ИСКУССТВО ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ «Персей» Бенвенуто Челлини
Искусство Возрождения многим обязано науке и технике, которые сделали в это время резкий рывок. В эпоху Ренессанса появились часы, фанерованная мебель, стали прозрачными окна. "О столетие! О науки! Радостно жить, радостно не пребывать в покое! Науки крепнут, разум процветает. Эй, ты, варварство, подбирай себе петлю, готовься к изгнанию!" - писал гуманист Ульрих фон Гуттен в 1518 году. Слова о процветающем разуме сразу заставляют нас вспомнить о перспективе, анатомии, оптике, математике. Да, конечно, благодаря им изменилась не только живопись, но и шпалера, керамика, эмаль, декор мебели. Интарсия (инкрустация), выполняемая Художники научились более полно деревом по дереву, с применением основ овладевать возможностями материала. перспективы в изображении
Для эпохи Возрождения была характерна идея универсальности, гармоничного сочетания художественной и инженерной мысли. Художник должен был выступать в нескольких ипостасях: он был скульптором, архитектором, живописцем и часто выступал в роли инженера. Наиболее ярким примером такого универсального творца является Леонардо да Винчи. Леонардо вел дневник, в котором приведено множество чертежей и рисунков придуманных им механизмов и аппаратов. Хотя изображения механизмов Леонардо имеются практически в каждом учебнике по истории и физике, далеко не все помнят, что учёный придумал летательные и военные машины, гидравлические механизмы, машины для Чертеж летательной машины, приводимой в обслуживания сцены, музыкальные движение человеком через хитроумные инструменты и многое другое. Недавно передаточные механизмы. Он настолько итальянские исследователи перевели в был уверен, что устройство полетит, что предполагал даже проводить испытания над цифровую форму эти чертежи и рисунки с последующим изготовлением компьютерных озером, да еще и с прикрепленными трехмерных моделей. . . поплавками, чтобы машина не утонула.
Наследие Леонардо да Винчи Также в архиве Леонардо есть и совсем другой летательный аппарат - "воздушный винт", который ввинчивается в воздух и поднимает устройство. Многие считают, что Леонардо изобрел прототип вертолета. Это не совсем так, геликоптеры используют винты с лопастями, расположенными не в вертикальной, а в горизонтальной плоскости.
Наследие Леонардо да Винчи Создание «самолётов» мастер начал с изучения анатомии стрекозы и ее поведения в воздухе, затем придумал машущее крыло - в сущности, стенд для изучения "отталкивания" от воздуха. Имелась в виду проверка мускульной способности человека поднять в воздух и управлять полетом пилотируемого махолета, общий вес которого должен был составлять 90 кг.
Наследие Леонардо да Винчи Одно из самых известных изобретений Леонардо деревянный "автомобиль", приводимый в движение запасенной энергией двух плоских пружин. Устройство имеет размер примерно 1 х 1 метр и, как теперь считают, было предназначено для театрализованных представлений. Например, для торжественного выезда на сцену Героя или Символа Природы - без каких-либо веревок и без помощи рабочих сцены.
«Танк Леонардо» Тяжелый фургон в форме черепахи, вооруженный со всех сторон пушками и окованный броней. Проблему перемещения этой платформы надеялись решить при помощи парусов, но вместо этого Леонардо предложил поместить внутрь вагона 8 человек, приводящих его в движение с помощью передаточного механизма, соединенного с колесами. Также впечатляют и военные изобретения Леонардо. К ним относятся прежде всего жуткого вида колесницы с вращающимися косами для перерубания ножных сухожилий вражеских лошадей и солдат, а также устройство, которое принято называть "танком Леонардо". Этот агрегат был разработан Да Винчи в XIV столетии.
Единственное его изобретение, получившее признание при его жизни — колесцовый замок для пистолета. После наблюдения за сценами сражений Леонардо создал портативную лестницу, идеально подходящую для штурма дворцов и крепостей. Одной из ее составных частей являлся «зубчатый винтовой» механизм. Он удлинял, укорачивал, поднимал и опускал лестницу. В наши дни данный механизм находит применение при спасении людей на пожарах. Это далеко не все Исследования Леонардо да Винчи во многом механизмы, опередили свое время. Во многих случаях ученым придуманные Леонардо. приходилось заново открывать то, что было уже открыто Леонардо.
Для чего, если не для нашего украшения, создала природа золото, серебро, драгоценные камни, дорогую шерсть? . . О если бы у человека были не пять, а пятьдесят или пятьсот чувств!" В этих словах, написанных в 1431 году итальянским гуманистом Лоренцо Балла, как нельзя лучше выражена привязанность человека эпохи Возрождения к чувственной красоте мира, его стремление сделать праздником земную жизнь. Понятно поэтому, что XV и первая треть XVI века стали для прикладного искусства временем высокого подъема.
