Искусство Византии Средние века Работу выполнила студентка

Искусство Византии { Средние века Работу выполнила студентка группы ТХМ-11 Рылова Наталья

Важной ступенью в развитии средневековой художественной культуры явилось византийское искусство, составляя неотъемлемую часть европейской культуры Средних веков. Причём византийская культура не имеет чётких границ, ни хронологических, ни территориальных. До основания Византийского государства зачатки будущего искусства развивались в раннехристианском искусстве.

Символическим началом Византии считается год основания Константинополя (330), с падением которого 29 мая 1453 империя прекратила свое существование.

Византия — это государство, возникшее на обломках античной рабовладельческой цивилизации в восточной части Римской империи в результате ее распада. Естественно, Византия унаследовала многие традиции греко-римской художественной культуры. Однако в новых исторических условиях эти традиции получили совершенно иное развитие.

В средневековье в Византии складывалось феодальное общество с его сословной иерархией. Общественная и культурная жизнь страны подчинялась деспотической власти императора и церкви. Жизнерадостная мифология античности была вытеснена аскетическими идеалами христианской религии. Религиозная идеология ограничивала кругозор художников, сковывала их творческие искания. И все же искусство Византии, озаренное отблеском великой культуры античности, оставило нам немало памятников непреходящей художественной ценности.

В VI в. , при императоре Юстиниане I, Византийская империя достигла расцвета. Искусство прославляло мощь и военные триумфы государства. Столицу империи Константинополь (ныне Стамбул) украсили новые постройки — Ипподром, Большой дворец и знаменитый храм св. Софии (храм Премудрости), воздвигнутый в 532— 537 гг. архитекторами Аифимием из Тралл и Исидором из Милета

Храм Святой Софии 532 -537 гг.

Храм св. Софии построен по типу базилики, т. е. прямоугольного в плане здания, разделенного внутри колоннами на несколько частей — нефов. Увенчан храм грандиозным куполом, имеющим в диаметре 31, 5 м. В его основании прорезано 40 окон. Если смотреть на купол изнутри, то кажется, что он парит над головами молящихся.

И купол, и огромное пространство внутреннего помещения, и разноцветная мраморная облицовка стен — все это способствовало торжественности богослужений, внушало мысли о могуществе церкви.

Архитектура

От античности были унаследованы два типа построек - центрические (восходящие к античным мавзолеям) и базиликальные (восходящие к античным общественным зданиям).

Центрические здания были небольшими по размерам и служили крещальнями (баптистериями) или мартириями. В плане они представляли собой квадрат, греческий крест, круг (ротонда) или восьмиугольник. Пример - крестообразная в плане церковь - мавзолей Галлы Плацидии.

восьмигранная церковь Сан-Витале в Равенне

Базилики, как привило, были крупнее, внутри делились на нефы. Нефов могло быть три, пять, реже семь или девять. Центральный неф был шире боковых (обычно вдвое) и перекрывался двускатной кровлей. Окна в верхней высокой части среднего нефа обеспечивали равномерную освещенность внутреннего пространства. Пример - трехнефная базилика Сан-Аполинаре де Нуово в Равенне.

Широко использовались достижения римских архитекторов - арочное и сводчатое перекрытие и купол. Однако, храмовые и общественные постройки древнего мира не удовлетворяли требованиям, предъявляемым к христианскому храму ни функционально, ни символически.

Античный храм никогда не был местом для молитв, массового богослужения. Процессии обходили вокруг храма, не заходя в него. Античный храм - пример типично наружной архитектуры. Внешность безусловно господствует над внутренностью, фасад над интерьером. Все богатство фантазии - метопы и фризы, капители колонн и фронтонные группы - античный архитектор концентрирует снаружи и вписывает в окружающий пейзаж. Внутренняя часть храма - целла - примитивно проста по форме и убранству и просторна ровно настолько, чтобы вместить культовую статую.

Христианский храм - пример внутренней (внутренне-внешней) архитектуры. Он должен быть просторен и по возможности богато украшен внутри.

Каждая часть христианского храма имеет свое символическое значение: Свод - небесный свод, купол - "небо небес", амвон - гора, с которой проповедовал Христос, престол - место Гроба Господня, четыре угла которого - четыре стороны света. Кроме того, церковь - образ распятия Христова, поэтому представляется желательным, чтобы в самой структуре храма был запечатлен символ христианства - крест. Храм должен быть направлен на восток, в сторону Иерусалима, где ожидается Второе Пришествие Христа.

