Искусство 17 -18 вв.
• По сравнению с эпохой Возрождения искусство XVII- XVIII веков сложнее, противоречивее в содержании и художественных формах. Целостное поэтическое восприятие мира, характерное для Возрождения, разрушается, идеал гармонии и ясности оказывается недосягаемым. Но образ человека остается по-прежнему в центре внимания художника. Его воплощение становится более конкретным, эмоциональным и психологически сложным. • Формирование национальных художественных школ, своеобразие которых определялось художественной традицией, сложившейся в каждой стране: Голландия ( «золотой век голландской живописи» Ф. Хальс, Рембрандт, Вермеер), Фламандия (Рубенс), Испания (Эль Греко, Рибера, Сурбаран, Веласкес), Франция (Пуссен, Лоррен) • Глубокое и целостное восприятие действительности в творчестве художников ведёт к определённому синтезу в искусстве.
• Формирования новых жанровых форм. В изобразительном искусстве наряду с традиционными мифологическими и библейскими жанрами самостоятельное место завоёвывают светские: бытовой жанр, пейзаж, портрет, натюрморт. • Барокко и классицизм – два основных художественных стиля. • Наряду с барокко и классицизмом в изобразительном искусстве возникает свободное от стилевых элементов реалистическое направление, проявления которого разнообразны в различных национальных школах и у отдельных мастеров.
Барокко • Баро кко (итал. barocco — «порочный» , «распущенный» , «склонный к излишествам» , порт. perola barroca — «жемчужина неправильной формы» (дословно «жемчужина с пороком» ). • Стиль европейской культуры XVII—XVIII веков, центром которой была Италия. Стиль барокко появился в XVI—XVII веках в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции. Барокко противостояло классицизму и рационализму. • Общее явление зрелого абсолютизма. Неоднородность барокко (придворное, церковное, буржуазное).
• Философской основой барокко стали представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его драматической сложности и вечной изменчивости, о многоплановой сложности и конфликтности личности, антитеза разлада человека и мира. • Барокко свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, аффектация, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии, к слиянию искусств (городские и дворцово-парковые ансамбли, опера, культовая музыка, оратория.
По выражению Паскаля, человек стал сознавать себя «чем-то средним между всем и ничем» , «тем, кто улавливает лишь видимость явлений, но не способен понять ни их начала, ни их конца» .
• архитектура барокко отличается роскошной причудливой пластикой, динамизмом и слитностью текучих, криволинейных форм
в парадных интерьерах архитектура сливается с многоцветной скульптурой, сочетается с зеркалами и росписями, иллюзорно расширяющим и пространство, и плафонной живописью, несущей ощущение разверзшихся сводов
• в изобразительном искусстве преобладают виртуозные декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты; в живописи большое значение приобретают эмоциональное, ритмическое и цветовое единство, непринужденная свобода мазка;
• в скульптуре — живописная текучесть формы, ощущение изменчивости, становления образа, богатство аспектов и впечатлений.
• Микела нджело Меризи да Карава джо (1571 1610) — итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, один из крупнейших мастеров барокко. Один из первых применил манеру письма «кьяроскуро» — резкое противопоставление света и тени.
• • Первое время Караваджо сильно нуждался. Он поступил в мастерскую второстепенного, но бывшего в большой моде в Риме художника Чезари д’Арпино. По контракту Караваджо выполнял на картинах изображения цветов и фруктов. Позднее именно он откроет для итальянской живописи жанр натюрморта. «Человек неотёсанный, с грубыми манерами, вечно облачённый в рубище и обитающий где придётся. Рисуя уличных мальчишек, завсегдатаев трактиров и жалких бродяг, он выглядел вполне счастливым человеком» . В 1591 году Караваджо переехал во дворец своего покровителя кардинала дель Монте, где работал около пяти лет. Одним из поклонников живописи Караваджо и коллекционером его картин стал маркиз Винченцо Джустиниани. «Вакх» — одна из ранних картин Караваджо, на которых предположительно изображён его сожитель Марио Миннити. Караваджо рано пристрастился к азартным играм, делал долги, кроме того, обладал вспыльчивым нравом, не раз приносившим ему неприятности, часто задерживался римской полицией, но покровители защищали его, пока он не перешёл черту. В мае 1606 года, после ссоры то ли во время игры в мяч, то ли из-за ставки, но в последующей драке, в которой участвовало десять человек, был убит Рануччио Томмазони. Караваджо был ранен и вывезен друзьями из Рима в Неаполь. Но ему всё равно был вынесен смертный приговор. Все ранние работы Караваджо, оставшиеся в мастерской, бесследно исчезли. В 1607 году перебрался на остров Мальта. 