Отметим еще одну особенность - общую, впрочем, для всей культуры Возрождения: прикладное искусство приобретает светский характер. Это не значит, конечно, что художники перестают работать для церкви. Но у них появляется новый заказчик - состоятельный горожанин процветающих городов юга и севера Европы. Если в 1532 году семья нюрнбергского доктора тратила на все хозяйственные нужды 171 гульден (20 гульденов - дрова, 48 - одежда и т. д. ), почти столько же - 169 гульденов - было истрачено на покупку серебряной утвари. Кубок. Стекло и серебро.
Воспитательный дом Филиппе Брунеллески Рубеж XIV — XV веков в Западной Европе был отмечен возникновением новой архитектурной системы — стиля Возрождения (Ренессанса). В каждой из стран Европы архитектура Возрождения возникла в результате сочетания местных традиций и привнесенных извне общих признаков стиля. Ренессансный архитектурный стиль довольно эклектичен и по характеру скорее декоративный, нежели конструктивный. Формальные элементы этого стиля почерпнуты из арсенала форм греко – римских ордеров. В период Раннего Возрождения, благодаря распространению гуманистических идеалов в Италии, большое значение приобрело строительство общественных сооружений. Характерно, что первым ренессансным произведением была не культовая, а гражданская постройка - флорентийского Воспитательного дома (Оспедале Инноченти) во Флоренции
В постройке Брунеллески выражена одна из главных особенностей ранней ренессансной архитектуры предназначенная для людей, в отличие от готических построек с их высокими сводами. В проекте Воспитательного дома ярко проявились черты конструктивной ясности, античной простоты, гармони, он стал образцом для всей архитектуры Ренесанса. Зодчий возродил ордерную систему, которая удовлетворяла новое эстетическое мышление и сыграла большую роль в дальнейшей судьбе Европейской архитектуры. Ордер обеспечил переход от феодального замка или дома крепости к открытому для внешнего мира классическому палаццо Итальянского Ренессанса.
Одновременно с работой над постройкой Воспитательного дома, Брунеллески возводил и церковь Сан-Лоренцо, где из продольной схемы плана вырастает по-новому понятая объемно-пространственная композиция. Пространство четко выражено, имеет уравновешенную пропорцию ширины к высоте. Интерьер, несмотря на базиликальную форму, ничего общего не имеет с готикой, нет устремленности вверх, формы и ритмы развиваются по горизонтали, детали связаны с античным влиянием. Филиппе Брунеллески Церковь Сан-Лоренцо, Флоренция
В области церковного строительства архитектура Италии XVI веков представляла собой поле борьбы и поисков в определении нового типа храмового здания. Архитекторы стремились утвердить и довести до конца выработку нового центрально-купольного сооружения Купол собора Санта Мария дель Фьоре, Флоренция Для разработки центрально-купольных сооружений имела определяющее значение постройка архитектором Ф. Брунеллески самого крупного в Италии и Европе купола — над флорентийским собором Санта Мариа дель Фиоре, равного по диаметру куполу античного римского Пантеона (42 м). Конструктивные средства, примененные Брунеллески, были использованы позже во всех крупных соборах Европы XVII—XVIII веков. Уникальное творение инженерного гения — построенный без арматуры, двухслойный восьмигранный купол, покрытый темно-красной черепицей, связанный крепкими белыми ребрами и увенчанный изящным бело-мраморным световым фонарем, стал символом Флоренции.
Основоположником Высокого Возрождения в архитектуре был Донато Анжело Браманте (1444— 1514), приглашенный в 1499 году из Милана в Рим папой Юлием II Замысел собора Святого Птра принадлежит Анжело Браманте. После смерти Браманте руководство проектными и строительными работами собора Св. Петра перешло в руки других архитекторов. Зодчие, принужденные считаться с реально возведенными частями сооружения и под воздействием духовенства, стремились найти компромиссное решение плана: сохраняя основной квадрат здания, они пытались развить, удлинить входную, западную часть сооружения, что соответствовало бы архитектурным традициям. Добиться органичности решения было нелегко, каждый из вариантов имел уязвимые стороны.
Античная ордерная система преобразила не только архитектуру, на мебели тоже появляются колонны, пилястры, ниши со скульптурой, энергично выступающие карнизы. Но главное не новый декор, а новые принципы формообразования. На смену готической вертикали приходят формы, тяготеющие к спокойной горизонтальности, к ясной архитектоника, хотя готическая эстетика кое-где сохраняется. Ту же логику, которая отличает ренессансную архитектуру, увидит внимательный глаз повсюду: в арабеске, заимствованной на Востоке, в венецианском бокале, где стройная ножка-балясина легко несет тонкостенную чашу, в высоком серебряном кувшине, бронзовом светильнике, золотой подвеске, в решении костюма. Городская площадь и горожане (типы костюма).