Долгие архитектурные поиски, направленные на то, чтобы найти наилучшее соответствие между символическими и функциональными требованиями, предъявляемыми к храму, завершились идеальным решением. Новый тип храмового здания - крестово -купольный храм - стал образцом для всего православного мира (начиная с IX столетия).

Живопись Как это ни странно, и живопись эпохи Возрождения, и средневековая иконопись имеют общего предка живопись античную, трансформация которой в иконопись началась еще во времена первых христиан, задолго до официального утверждения христианской церкви. Каноны иконописи складывались постепенно, в течении многих веков.

Во времена, когда христианство было запрещенной и преследуемой религией, местом сбора верующих для совместной молитвы были места уединенные, часто - катакомбы. Христиане Рима и Неаполя, Керчи и Сиракуз, Милоса и Александрии построили целые подземные лабиринты, которые были для них и церковью, и кладбищем, и мартирием. Стены катакомб белили и покрывали живописью, в которой использовались художественный язык и сюжеты античности. Здесь еще много было ваз, цветов, плодов, животных, амуров. Однако постепенно античные образы стали приобретать новый, символически-аллегорический смысл.

Например, образ прелестной девушки Психеи стал толковаться как изображение христианской души. Пальмовая ветвь атрибут императорских триумфов - стала символизировать райское блаженство. Амуры без труда превратились в ангелочков. На фресках появляются молящиеся - фигуры с воздетыми вверх руками - оранты. Особый смысл приобрели виноградная лоза и гроздь - они стали символом главного таинства пресуществления хлеба и вина в Тело и Кровь Христовы (евхаристии).

Принцип изображения лиц на фресках также берет свое начало в античной традиции надгробного портрета. Этот принцип был использован и развит до предела в византийском иконописном каноне Художники постепенно, но сознательно отходят от античной трактовки человеческого образа в гармоническом единстве его морального и физического совершенства, все больше стараясь передать духовную сущность, пренебрегая правдивой передачей физического облика. Таким образом, христианский иконографический канон начал складываться самопроизвольно, и лишь много позднее был узаконен церковью и традицией.

Византийский иконографический канон Канон - совокупность строго установленных правил и приемов для произведений искусства данного вида. Церковь "художествовала, направляя своим духовным опытом руки иконописцев"

Византийский иконографический канон регламентировал: - круг композиций и сюжетов священного писания - изображение пропорций фигур общий тип и общее выражение лица святых - тип внешности отдельных святых и их позы - палитру цветов - технику живописи. Соблюдение всех канонических правил неминуемо приводило к игнорированию линейной перспективы и светотени.

После завершения периода "иконоборчества" вопрос создания художественных средств для воплощения "святости" стоял особенно остро. Благодаря трудам Иоанна Дамаскина стало ясно, что можно изображать на иконе, и что нельзя. Осталось выяснить и регламентировать то, как следует изображать внешность святых и божественные сюжеты. Результатом этих исканий стали следующие установки:

Техника иконописи В монументальной живописи господствовала мозаика, позднее, во времена заката империи, вытесненная фреской. Техника станковой живописи была такова: На доску (в Византии - кипарисовую, на Руси - сосновую или липовую) или холст ("поволока") наносили слой белого шлифованного грунта из гипса и мела ("левкас"), в XIII-XIV веках часто покрываемый золотом. Затем наносили контуры рисунка и красочный слой (энкаустика, темпера). Поверх красочного слоя наносили защитный слой (закрепитель) - олифу, лак. Обрамление иконы - Оклад выполняли из дерева, золота, серебра, украшали драгоценными камнями.

Пропорции фигур Известные с античных времен пропорции человеческого тела сознательно нарушаются. Фигуры устремляются вверх, становятся выше, тоньше, плечи сужаются, пальцы рук и ногти удлиняются. Все тело, кроме лица и рук, скрывается под складками одежды.

Тип лица и выражение Овал лица удлиняется, лоб пишется высоким, нос и рот - мелкими (нос - с горбинкой), глаза большими, миндалевидными. Взгляд - строгий и отрешенный, святые смотрят мимо зрителя или сквозь него.

Внешность и поза Внешность всех святых, одежда, в которой их следует писать, позы, которые они могут принимать, строго определены. Так, апостола Иоанна Златоуста следует изображать русым и с короткой бородой, а Святого Василия - темноволосым с длинной заостренной бородой. См. также Иконография Богоматери, Иконография Христа.