14 июля 1608 года становится рыцарем Мальтийского ордена, принеся клятву перед алтарём, который сам и расписал в период послушничества. В сентябре 1608 года повздорил со знатным рыцарем и ранил его. Караваджо посадили в яму, выдолбленную в известняковой скале. Он смог убежать, что невозможно без помощи людей, наделенных властью, и отправился на Сицилию. Рыцари официально исключили художника из ордена. В 1608— 1609 годах скитался по городам Сицилии. В 1609 году внезапно возвращается в Неаполь, под защиту Сфорца, так как ему стало известно, что раненный им рыцарь подослал к нему убийц. Теперь Караваджо даже спал с кинжалом. Во дворце Сфорца он был недосягаем, но однажды всё-таки решил пойти в питейное заведение, и на его пороге несколько мужчин нанесли ему удары ножами в лицо. Караваджо благодаря уходу за ним во дворце Сфорца всё-таки выжил, но практически стал неузнаваем из-за шрамов на лице. В 1610 году узнав, что может быть прощён, и рассчитывая на помощь римских покровителей и прощение папы, отплыл из Неаполя в Рим. Во время шторма корабль пристал к пристани в городке Пало, где Караваджо был ошибочно арестован начальником гарнизона, принявшего за бандита. За большую взятку его освободили, но корабль к этому времени уже уплыл со всем его имуществом (на этом корабле остались четыре картины, которые Караваджо вез с собой в Рим — они исчезли). Караваджо пришлось продолжить свой путь пешком. Умер 18 июля 1610 года в городке Порто д’Эрколе при невыясненных обстоятельствах. Он так и не узнал,
«Вакх» — одна из ранних картин Караваджо
• Преданность Караваджо реализму иногда заходила очень далеко. • Таким крайним случаем является история создания полотна «Воскрешение Лазаря» . Как известно по Библии, это произошло на третий день после погребения. Чтобы достичь достоверности, Караваджо приказал двум нанятым работникам выкопать недавно захороненное тело и держать его, пока он рисует. Не выдержав ужасного запаха, работники бросили труп и хотели убежать. Но Караваджо, пригрозив им ножом, заставил их продолжить держать труп, пока он не закончит работу.
Питер Пауль Ру бенс (1577 -1640) — плодовитый южнонидерландский (фламандский) живописец, как никто другой воплотивший подвижность, безудержную жизненность и чувственность европейской живописи эпохи барокко. Творчество Рубенса — органичный сплав традиций брейгелевского реализма с достижениями венецианской школы. Хотя на всю Европу гремела слава его масштабных работ на мифологические и религиозные темы, Рубенс был также виртуозным мастером портрета и пейзажа. его называли «королём художников и художником королей»
• • • В 1598 году Рубенс был принят свободным мастером в антверпенскую гильдию Святого Луки, а в 1600 году, по установившемуся издавна обычаю нидерландских живописцев, отправился заканчивать своё художественное образование в Италию. В 1601 году он состоял при дворе мантуанского герцога Винченцо Гонзаги, у которого и оставался на службе в течение всего своего пребывания в Италии. Возвращение в Антверпен молодого, но уже известного в Италии художника заставило искать его услуг многих состоятельных бюргеров, клерикальные круги и наместников испанских Габсбургов. В октябре 1609 года Рубенс сочетался браком с Изабеллой Брант, дочерью известного гуманиста Яна Бранта. В последующее десятилетие Рубенс достиг в Европе славы, с которой из художников предыдущих эпох мог сравниться только Тициан. Зиждилась она как на религиозных полотнах, для которых он выбирал самые драматичные эпизоды библейской истории ( «Страшный суд» из Старой пинакотеки и «Распятие» из Брюссельского музея изящных искусств), так и на брызжущих безудержной энергией, сочных по палитре, бесстыдных по эротизму сценах из античной мифологии (в Старой пинакотеке — «Битва греков с амазонками» и «Похищение дочерей Левкиппа» ). Многочисленность подписанных Рубенсом работ (которые исчисляются тысячами) свидетельствует о том, насколько большую помощь художнику оказывали его ученики, среди которых — такие виртуозы, как Якоб Йорданс и Франс Снейдерс. В 1621 г. фламандская регентша Изабелла Испанская сделала Рубенса своим советником по вопросу продления перемирия с Голландской республикой. С этого времени фламандский живописец, который отличался обходительностью, был начитан, знал шесть языков и состоял в переписке со многими коронованными особами (его называли «королём художников и художником королей» ), становится ценным приобретением для дипломатии испанских Габсбургов.