Итальянский интерьер XV века Интерьеры сооружений XV века в жилых зданиях сохранились в отдельных редких случаях. Внутренняя структура жилых и дворцовых сооружений эпохи Возрождения отличалась четкостью и простотой расположения помещений. В Италии XV века парадные и жилые комнаты имели прямоугольную в плане форму и располагались цепочкой вдоль основных фасадов. Этот же прием перешел и в следующее столетие. Помещения в нижних этажах и в больших залах перекрывались чаще сомкнутыми монастырскими Интерьер по проекту Браманте Донато сводами, иногда с распалубками.
Итальянский интерьер XVI века С начала XVI века еще большее значение, чем ранее, приобретает плафонная и настенная живопись, получившая особое развитие в результате деятельности Рафаэль Санти и его школы. Высокохудожественные образцы находятся в Ватикане. Прославленные сюжетные композиции ватиканских «Станцев» Рафаэля — одно из высших достижений монументальной живописи эпохи Ренессанса.
Уже в средневековье камин перестали воспринимать только как источник тепла. В эпоху Возрождения он становится важным элементом больших дворцовых залов и загородных резиденций короля и знати. Каминные порталы исполнялись в разных материалах, украшались резьбой, в композицию включали архитектурные элементы: колонны, пилястры, антаблементы. Представленный камин происходит из французского города Сан. Мишель. Поверхность портала полностью покрыта резьбой: опоры имеют оригинальные капители в виде головок путти, сложный геометрический орнамент украшает антаблемент с латинской надписью в центральном картуше.
Мебель эпохи Возрождения . По сравнению со Средневековьем мебель становится более разнообразной по типам. В основном она расставлялась вдоль стен. Выделялся лишь центрально поставленный стол и в спальных помещениях кровать, которая ставилась, как правило, перпендикулярно стене (впрочем, иногда она помещалась в нише стены). Едва ли не главным элементом мебельного убранства были сундуки — кассоны (как в готическое время). Значение их повышалось вследствие того, что во вновь создаваемом семейном жилище в этих сундуках содержалось приданое невесты.
Сундук и сундук - скамья Постепенно в орнамент все чаще включаются мотивы и элементы античной архитектуры. Сюжеты усложняются, предпочтение отдается изображению человека Боковые стенки сундуков часто снабжались ручками, что говорило о том, что они были переносными. В них, в частности, привозилось в дом будущего мужа и хранилось приданое невесты.
Многое меняется в прикладном искусстве. Обретают новый декор принятые в быту предметы, возникают никогда прежде не бывшие. Так, украшением сундука в средневековье был обычно сложный орнамент "масверк", восходящий к каменной резьбе собора, или изображение религиозных сюжетов. Теперь же, как пишет Вазари, "истории, изображавшиеся на передней стороне сундуков, большей частью заимствовались из сочинений Овидия или других поэтов, или же из рассказов греческих либо латинских историков; а также были там охоты, турниры, любовные новеллы и тому подобные вещи". И далее знаменитый историк добавляет примечательные слова: "кому что нравилось". Такие разные сундуки
Мебель эпохи Возрождения Сундук - скамья Форма сундука чрезвычайно проста: это призматический глухой деревянный ящик с плинтом, без ножек или с очень низкими ножками. Его стенки обрабатывались неглубоким скульптурным рельефом, внутренняя же поверхность крышки подчас покрывалась живописью. Во второй половине века разработка поверхностей сундука приобретает черты архитектурной ордерности — плинт превращается в ступенчатый цоколь, появляются пилястры или кронштейны, завершающая горизонтальная тяга трактуется как антаблемент. Иногда стенки приобретают изогнутые очертания, а крышка становится рельефной и более сложной по форме.
Мебель эпохи Возрождкния Новым типом мебельного искусства, вызванным потребностями эпохи, является, так называемая, касса-панка. Это ларь с продолженными кверху задней и боковыми стенками, образующими спинку илокотники, с подъемным сиденьем и ящиком под ним. Стенки, как и у кассоне, богато украшены рельефной резьбой.
Существенную роль в убранстве Французский интерьер Раннего Ренессанса - «стиль Франциска I» интерьера играла кровать. — без балдахина, с четырьмя высокими резными угловыми столбиками или без них, но с двумя спинками, в изголовье и в «ногах» . Часто встречается и другой тип кровати — с легким балдахином, поддерживаемым четырьмя тонкими резными стойками и задергивающимися занавесками. И в случае с балдахином, и без него в основании кровати всегда почти делался широкий цоколь, использовавшийся и как прикроватная скамья. Основной материал, из которого изготовлялась мебель, — темный орех.