Палитра цветов, игнорирование светотени Фон иконы (т. н. "свет") символизирует ту или иную божественную сущность, регламентированную трактатом VI века "О небесной иерархии" (например, золотой Божественный свет, белый - чистоту Христа и сияние его Божественной славы, зеленый - юность и бодрость, красный - знак императорского сана, а также цвет багряницы, крови Христа и мучеников). То же касалось элементов одежды и их цветов: покрывало богоматери - мафорий - писали вишневым (иногда - синим или лиловым), платье богоматери - синим. У Христа наоборот плащ - гиматий - синий, а хитон - рубаха - вишневая. Поскольку фон был равной интенсивности, даже та минимальная объемность фигур, которую допускала новая живопись, не могла выявить светотень. Чтобы показать наиболее выпуклую точку изображения, ее высветляли (например, в лице самыми светлыми красками писали кончик носа, скулы, надбровные дуги).

Кроме того, был определен круг сюжетов священного писания и круг композиций, допустимых в иконописи. Благодаря этой системе условностей возник язык византийской иконописи, хорошо понятный всем православным. Такие иконы уже не вызывали упреков в язычестве и идолопоклонстве. Годы "иконоборчества" не прошли даром - они привели к созданию нового вида искусства.

Иконография Богоматери Несмотря на огромное разнообразие "личных" имен, которые носят иконы Богоматери, существует только 3 основных канонических изображения, в рамках которых возможны некоторые вариации:

Богоматерь Оранта ("Молящаяся") изображение Богоматери с воздетыми вверх руками и открытыми ладонями (жест покровительства и защиты, обращение к Богу за милостью для людей).

Великая Панагия ("Всесвятая") изображение в полный рост. На груди Богоматери в "круге славы" Христос. Чаще всего изображалась в апсиде храма.

Великая Панагия ("Всесвятая") - изображение в полный рост. На груди Богоматери в "круге славы" Христос. Чаще всего изображалась в апсиде храма.

Богоматерь Знамение - поясное изображение.

Богоматерь Елеус ("Умиление") поясное изображение Богородицы с прильнувшей к ее щеке Христом.

Богоматерь Одигитрия ("Путеводительница") поясное изображение с Иисусом, сидящем на левой руке, правая его благословляет. В руке Христа - как правило - свиток.

Декоративно-прикладное искусство Византии Книжная миниатюра Византии многокрасочна: встречаются эталоны праздничного стиля и более реалистические, более калоритные и более строгие, принадлежавшие к императорской и монастырской школам.

Керамика и стекло Византийская керамика еще мало изучена. Вначале изготовлялась поливная одноцветная посуда, с IX в. она имела формованный рельеф. Наибольший интерес представляют облицовочные плитки, выпуклые и вогнутые, украшенные декоративными мотивами. На плоских плитках изображались Богоматерь с младенцем или святые. Нередко композиция составлялась из многих изразцов. Позднее посуда стала полихромной С IX в. применяется техника сграффито, т. е процарапыванйе по глазури или удаление широких участков поливы.

Если говорить о стекле, то наиболее примечательны витражи из настоящего стекла, покрытого цветными эмалями и вправленного в свинец, котеры" обнаружены в окнах апсиды монастыря Хора (Кахрие Джами в Константинополе), созданные не позднее 1120 г. На них изображены в человеческий рост Богоматерь, Христос, святые в богатых византийских одеждах, фон украшен медальонами, розетками, завитками. Цвета - синий, зеленый, багряный.

Ювелирное дело и обработка металлов В ювелирных изделиях применялись чернь, жемчуг, драгоценные камни и в особенности эмали. Наибольшей славой византийские ювелиры пользовались благодаря великолепию палитры своих эмалей. Это перегородчатые эмали: кресты, оклады священных книг, короны. Иногда эмали сплошные, но чаще - на золотом фоне: византийцы считали, что этим металлом покрыто небо, и высоко ценили золото. Наиболее интересными являются изделия из лимбургского реликвария, венгерская корона. Они изготовлялись в царских мастерских, но серебряные изделия уступают золотым. Для изготовления дверей использовалась бронза (двери собора Святой Софии - с тонким орнаментальным рисунком, гравировкой). Византийцы получали множество заказов на храмовые двери из европейских стран, кроме того, изготавливали ажурные бронзовые лампадофоры, кресты, кадила, плакетки (пластинки), царские врата (алтарные двери).

Камень В области камнерезного искусства византийцы оставили только образцы архитектурного декора, например, капители Святой Софии. Резьба очень тонкая, иногда напоминающая резьбу по слоновой кости. Скульптурный рельеф плоский, ажурный, с обильным растительным орнаментом.

Ткани Подлинность византийского происхождения тканей можно, определить преимущественно по орнаменту: излюбленный мотив - круг с фигурой животного (льва, слона, орла - символа власти). Сохранились шелка, вышитые золотой нитью. Из такого шелка выполнена далматика - просторная длинная одежда Карла Великого.