Автопортрет с Изабеллой Брант, 1609
Дочь Клара, 1618
• • Композиционные решения Рубенса отличаются исключительным разнообразием (диагональ, эллипс, спираль), богатство его красок и жестов никогда не перестаёт удивлять. Вполне соответствуют этой жизненности и грузные женские формы, так называемые «рубенсовские» , которые могут оттолкнуть современного зрителя своей несколько тяжеловесной телесностью. Рубенсовские мазки поражают смелостью и свободой. Его непревзойдённое искусство владения кистью очевидно и в многометровых композициях 1620 -х годов, и в точных, лёгких, подвижных мазках небольших работ последнего периода.
Инфанта Изабелла
Голова Медузы Горгоны
Три грации
Союз Земли и Воды
Два сатира
• Во время своих странствий Рубенс овдовел. По возвращении в родной Антверпен в 1630 г. он взял в жёны 16 -летнюю дочь друга, Елену Фурман. В последнее десятилетие жизни она становится излюбленным предметом его портретов, среди которых выделяется своей игривостью «Шубка» (1638, Музей истории искусств). Мы узнаём её черты в «Саду любви» (1634), в «Трёх грациях» (1638) и в «Суде Париса» (1639). Работать ему с каждым годом становилось всё труднее из-за прогрессирующей подагры. В 1640 г. Рубенса не стало. В его антверпенском доме после реставрации был открыт (в 1947 г. ) музей.
Елена Фурман ( «Шубка» , ок. 1638)
Елена Фурман
• Ре мбрандт Ха рменс ван Рейн (1606 — 1669) — нидерландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи. • Он сумел воплотить в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство. • Работы Рембрандта, чрезвычайно разнообразные по жанровой принадлежности, открывают зрителю вневременной духовный мир человеческих переживаний и чувств.
• В 1623 году Рембрандт занимался в Амстердаме у Питера Ластмана, прошедшего стажировку в Италии и специализировавшегося на исторических, мифологических и библейских сюжетах. Вернувшись в 1627 году в Лейден, Рембрандт совместно с другом Яном Ливенсом открыл собственную мастерскую и начал набирать учеников. За несколько лет он завоевал значительную известность. • В 1631 году Рембрандт перебрался в Амстердам, где свойственная эстетике барокко динамичность и внешняя патетика полотен сыскали ему множество состоятельных почитателей, подобно Гюйгенсу увидевших в нём нового Рубенса. Год спустя Ливенс закрыл лейденскую мастерскую и уехал в Англию, где попал под влияние ван Дейка, потом до возвращения на родину в 1644 году работал в Антверпене. Именно портретная живопись позволяла в то время художнику привлечь заказы состоятельных амстердамских бюргеров и тем самым добиться коммерческого успеха. • Слава о Рембрандте как о незаурядном мастере распространилась по Амстердаму после завершения им группового портрета «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632), на котором внимательные хирурги не были выстроены в параллельные ряды обращённых к зрителю голов, как то было принято в портретной живописи того времени, а строго распределены в пирамидальной композиции, позволившей психологически объединить всех действующих лиц в единую группу.
«Урок анатомии доктора Тульпа» (1632)
• Материальное благосостояние Рембрандта позволило ему приобрести собственный особняк, который он наполнял скупленными им у антикваров предметами искусства. Это были не только картины итальянских мастеров и гравюры, но также античная скульптура, оружие, музыкальные инструменты. • Первые годы в Амстердаме были самыми счастливыми в жизни Рембрандта. Состоявшийся в 1634 году брак с Саскией ван Эйленбюрх открывает перед художником двери особняков зажиточных бюргеров, к числу которых принадлежал её отец — бургомистр Леувардена. Заказы сыплются к нему один за другим; не менее полусотни портретов датируются именно первыми годами пребывания Рембрандта в Амстердаме.