Шкаф - необходимый атрибут интерьера В конце XIV века формируется окончательно тип двухъярусного шкафа с двойными филенчатыми дверцами. В его «фасадной» обработке использовались обычно пилястры и кронштейны. Такой шкаф возник из системы сундукакассона. По существу он состоит из двух больших ларей, поставленных друг на друга.
В XVI веке появляются первые образцы шкафов, представляющие собой поставленные на торец или на бок друг на друга сундуки. Вершиной мебельного искусства Возрождения были французские резные двухкорпусные шкафы. Нижний их корпус более массивен и широк, верхний более строен и отступает несколько назад. Декор шкафа конструктивен и повторяет формы архитектуры. Резьба на филенках выполнена в низком рельефе и представляет мотив гротеска. По краям и между створок часто поставлены мужские или женские полуфигуры. Шкафы
Шкафы – сооружения Корпусная мебель решается как архитектурное сооружение, как миниатюрный палаццо, с колонками, пилястрами, карнизами, фронтонами. Такую составленную из архитектурных элементов мебель, в которой каждая часть является самостоятельной , независимой формой, называют архитектонической.
Шкафы – кабинеты 16 век Говоря о новых формах мебели, следует прежде всего вспомнить кабинет, возникший именно в эпоху Ренессанса с ее коллекционерским, знаточеским духом. В шкафах такого типа со множеством выдвижных ящичков разной формы и размера надежно сохранялись дорогие сердцу собирателя медали, камеи, гравюры.
Интарсия (от итал. intarsio) — вид декоративно-прикладного искусства, инкрустация, выполняемая деревом по дереву. Еще один вид декора корпусной мебели – интарсия. Сегодня, как и много веков назад, интарсия создается исключительно вручную и является атрибутом дорогой мебели. Для изготовления интарсии подбирают разную по цвету древесину, которую нарезают на тончайшие ленты шпона, предварительно удалив все дефекты. Получившиеся ленты-полоски склеивают до листов необходимого размера, из которых вырезают детали для мозаики. Детали, образующие узор, плотно подгоняются друг к другу, склеиваются и вкладываются в украшаемый предмет. Затем внешняя сторона набора тщательно полируется.
Интарсии Фра Джованни да Верона. Начало XVI века Как и инкрустация, интарсия зародилась на Востоке, в Египте, и достигла очень высокого уровня в Древней Греции и в Риме, где орнаменты делались из клена, самшита, падуба, железного дерева, кизила. Интерес к этой технике возрождается в Эпоху Ренессанса, а в XVII - XVIII веках приобретает особенную популярность.
Инкрустации на дверцах шкафов Виртуозно владея рисунком, легко передавая светотеневые градации, художник может изобразить на дверцах шкафа нечто неожиданное: и приоткрытые дверцы, и полки в шкафу, и тень в глубине, и расставленные на полках в продуманном беспорядке книги, статуэтки, вазы. Да еще лукаво "уронить" из вазы цветок. Нужно подойти совсем близко, чтобы понять, что перед тобой закрытый шкаф, украшенный интарсией. Нечему удивляться, ведь ее автор - Джованни да Верона, не только мебельщик, но и бронзолитейщик, архитектор, скульптор, миниатюрист, человек, бывший во всеоружии знаний своей эпохи. Интарсии, выполненные из разных пород дерева.
В наше время, когда обучение будущих живописца, ювелира, скульптора и керамиста изначально разделено, мы часто не в состоянии себе представить универсальность художников Ренессанса. Нас поражает, как играючи справляется мастер интарсии - мозаики из пластинок дерева разных пород - со сложной перспективой убегающей к горизонту улицы, с постановкой фигур в разнообразных поворотах, изображении предметов «для обмана глаза» .
Украшение интерьера Мелкие предметы убранства — бытовые и декоративные — в интерьерах немногочисленны. В основном это были светильники, подсвечники — обычно медные или фаянсовые (майоликовые) вазы, в которых высаживались растения, помещавшиеся на окнах. Декоративные тарелки и блюда часто выставлялись на полках.
Драгоценная посуда Эпохи Возрождения Кувшин с аллегорическим декором. Ямнитцер, Кристоф. Конец 16 века. Золото. Германия. Художественно-исторический музей. Вена Символика декора представлена в виде сцен из легенды о Петрарке и Лауре. Замысловатое содержание таких аллегорий, как правило, принадлежало самим заказчикам. Характерно для маньеризма конца 16 века.
