 63, 81, 101.

Весь цикл сонетов распадается на отдельные тематические группы: Сонеты, посвящённые другу: 1— 126 Воспевание друга: 1— 26 Испытания дружбы: 27— 99 Горечь разлуки: 27— 32 Первое разочарование в друге: 33— 42 Тоска и опасения: 43— 55 Растущее отчуждение и меланхолия: 56— 75 Соперничество и ревность к другим поэтам: 76— 96 «Зима» разлуки: 97— 99 Торжество возобновлённой дружбы: 100— 126 Сонеты, посвящённые смуглой возлюбленной: 127— 152 Заключение — радость и красота любви: 153— 154

Модель театра «Глобус»

«Totus mundis agit histrionem» «Весь мир театр»

Воссозданный театр «Глобус» в котором работала труппа Шекспира

Спустя три дня после смерти, тело Шекспира было захоронено под алтарём стратфордской церкви. На его надгробии написана эпитафия: Good frend for Iesvs sake forbeare, To digg the dvst encloased heare. Blest be ye man yt spares thes stones, And cvrst be he yt moves my bones. Друг, ради Господа, не рой Останков, взятых сей землёй; Нетронувший блажен в веках, И проклят — тронувший мой прах. (Перевод А. Величанского)

Произведения Шекспира в других видах искусства Увертюра – фантазия «Ромео и Джульетта» (1869) – первая редакция Петр Ильич Чайковский (1840 – 1893)

Основной идейный замысел трагедии передан композитором через контрастное Сопоставление и столкновение различных по своему характеру музыкальных тем. Как наиболее отвечающая драматическому замыслу, композитором избрана сонатная форма с широким вступлением и развернутой кодой – эпилогом. Толчком для возникновения музыкальных тем послужили, несомненно, отдельные конкретные образы и сцены трагедии. Однако каждая из тем многообразно изменяется в процессе развития (особенно тема вступления). И только во взаимодействии всех тем и выявляется общий идейный смысл произведения.

Вступление 1. Первая сумрачно – сосредоточенная тема (фа – диез минор, кларнеты и фаготы), получающая благодаря четырехголосному изложению и спокойному, мерному движению хоральный характер, вводит в мир средневековья. В дальнейшем, видоизмененная, тема вступления будет появляться преимущественно в тембре медных духовых инструментов и олицетворять образ злой, жестокой силы, вставшей на пути Ромео и Джульетты. 2. Во вступлении, сразу же после первого проведения хоральной темы, ей противопоставляются скорбные интонации струнных, которые вносят ощущение напряженного ожидания. Они подготавливают новую тему, которая прозвучит в тональности Соль – бемоль мажор. Это – первоначальная, пока еще эскизная характеристика лирических образов, которые в дальнейшем найдут широкое развитие в побочной партии аллегро.

Основной раздел (экспозиция) Вступление переходит в основной раздел увертюры, который начинается энергичной, порывистой, устремленной вперед темой с синкопированным, судорожным ритмом, диссонирующими гармониями и частыми сменами тональностей (основная тональность – си минор). Эта тема контрастна как всей музыке вступления, так и появляющимся в разделе побочной партии лирическим темам. Главная партия изложена широко, в виде трехчастного построения. Воля, упорство, устремленность, настойчивость сочетаются в этой музыке со зловещими, грозными чертами. По – видимому образы борьбы, сражения и послужили для Чайковского основным стимулом для рождения этой темы.

После её изложения следует краткий 9 на основе повторяющегося мотива в отмеченном выше ритме) переход в совершенно иную по характеру побочную партию, воплощающую возвышенное чувство любви Джульетты и Ромео. Побочная партия начинается в далекой тональности Ре – бемоль мажор. Это вносит в музыку особую свежесть. У альтов и английского рожка соло на фоне аккордового сопровождения звучит широкая, по – вокальному напевная мелодия – одна из самых вдохновенных лирических тем в музыке Чайковского. Сразу же после первого проведения её сменяет новая тема; она мягко звучит в колыбельном ритме у засурдиненных скрипок на фоне повторяющихся квинт альтов. Это вторая тема побочной партии как бы дополняет предыдущую и вместе с тем подготавливает новое, еще более широкое её проведение.

Если во вступлении был лишь намечен основной драматический конфликт, то в экспозиции он уже получил свое полное раскрытие в резком противопоставлении двух различных эмоциональных сфер, представленных главной и побочной партиями. Разработка В новом значении и новых взаимосвязях выступают уже знакомые по экспозиции и вступлению темы хорала и главной партии аллегро. Начинается полифоническая разработка различных мотивов главной партии и темы хорала. С каждым новым проведением все больше и больше возрастает динамическое напряжение. Включается ритмический мотив из среднего раздела экспозиции главной партии, который, диалогически перекликаясь с её первым, основным мотивом, вносит в музыку еще большую взволнованность и драматизм. Нарастание достигает предельной силы: упорны, настойчивы удары аккордов tutti. Трагическую напряженность училивают удары литавр и

Стремительное движение струнных шестнадцатыми, сопровождается ударами аккордов, переводит драматическое действие в новую фазу. Реприза Тема главной партии звучит уверенно и настойчиво (fortissimo всего оркестра). Проведение её на этот раз лаконично, собранно, кратко. Её сменяет мягко колышущаяся мелодия второй темы побочной партии (гобои и кларнеты на фоне трепетного шелеста скрипок). И лишь после проведения этой темы, как бы подготовленная её развитием, вступает основная лирическая тема (струнные и флейты пикколо в сопровождении духовых) в светлой тональности Ре мажор. В репризе основной лирический образ увертюры показан еще более широко, развернуто, чем в экспозиции. По существу, именно здесь – наиболее значительный, кульминационный момент увертюры. Но это одновременно – и переломный момент действия. Казалось бы, светлое начало победило. Однако радостное настроение внезапно нарушается появлением интонаций главной партии

(аккорды – удары), и снова начинается её драматически – напряженное развитие, а одновременно и развитие хоральной темы. Она воспринимается как новый натиск зловещей силы, разбивающий жизнь и счастье героев. Включение материала первой темы аллегро и темы вступления знаменует начало нового раздела – коды, вернее, первой части её, являющейся своеобразной кодой – разработкой, все еще насыщенной бурным драматическим развитием. Второй, заключительный раздел коды – траурный эпилог – послесловие. Вся кода – эпилог – выражение глубокой скорби о юных Джульетте и Ромео. Важнейшие музыкальные особенности увертюры: напряженный драматизм, рельефность и яркая контрастность музыкальных тем, характеризующих полярные по содержанию образы.