• В 1641 году у них родился сын Титус; ещё трое детей умерли в младенчестве. Избыток жизненных сил художника в годы брака с Саскией с наибольшей бравурностью выражен в картине «Блудный сын в таверне» (1635). Иконография этой прославленной работы восходит к моралистическим изображениям разврата блудного сына из библейской притчи • Саския умерла через год после рождения сына, и в жизни Рембрандта начался период непрерывных личных утрат
«Жертвоприношение Авраама» (1635)
• В 1642 году Рембрандт получил заказ на один из шести групповых портретов амстердамских мушкетёров для нового здания Стрелкового общества. При создании этой четырёхметровой картины — самого масштабного из своих произведений — Рембрандт порвал с канонами голландской портретной живописи, за два столетия предсказав художественные находки XIX века — эпохи реализма и импрессионизма. Модели были изображены весьма непосредственно, в движении, что вовсе не понравилось заказчикам, многие из которых оказались при этом задвинутыми на задний план. • Каковы бы ни были причины охлаждения амстердамской публики к Рембрандту, результатом перемены во вкусах стало угасание его славы и постепенное обнищание. После «Ночного дозора» в мастерской Рембрандта остаются единичные ученики. Его прежние подмастерья, позаимствовав и развив какую-либо одну черту раннего Рембрандта, становятся более удачливыми и востребованными художниками, чем их учитель. • Логика творческого развития вела художника в прямо противоположном направлении. С годами он стал отдавать предпочтение смелым мазкам кисти и резким контрастам
• В конце 1640 -х Рембрандт сошёлся со своей молодой служанкой Хендрикье Стоффелс, образ которой мелькает во многих портретных работах этого периода. Приходской совет осудил Хендрикье за «греховное сожительство» , когда в 1654 году у неё с художником родилась дочь Корнелия. • В 1653 году, испытывая материальные трудности, художник передал почти всё своё имущество сыну Титусу, после чего заявил в 1656 г. о банкротстве.
• Последние два десятилетия жизни Рембрандта стали вершиной его мастерства как портретиста. Моделями выступают не только товарищи художника, но и безвестные солдаты, старики и старухи — все те, кто подобно автору прошёл через годы горестных испытаний.
• Художественный гений Рембрандта развивался по восходящей. Его последние работы представляют собой уникальное явление в истории живописи. Секрет их липких, как бы стекающих по холсту красок до сих пор не разгадан. Фигуры монументальны и нарочито приближены к передней плоскости холста. Художник останавливается на редких библейских сюжетах. Его влекут такие моменты бытия, когда человеческие переживания проявляются с наибольшей силой. • «Возвращение блудного сына» (1666/1669) • Рембрандт скончался 4 октября 1669 года в Амстердаме. Всего за свою жизнь Рембрандт создал около 350 картин, более 100 рисунков и около 300 офортов. •
Человечеству понадобилось два столетия, чтобы в полной мере оценить значение творчества Рембрандта. Хотя ещё Джованни Кастильоне и Джованни Баттиста Тьеполо вдохновлялись его офортами, смелость Рембрандтаживописца и меткость его наблюдений в качестве рисовальщика впервые получили признание в XIX веке, когда художники реалистической школы Курбе (а в России — передвижники) противопоставили его глубоко прочувствованную поэзию света и тени беспрекословной чёткости и ясности французского академизма. Одна из центральных площадей Амстердама, Botermarkt в 1876 году получила современное название Площадь Рембрандта в честь великого художника. В центре площади находится памятник Рембрандту. В амстердамском доме художника с 1911 года также действует музей, где выставлены преимущественно офорты. В 2009 году именем художника был назван кратер на планете Меркурий,
• • Блестящего развития в голландской живописи достигает натюрморт, отличавшийся небольшими размерами и интимным характером. Питер Клас и Виллем Хеда чаще всего изображали так называемые завтраки: блюда с окороком или пирогом на относительно скромно сервированном столе. В умелой компоновке предметы показаны так, что ощущается как бы внутренняя жизнь вещей, недаром голландцы называли натюрморт "stillleven" - "тихая жизнь", а не "naturemorte" - "мёртвая природа".
• Блестящий расцвет испанской живописи начинается с появлением в 1576 году в Испании живописца Доменико Теотокопули, прозванного Эль Греко за его греческое происхождение. Искусство Эль Греко — уникальной фигуры в истории мировой живописи, впитавшее в себя византийские традиции, достижения итальянского Ренессанса и спиритуалистическу ю эстетику маньеризма, порождено кризисным временем.
• Тематика произведений Эль Греко обычна для его времени. Это прежде всего религиозные сюжеты, чаще всего - алтарные образа. Значительно реже он обращается к античным мифам. Он пишет много портретов и пейзажей, в основном виды Толедо.
• Эль Греко не имел последователей, его искусство в течение трех столетий было предано забвению. Открытие его в начале XX в. превратилось в сенсацию. Попытки представить Эль Греко как предшественника авангардистских течений сменились в последние десятилетия более серьезным, объективнонаучным подходом к его искусству.
Диего Родригес де Сильва Веласкес
Самый замечательный художник "золотого испанского века" - Диего Родригес де Сильва Веласкес - с 1623 года придворный живописец Филиппа IV, крупнейший представитель испанского барокко. Живопись Веласкеса отличается смелостью реалистических наблюдений, умением проникнуть в характер модели, обостренным чувством гармонии, тонкостью и насыщенностью колорита.