Драгоценная посуда Но не только индивидуальные вкусы заказчика определяли особенность и своеобразие каждого изделия. Большую роль в этом играли самобытность и индивидуальность мастера. Теперь он ставит свою подпись на изделии гораздо чаще, чем его средневековый коллега. Серебряник, например, имеет именное клеймо.
Потиры Британский музей. Лондон Потир (от др. - греч. ποτήρ, «чаша, кубок» ) — сосуд для христианского богослужения, применяемый при освящении вина и принятии причастия.
Драгоценная посуда - Потиры 1. Потир Ватикан. Сокровищн ица Собор Св. Петра 2. Потир Британский музей. Лондон
Сосуд с китайскими мотивами. Кревекер, Франсуа. Вторая половина 16 века Раковины моллюска, серебро; позолота, гравировка. Высота 16 см Кувшин из раковины моллюска. 16 век. Раковины моллюска, серебро, драгоценные камни; позолота, гравировка. Высота 30 см Музей серебряных изделий. Флоренция Работа парижского мастера. Возможно, входила в приданое Кристины Лотарингской. Изготовлен, вероятно, в Антверпене или Нюрнберге. Характерный пример стиля, распространенного в Западной Европе в это время, отмеченного модой на изделия причудливого вида, с головами драконов.
Сосуды в форме цапель. Конец 16 века. Горный хрусталь. Художественноисторический музей. Вена
Ваза в форме ладьи. 1589. Золото, горный хрусталь, гравировка. Музей серебряных изделий. Флоренция Возможно, предназначена для свадебного стола Кристины Лотарингской и Фердинанда I. Башенку на корме наполняли водой или вином со специями; жидкость стекала по трем трубкам в чашу. Выполнено в мастерской братьев Саракки в Милане.
1. Кубок. 16 век Кораллы, страусиное яйцо. Художественно-исторический музей. Вена Находился в собственности Фердинанда Тирольского. 2. Ваза. Буонталенти, Бернардо; Биливер, Жак. 1583. Лазурит, золото. Высота 40, 5 см Музей серебряных изделий. Флоренция Камень - итальянская работа. Оправа создана антверпенским мастеромювелиром
1. Кубок. Конец 16 века. Золото, кокос. Национальный музей, Прага. 2. Кубок из раковины. Конец 16 века. Серебро, раковины; позолота. Германия Художественно-исторический музей. Вена Приписывается ювелиру Корнблюму Марксу. Это изделие свидетельствует о моде на изысканные и причудливые материалы. Многие из этих изделий предвосхищают следующий европейский стиль – «Барокко» .
Ювелирное искусство Бенвенуто Современники высоко Челлини ценили Челлини как ремесленника, относительно же его художественного дарования мнения разделились; однако, несмотря на это, он должен был представлять скульпторов на торжественной церемонии погребения Микеланджело. Варки и Вазари с похвалой отзывались о его таланте ювелира. «Сальера» (1543).
. Из созданных им произведений ювелирного искусства сохранилось немногое: солонка Франциска I (1540— 1543, Вена, Художественноисторический музей) Солонка "Нептун и Церера". Челлини, Бенвенуто 1543.
Venetian Philologist, Poet and Belletrist, 1537/1547 Брошь « Leda e il cigno» 1528 -1530 Вазари писал, что Челлини — непревзойденный мастер медальерного искусства, превосходящий даже древних, и величайший ювелир своего времени, а также замечательный скульптор
В медальерном- искусстве нашел прекрасное отражение портрет. С большим мастерством итальянскими художниками чеканятся медали, режутся камеи и интальи, изображая конкретных людей. Причем круг заказчиков медалей весьма широк. Если в средние века в композициях медалей возник обычай помещать изображение святогопокровителя, то теперь "всякий синьор или знатный человек любит давать вырезывать какую -нибудь выдумку или эмблему", как описывает моду своей юности ведущий ювелир эпохи Бенвенуто Челлини. Francis I, King of France, 1537
Много крупных художников работало в прикладном искусстве Возрождения. Среди них немало тех, кто творил и в других областях искусства: в скульптуре, графике, архитектуре, монументальной живописи, был одновременно ювелиром, резчиком по дереву и камню. Например, Анджело Баровьер - самый известный среди венецианских стеклоделов, ему приписывают многие усовершенствования в технологии изготовления стекла. Он основатель целой династии стекольщиков. А Питер ван Альст - глава шпалерной мастерской в Брюсселе. Им и его помощниками была выткана по картонам Рафаэля знаменитая серия ковров, заказанная римским папой для Сикстинской капеллы. Амброджо Фоппа работал в Милане и Риме и был, по отзыву самого Челлини, "превосходнейшим и величайшим мастером" в ювелирном искусстве. Наконец, Николо Пеллипарио - первое имя среди мастеров майолики, виртуоз многофигурных сцен, которые принесли керамике Италии всеевропейскую славу. Подвеска и брошь Бенвенуто Челлини
Предметы быта и искусства Высокий уровень прикладного искусства объясняется единством, которое существовало между разными видами искусства и прекрасной выучкой мастеров, по сути –ремесленников, а по мастерству и творческому подходу –художников.