Главные создания Веласкеса позднего периода — крупномасштабные композиции «Менины» , «Пряхи» . В «Менинах» , картине, наполненной движением пространственных планов, воздуха и света, частный эпизод придворного быта (девочка инфанта Маргарита в окружении фрейлин и карликов, сам Веласкес в момент исполнения портрета королевской четы, отраженной в зеркале в глубине зала) предстает как одно из мгновений общего течения жизни в богатстве ее взаимосвязей и изменчивых проявлений.
Классицизм (от лат. — образцовый) — художественный стиль и эстетическое направление в европейской культуре XVII — начала XIX вв. , важнейшей чертой стало обращение к античности как идеальному образцу и эстетическому эталону: • отражал новое историческое состояние подъема абсолютизма, просвещения, прогрессивных буржуазных устремлений, распада частной и политической сфер, поляризации личного и общественного, расцвет светской культуры; • опирался на философию просветительного реализма, сознательного отношения человека к миру и к самому себе; • этика классицизма аппелировала к возвышенным героическим и нравственным идеалам, искусственно облагороженной природе, к пафосу безусловного подчинения личного общественному.
• архитектуре классицизма присущи постоянное обращение к античным формам и, прежде всего, к ордерам, строгий рационализм, геометризм, логичность планировки «идеального города» , органически соединенного с природой, создание изысканно-интимных особняков; ясность, четкость, строгость пространственных членений зданий, мягкость цветов интерьера; • скульптура несет тектоническую ясность, сглаженность и стабильность форм, замкнутые одноцветные объемы, внушительно-поучительные образы; • живопись тяготела к монохромности, где главенствовал коричневый цвет и его оттенки; преимущественное значение обрели «идеальные пейзажи» и рисунок с возвышенным пафосом, лирической мечтательностью, просветленной гармонией.
• эстетика классицизма основывалась на принципах рационализма и идеализма, рассматривала художественное произведение как искусственное сотворение — отсюда: а) тяготение к образцу, идеалу — воплощение возвышенных этических идей в адекватных им гармонически прекрасных формах (изображение того, что есть везде и чего нет в реальности); б) типизация — поиск надисторических, надличных черт; в) увлечение эмблематикой и аллегорикой, строгая иерархия «высоких» и «низких» жанров, жесткие границы, не допускающие смещения возвышенного и низменного, трагического и комического;
• Классицизм - стиль искусства, главным своим смыслом считающий следование образцовой классике, зародился в Риме в начале XVII века, существовал параллельно с барокко как его художественная оппозиция, в общем завершился с началом в Европе романтизма, но не пресекся — его последним крупным художником был Жан Огюст Доминик Энгр. Этапами классицизма считаются европейский неоклассицизм кон. XVIII — XIX веков, русский архитектурный неоклассицизм начала XX века.
• Великими его представителями были французские живописцы Никола Пуссен и Клод Лоррен, создавшие основные «схемы» живописи классицизма (кулисное построение пространства, система трех планов, смена цветовых планов в картине: теплые коричневые тона первого плана, зеленые среднего и голубые, синие третьего, дальнего плана). • Пуссена увлекала героика Древнего Рима, идеал всепобеждающего чувства долга. • Космические панорамы мира Лоррена — чистая природа, исполненная нюансов настроений, его главная тема — свет во всех тончайших своих изменениях.
РОКОКО
Мадам Помпадур Людовик XV
• Рококо (фр. rococo, от фр. rocaille — дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо) — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко. • Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту.
Термин «рококо» (или «рокайль» ) вошел в употребление в середине XIX в. Изначально «рокайль» — это способ убранства интерьеров гротов, фонтанных чаш и т. п. различными окаменелостями, имитирующими естественные (природные) образования, и «рокайльщик» — это мастер, создающий такие убранства. То, что мы сейчас называем «рококо» , в свое время называлось «живописным вкусом» , но в 1750 -х гг. активизировалась критика всего «выкрученного» и «вымученного» , и в литературе стало встречаться именование «испорченный вкус» . Особенно преуспели в критике Энциклопедисты, по мнению которых в «испорченном вкусе» отсутствовало разумное начало. Основные элементы стиля: рокайль — завиток и картель — забытый ныне термин, применявшийся для наименования рокайльных картушей. Несмотря на популярность новых «античных форм» , вошедших в моду в конце 1750 -х гг. (это направление получило наименование «греческого вкуса» ; предметы этого стиля часто неверно принимают за позднее рококо), так называемый Рококо сохранял свои позиции вплоть до самого конца столетия.
Архитектура • Архитектурный (точнее — декоративный) стиль рококо появился во Франции во времена регентства (1715— 1723) и достиг апогея при Людовике XV, перешёл в другие страны Европы и господствовал в ней до 1780 -х годов. • Отбросив холодную парадность, тяжёлую и скучную напыщенность искусства времён Людовика XIV и итальянского барокко, архитектура рококо стремится быть лёгкой, приветливой, игривой во что бы то ни стало; она не заботится ни об органичном сочетании и распределении частей сооружения, ни о целесообразности их форм, а распоряжается ими с полным произволом, доходящим до каприза, избегает строгой симметричности, без конца варьирует расчленения и орнаментальные детали и не скупится расточать последние. В созданиях этой архитектуры прямые линии и плоские поверхности почти исчезают или, по крайней мере, замаскировываются фигурной отделкой; не проводится в чистом виде ни один из установленных ордеров; колонны то удлиняются, то укорачиваются и скручиваются винтообразно; их капители искажаются кокетливыми изменениями и прибавками, карнизы помещаются над карнизами; высокие пилястры и огромные кариатиды подпирают ничтожные выступы с сильно выдающимся вперёд карнизом; крыши опоясываются по краю балюстрадами с флаконовидными балясинами и с помещёнными на некотором расстоянии друг от друга постаментами, на которых расставлены вазы или статуи; фронтоны, представляя ломающиеся выпуклые и впалые линии, увенчиваются также вазами, пирамидами, скульптурными фигурами, трофеями и другими подобными предметами. Всюду, в обрамлении окон, дверей, стенных пространств внутри здания, в плафонах, пускается в ход затейливая лепная орнаментация, состоящая из завитков, отдалённо напоминающих собой листья растений, выпуклых щитов, неправильно окруженных такими же завитками, из масок, цветочных гирлянд и фестонов, раковин, необделанных камней (рокайль) и т. п. Несмотря на такое отсутствие рациональности в пользовании архитектоническими элементами, на такую капризность, изысканность и обременённость форм, стиль рококо оставил много памятников, которые доныне прельщают своей оригинальностью, роскошью и весёлой красотой, живо переносящими нас в эпоху румян и белил, мушек и пудреных париков (отсюда немецкие названия стиля: Perückenstil, Zopfstil).
Китайский дворец Елизаветы
Сан-Суси
Декоративно-прикладное искусство • • Стиль рококо выразился блестящим образом также во всех отраслях художественнопромышленных производств; с особенным успехом он применялся в фабрикации фарфора, сообщая своеобразное изящество как форме, так и орнаментации его изделий; благодаря ему, эта фабрикация сделала в своё время огромный шаг вперёд и вошла в большой почёт у любителей искусства. В 1708 году алхимик Иоганн Фридрих Бётгер открыл секрет изготовления фарфора и нашел подходящую для этого глину. В Мeйсене была открыта первая фабрика, где первым мастером был Иоганн Готтлиб Кирхнер. Фарфор получает популярность, появляются и другие центры его производства. Наиболее знаменитой была мануфактура в Севре, где работал Этьен Морис Фальконе. Кроме фарфора — в моде серебро. Изготовляются шоколадницы, супницы, кофейники, блюда, тарелки и другое. В этом веке рождается кулинарное искусство в его современном виде, в том числе — искусство сервировки стола. Мебель рококо отличается характерными чертами. Одна из самых ярких черт — изогнутые линии, изогнутые ножки. Мебель становится более легкой и изящной по сравнению с той, что была прежде. Появляются новые предметы мебели: консольные столики, секретеры, бюро, комоды, шифоньеры. Два наиболее распространенных типа кресел — «Бержер» и «Маркиза» . Мастера мебели: Давид Рентген, Шарль Крессан, Жак Дюбуа, Франсуа Эбен, Пьетро Пиффетти (Рим), Эннемон-Александр Петито (Парма), Джузеппе Маджолини (Милан). Ведущее положение в изготовлении мебели в Италии занимали мастерские Турина и Венеции.