Итальянские ткани XV - XVI веков Ткань с узором из вазонов. Лен, шелк. Италия, конец XVI века. Ткань с гранатовым узором. Лен, шелк, серебряная нить. Бархат разрезной и петельчатый. Италия, Флоренция, вторая половина XVI века.
Ткань с гранатовым узором. Лен, шелк, серебряная нить. Бархат разрезной и петельчатый. Италия, Флоренция, вторая половина XVI века. Ткань с узором из вазонов. Лен, шелк. Италия, конец XVI века.
Борт с изображением завитков аканта, заканчивающихся головами драконов. Бархат, золоченые и серебряные нити. Вышивка в технике высокого рельефа. Италия, XVI век. Ткани бархатные с гранатовым узором. Италия, XV век. Итальянские ткани XV - XVI веков из собрания Государственного Эрмитажа. Санкт -Петербурге
Некоторые аспекты костюма эпохи Возрождения Эпоха Тюдоров Пир Генриха VIII (реконструкция)
Решительные перемены произошли в костюме, особенно женском. Изгнано все то, что в одеянии времен готики придавало фигуре удлиненные линии, которые мало считались с реальными пропорциями тела. Ушли в прошлое конусовидные головные уборы "эннены", доходившие до 50 сантиметров у горожанок, до одного метра у благородных дам, длинные шлейфы и вуали, глубокие треугольные вырезы, неимоверной ширины рукава, свисающие до земли, очень высокая линия талии. Теперь, когда прекрасным в человеке видится не только духовное начало, но и его тело, костюм начинает следовать естественным линиям, тем самым подчеркивая это совершенство. Мужской костюм, хотя и резко отличный по конструкции от сегодняшнего (например, вместо брюк носили облегающие штаны-чулки), тем не менее не стеснял движений.
Английский костюм Эпохи Возрождения ИТАЛЬЯНСКИЙ КОСТЮМ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ
По картинам художников эпохи Возрождения можно наглядно проследить эволюцию не только костюма, но и всего ДПИ, Дюрер, сын ювелира, смолоду обучавшийся этому делу, создавал эскизы, вдохновлявшие ювелиров и серебряников Германии. Ганс Гольбейн, живя в Лондоне, делал наброски для ювелиров, оружейников, переплетчиков. Шелка ткались по рисункам Я. Беллини, А. Полайоло. Ранняя картина Боттичелли "Сила" не что иное, как спинка судейского кресла, а поздние композиции "Деяния св. Зиновия" исполнены на передних стенках сундуков, заказанных, очевидно, для какой-то церкви, портреты Лукаса Кранаха – подробный рассказ о костюме эпохи. Лукас Кранах
Интересен автопортрет немецкого художника Альбрехта Дюрера, выполненный в 26 лет, «Портрет в перчатках» . Руки модели, лежащие на постаменте, - хорошо известный прием создания иллюзии близости между портретируемым и зрителем. Дюрер мог научиться этому визуальному трюку на примере таких произведений, как, например, леонардовская Мона Лиза, - он видел ее во время путешествия в Италию. Пейзаж, который виден в открытое окно, - особенность, характерная для северных художников, таких как Ян Ван Эйк и Робер Кампен. Дюрер революционизировал североевропейское искусство, объединив опыт нидерландской и итальянской живописи. АЛЬБРЕХТ ДЮРЕР Автопортрет 1500 Х
Гольбейн Ганс, (Holbein) или Хольбейн Ханс Младший (около 1497 или 1498 -1543), немецкий живописец и график эпохи Возрождения. По картинам Гольбейна можно воспроизводить не только женский и мужской костюм, современный художнику, но и ткани и интерьер его эпохи. Портрет Шарля де Солье.
Анна Клевская 1539 г. Гольбейн Генрих VIII. Картина Гольбейна.
Лаис Корифская 1526 Катарина Говард 1541
Французские послы 1533 г. Национальная галерея, Лондон Этот двойной портрет кисти Гольбейна является выдающимся шедевром эпохи Возрождения. Слева на портрете изображен Жан де Дентевиль, французский посол при дворе Генриха VIII, справа стоит его друг, Жорж де Сельв, епископ Лавуа, посетивший Лондон в апреле 1533 года. По некоторым сведениям, именно Сельв посоветовал своему товарищу заказать портрет Гольбейну, недавно вернувшемуся в Англию и искавшему новых покровителей. Герои полотна, глядящие прямо на зрителя, изображены в окружении множества астрономических и навигационных приборов, которые, в сочетании с вещами, лежащими на нижней полке этажерки (книги, музыкальные инструменты, глобус), призваны подчеркнуть образ жизни и сферу умственных интересов этих людей.