• Имя автора этой скульптуры хорошо известно, только в связи с совсем другой его работой – памятником Петру I, которого мы давно, вслед за Пушкиным, величаем «Медным всадником» . Неужели это один и тот же скульптор? ! Да – Этьен Морис Фальконе. • Рекомендованный Екатерине II ее корреспондентом и знаменитым энциклопедистом Д. Дидро этот мастер был известен у себя на родине не монументальными произведениями, а статуэтками для Севрской мануфактуры. Для знаменитой фарфоровой фабрики он работал вместе с живописцем Буше, а покровительство оказывала ему маркиза де Помпадур. Именно для нее он изваял «Грозящего Амура» , вызвавшего всеобщее восхищение в Салоне 1757 года. Он хранится сейчас в Лувре, эрмитажная скульптура – одно из авторских повторений. Она была выполнена Фальконе по заказу графа Строганова. • «Грозящий Амур» Фальконе – один из главных образов эпохи рококо. И по содержанию: тема чувств и самого изменчивого из них – любви, центральная для искусства этого стиля. И по типажу: детство, ранняя юность с их нежными и мягкими формами – идеал красоты эпохи. И по форме: перед нами по-настоящему «круглая скульптура» , которую хочется обойти кругом, которая в каждом ракурсе как бы меняется у нас на глазах. Это поистине живая скульптура. Не случайно она становится участницей живописных композиций.
• • Появление стиля рококо обусловлено изменениями в философии, вкусах и в придворной жизни. Идейная основа стиля — вечная молодость и красота, галантное и меланхолическое изящество, бегство от реальности, стремление укрыться от реальности в пастушеской идиллии и сельских радостях. Стиль рококо зародился во Франции и распространился в других странах: в Италии, Германии, России, Чехии и др. Это относится и к живописи, и к другим видам искусства. В России в эпоху рококо живопись европейского типа только появилась впервые, сменив свою, русскую традицию, иконопись. Это портретная живопись Антропова и Рокотова. На смену репрезентативности (соответствие характеристик выборки характеристикам популяции или генеральной совокупности в целом. ) приходит камерность, изысканная декоративность, прихотливая игра форм. Наиболее ярко живопись рококо проявилась во Франции и Италии. Вместо контрастов и ярких красок в живописи появилась иная гамма цветов, легкие пастельные тона, розовые, голубоватые, сиреневые. В тематике преобладают пасторали, буколика, то есть пастушеские мотивы, где персонажи не обременены тяготами жизни, а предаются радостям любви на фоне красивых ландшафтов в окружении овечек. Впервые черты этого стиля проявились в творчестве Антуана Ватто, у которого главной темой были галантные празднества. Его творчество относят к реализму, он изображал жизнь придворных довольно справедливо. Но в его картинах явно просматривается и новый стиль. Другой, характерной чертой того времени, была эротика. Создано много картин, изображающих обнаженную натуру, различных нимф, Венеру. Крупнейший представитель рококо во Франции — Франсуа Буше, работавший в жанре портрета и пейзажа. В Италии крупнейший представитель того времени — Джамбаттиста Тьеполо (1696, Венеция — 1770, Мадрид). Большое внимание тогда уделялось фрескам, росписи потолков, сводов, стен. Была даже особая специализация среди художников — квадратурист. Он изображал иллюзорные архитектурные формы, служившие обрамлением, а то и фоном. В этом случае нарисованное на плоскости с расстояния кажется скульптурой. Такие росписи есть, например, в вестибюле Зимнего дворца. Видным художником является Пьетро Лонги. Его бытовые сцены вполне соответствуют характеру стиля рококо — уютные гостиные, праздники, карнавалы. Кроме этого в Италии в это время развилось и другое направление, которое не совсем вписывается в рамки стиля. Это — ведутизм, реалистическое и точное изображение городских видов, прежде всего Венеции. Здесь преобладает принцип точной передачи действительности. Виды Венеции пишут Каналетто и Франческо Гварди. Бернардо Беллотто работал также в Германии. Его кисти принадлежат великолепные виды Дрездена и других мест.
Франсуа Буше
Антуан Ватто «Капризница» , 1718, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Антуан Ватто • Произведения • «Бивак» , около 1710, Государственный музей изобразительных искусств, Москва; • «Савояр с сурком» , 1716, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург; • «Праздник любви» , Дрезден; • «Общество в парке» , около 1720, Дрезден; • «Затруднительное предложение» , около 1716, • «Капризница» , около 1718, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург; • «Меццетен» , 1719, Метрополитен-музей; • «Паломничество на остров Киферу» , 1717— 1718, Лувр, Париж; • «Жиль» , Лувр, Париж, • «Вывеска лавки Э. Ф. Жерсена» , 1720, Картинная галерея, Берлин-Далем. Ватто и кино • В 2007 году во Франции был снят фильм "Тайна Антуана Ватто" с известной актрисой Сильви Тестю в главной роли.
«Затруднительное предложение» , около 1716
«Савояр с сурком» , 1716, Государствен ный Эрмитаж, Санкт. Петербург;
«Жиль» , Лувр, Париж,
«Вывеска лавки Э. Ф. Жерсена» , 1720, Картинная галерея, Берлин-Далем.