С множеством деталей картины, выписанных художником предельно реалистически, контрастно сопоставлен странный предмет, размещенный на переднем плане полотна. Он формирует символический ряд этого произведения, оказываясь в- подетальном рассмотрении - искаженным в перспективе человеческим черепом. Об этом черепе в XX веке написано немало - собственно, именно он и сделал шедевр Гольбейна столь популярным в новейшее время. Противопоставление ясности научного знания, устойчивости комфортного бытия, единственной реальности видимого нами мира и одновременно нависающей над всем этим смерти, обессмысливающей существование человека, оказалось необыкновенно близко мироощущению человека XX века. Гольбейн дал в своей работе образ двойного зрения - при "прямом" взгляде человека, с головой погрузившегося в рутину бытовой жизни и не желающего иметь дело с трагической метафизикой земного бытия, смерть представляется иллюзорным пятном, на которое не стоит обращать внимания. Но при «особом» взгляде (подразумевается - правильном, глубоком) все меняется с точностью до наоборот - смерть превращается в единственную реальность, а привычная жизнь на глазах искажается, приобретая характер фантома, иллюзии.
Эта картина интересна не только фигурами послов, но и натюрмортом, занимающим центральную часть картины. Можно даже сказать, что этот натюрморт играет "центральную" роль в композиции, связывая двух разведенных по бокам полотна мужчин и одновременно оттеняя индивидуальность каждого из них. Также каждый предмет по-своему характеризует сегодня эпоху. Предметы, являющиеся своеобразным фоном многих портретов Гольбейна, часто выбираются им с целью максимально полно охарактеризовать изображенного человека или, в другом варианте, задать сложную символическую музыку произведения. Но, пожалуй, ни в одной работе эти предметы не сгущаются так "концентрированно", как это происходит в представленном шедевре. Обилие разнообразных вещей говорит о широте интересов стоящих перед нами людей - даны очевидные указания на музыку, математику, геометрию, астрономию, есть, помимо этого, и знаки не столь очевидные. На нижней полке этажерки мы видим глобус, учебник математики, лютню, футляр с флейтами и сборник лютеранских гимнов, раскрытый на псалме "Спаси, Господи, души наши".
Лютня в картене выступает не только музыкальным инструментом, но и - если не забывать того, что ее струны традиционно символизировали смерть, - вполне определенным символом, перекликающимся с искаженным черепом, написанным на переднем плане. Эта связь упрочивается и перекличкой в "технической" сфере - и то, и другое призвано показать великолепное знание законов перспективы, которым отличался Гольбейн. Если изображение в правильной перспективе лютни - с ее сложной формой и изогнутым под прямым углом грифом - представляет собой сложнейшую техническую задачу, то изображение в искаженной перспективе черепа - задача ничуть не проще.
Питер Брейгель «Крестьянская свадьба» 1568 г. Произведение, иллюстрирующее костюм городского населения и крестьянства Северной Европы.
Питер Брейгель «Охотники на снегу» , 1565 г. Музей истории искусств, Вена
Питер Брейгель «Охотники на снегу» , 1565 г. Иллюстрация жилища и быта в Голландии 16 века.
Игры детей 1559 г. Лукас Кранах.
Иллюстрация быта, предметов обихода, развлечений и, собственно, игр в эпоху Возрождения, в северной Европе.
Ян ван Эйк "Портрет четы Арнольфини" - знаковое произведение Северного Возрождения "Портрет четы Арнольфини" - уникальное явление во всей европейской живописи того времени. Ян ван Эйк впервые изобразил людей в окружающей их повседневной обстановке, без всякой связи с религиозным сюжетом или образами из Священного писания.
Официальная трактовка сюжета картины - это только наиболее распространенная версия, но для некоторых исследователей более притягательна другая: это автопортрет художника. А третьим специалистам не дают покоя кажущиеся странности картины. Почему, например, словно в клятве поднял правую руку мужчина? Если это бракосочетание, то где же тогда священник? Какой момент в жизни супругов отобразил художник? Почему среди бела дня горит в люстре одна-единственная свеча? И что означает надпись над зеркалом: "Johannes de Eyck fuit hie" ("Иоганнес де Эйк был здесь. 1434". )? Эти вопросы, на которые сейчас трудно найти ответы, делают картину еще более загадочной. На полотне изображены купец Джованни Арнольфини из итальянского города Лукки, который в Брюгге представлял фирму Портинари, и его молодая жена. Оба одеты в нарядные праздничные костюмы, отвечающие сложной и причудливой моде того времени. Позы их торжественно неподвижны, лица полны самой глубокой серьезности. Сначала это может даже оттолкнуть зрителя, но стоит ему повнимательней приглядеться к внешним подробностям, и тогда его сильно поразят простая правда, с какой художник изобразил эти две личности, и та серьезность, с какой он отнесся к этим характерам.