Фрагонар «На качелях»
Морис Этьен Латур «Мадам де Фель»
Музыка • В «чистом виде» музыкальный стиль рококо проявил себя в творчестве «великих французских клавесинистов» Франсуа Куперена ( «Великого» ) и Жана Филиппа Рамо (не менее великого, но без такого же «титула» ). Совершенно в той же манере работали их менее известные сегодня современники: Луи Клод Дакен, Антуан Форкре, Андре Кампра, Жозеф Бодэн де Буамортье, Луи Николя Клерамбо, Марин Маре и многие другие. Своей предтечей в один голос они объявляли великого Жана Батиста Люлли. • Для стиля рококо в музыке характерны совершенно те же самые черты, что в живописи и в архитектуре. Обилие мелких звуковых украшений и завитков (так называемых «мелизмов» , аналогичных извилистым линиям стилизованных раковин «рокайлей» ), преобладание маленьких (ювелирно отделанных в деталях) и камерных форм, отсутствие ярких противопоставлений и драматических эффектов, господство тех же, знакомых по картинам Буше, тем и образов: игривых, кокетливых и галантных. Да и сам по себе инструмент, клавесин, переживший в эпоху галантного стиля и рококо свою наивысшую точку расцвета и популярности, что это как не наивысшее выражение всех черт того же стиля рококо? Камерный, небольшого (или даже совсем маленького) размера инструмент, с негромким звуком, быстро затухающим и требующим большого количества мелких нот для заполнения пространства. Само собой, что внешняя отделка инструмента: вычурная, богатая, полная мелких украшений и тончайших деталей неизбежно дополняла единство стиля. • Но даже и в крупных формах (операх, балетах и кантатах) все эти черты проявили себя в полной мере. Так, большие оперы Рамо и Кампра также построены из небольших номеров, связанных между собой по сюитному принципу, а иногда и вовсе представляют собой феерическую сюиту, практически не связанную каким-либо вразумительным общим сюжетом. Наиболее известные произведения этого типа: «Галантная Индия» Рамо, «Венецианские празднества» и «Галантная Европа» Кампра. Герои мифологических сюжетов опер представляли собой галантных кавалеров и дам, переодетых в пышные костюмы по принципу маскарада. Очень популярен был также жанр пасторали, с такими же галантными пастухами и пастушками, разумеется, ничего общего не имеющими с реальными крестьянскими типажами, занимающимися выпасом скота. • В инструментальной музыке господствовала такая же галантная жанровая, портретно-пейзажная, пасторальная или танцевальная миниатюра (для клавесина, виолы, иногда с добавлением флейты, скрипок и гобоя). Музицировали, как правило, в сюитной форме, со временем постепенно набиравшей количество частей и обогащающейся многочисленными подробностями. Классическая барочная сюита, обычно состоявшая из 3 -5 танцев с простыми жанровыми названиями сначала обогатилась новыми «вставными» французскими танцами, такими как паспье, бурре, менуэт, павана, гальярда, а затем начала включать в себя и свободные, фантазийные части с пейзажными, жанровыми или даже персональными названиями. В сравнительно краткую эпоху Рококо сам по себе жанр сюиты сначала был доведён клавесинистами и мастерами инструментальных жанров до своего высшего развития, а затем до истощения и упадка, после которого он попросту покинул профессиональную музыкальную среду на добрую сотню лет. • Поскольку музыка звучала на светских приёмах и во время еды, особо приветствовались разные выдумки, карнавальные имитации и остроумные развлекательные приёмы для увеселения аристократических слушателей. Неизменной популярностью пользовались яркие звукоизобразительные пьесы, например, такие, как «Курица» Рамо (для клавесина) или «Маленькие ветряные мельницы» Куперена (тоже, между прочим, части клавесинной сюиты). Этот успех привёл к многочисленным подражаниям, повторениям и репликациям в творчестве других авторов, что вообще было характерно для эпохи Барокко в целом. Иногда занимательные эффекты перемещались прямо в музыкальную сферу, пародируя или изображая коллегу-композитора или передразнивая некоторые профессиональные привычки самих музыкантов. В этом плане особенно показательна «Соната-квартет» Гийома Гиймена, носящая подзаголовок «Галантные и занимательные разговоры между поперечной флейтой, скрипкой, басовой виолой и виолончелью» (1743). В салонах чаще всего исполнялись томные или игривые любовные песни, а также популярные арии из опер Рамо, Кампра и Люлли в переложении для клавесина или маленького камерного ансамбля.