В глубине уютной комнаты висит круглое зеркало, отражающее фигуры еще двух людей, присутствующих в комнате, но не видных зрителю. Некоторые искусствоведы, основываясь на надписи «Ян ван Эйк был здесь» , предполагают, что одна из фигур - сам Ян ван Эйк, и рассматривают все изображенное на картине как сцену бракосочетания. В одном из свидетелей художник изобразил самого себя, о чем гласит эта надпись над зеркалом. Новобрачных художник исполнил в рост. Живописец любовно изображает вещи, окружающие молодоженов. Эти предметы много сообщают об образе жизни своих хозяев, подчеркивая их бюргерские добродетели - бережливость, скромность, любовь к порядку.
На картине, изображающей церемонию бракосочетания двух богатых молодых людей, художник нашел место для нескольких символов - например, для собачки, расположившейся у ног новобрачной, символа верности. Апельсины – символ благосостояния. Это дорогие заморские фрукты. По другой версии - апельсины - плоды райского сада, а яблоко намекает на грехопадение. Яблоко – символ любви, что совершенно уместно в этом сюжете.
Щетка - знак чистоты, четки - символ благочестия, выпуклое зеркало - глаз мира. Пара башмаков на полу говорит о единстве брачующейся пары.
в 1950 году крупный английский искусствовед Брокуэлл в своем специальном исследовании написал, что "портрета Арнольфини и его жены вообще не существует". Да, художник написал портрет Джованни Арнольфини и его супруги, но он погиб в Испании во время пожара. А историю того портрета, который находится в Лондонской картинной галерее, мы вообще не знаем, да и изображены на нем совсем другие люди. Как уверяет Брокуэлл, никаких документов, подтверждающих, что изображенный человек - Джованни Арнольфини, не существует, и загадочная картина - это портрет самого художника и его жены Маргариты. Кроме того, установлено, что у Джованни Арнольфини и его жены детей не было, а изображенная на картине женщина явно ждет прибавления семейства. И действительно, Маргарита ван Эйк 30 июня 1434 года родила сына, это тоже подтверждено документально.
Колорит и блестящая техника масляного пиьма Ян ван Эйка в «Портрете четы Арнольфини» Восхищает и поражает удивительно свежий красочный колорит картин и глубокие тона, каких до сих пор не видели зрители ни у одного из итальянских художников. Это тайна и гордость братьев Эйков, это их открытие, которое теперь стало столь обыденным, что о нем даже и не вспоминают. А тогда именно братья Эйки изобрели химическую смесь, которая нужна была для выработки масляных красок. От них этому сначала научились итальянцы, а потом и весь мир Правда, сейчас исследователи установили, что еще во II —IV веках древнеримские художники вводили в восковые краски льняные или ореховые масла. И тем не менее многие поколения художников обязаны гениальным братьям, ибо они усовершенствовали масляные краски и разработали новые их составы.
Искусство Возрождения заслужило славу одной из самых блестящих страниц в истории человеческой культуры. Пожалуй, действительно пригодились бы пятьдесят, а то и пятьсот чувств, чтобы вполне насладиться всеми его шедеврами. Лукас Кранах Женский портрет. Перед нами портрет типичной золотоволосой (по моде того времени)современницы художника.
Список литературы 1. Ротенберг Е. И. Искусство Италии. М. , 1974 2. Муратов П. П. Образы Италии. М. , 1994 3. Прикладное искусство Италии в собрании Эрмитажа. Каталог выставки. Л. , 1961 4. Кубе А. Н. Итальянская майолика XVXVIII вв. М. , 1976 5. Кубе А. Н. Венецианское стекло. М. , 1923
Вопросы для семинара 1. Градостроительство эпохи Возрождения и обустройство жилищ; 2. Мебель и интерьер эпохи Возрождения, особенности конструкции и декора; 3. Костюм эпохи Возрождения. Северное и южное Возрождение; 4. Картины художников эпохи Возрождения. Элементы интерьера, быта и костюма в изображении художников – современников героев полотен. Ганс Гольбейн; Питер Брейгель младший (мужицкий); Альбрехт Дюрер; Джовани Беллини Ян ван ЭЙк
Скачать презентацию ИСКУССТВО ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ Персей Бенвенуто Челлини Искусство
Epoha_Vozrozhdenia.ppt