Импрессионизм В эпоху Возрождения живописцы венецианской школы пытались

Импрессионизм В эпоху Возрождения живописцы венецианской школы пытались передать живую реальность, используя яркие краски и промежуточные тона. Их опытами воспользовались испанцы, наиболее отчётливо это выражено у таких художников как Эль Греко, Веласкес и Гойя , чьё творчество впоследствии оказало серьёзное влияние на Мане и Ренуара. В это же время Рубенс делает тени на своих полотнах цветными, используя прозрачные промежуточные оттенки. По наблюдению Делакруа, Рубенс отображал свет при помощи тонких, изысканных тонов, а тени — более теплыми и насыщенными цветами, передавая эффект светотени. Рубенс не использовал чёрный цвет, что позднее станет одним из основных принципов живописи импрессионистов.

Импрессионизм направление в искусстве последней трети XIX - начала XX вв. Сложилось во французской живописи конца 1860 -х - начала 70 -х гг. Название "импрессионизм" возникло после выставки 1874, на которой экспонировалась картина К. Моне "Впечатление. Восходящее солнце" (1872, ныне в Музее Мармоттан, Париж)

История Начало поисков импрессионистов относится к 1860 годам, когда молодых художников уже не устраивают средства и цели академизма, вследствие чего каждый из них самостоятельно ищет иные пути развития своего стиля. В 1863 году Эдуард Мане выставляет в Салоне отверженных картину «Завтрак на траве » и активно выступает на встречах поэтов и художников вкафе Гербуа , которое посещали все будущие основатели нового течения, благодаря чему стал главным защитником современного искусства. В 1864 году Энжер Буден приглашает Моне в Онфлер где он прожил всю осень, наблюдая, как его учитель пишет этюды пастелью иакварелью , а его друг Йонкинг накладывает краску на свои работы вибрирующими мазками. Именно здесь они научили его работать на пленэре и писать светлыми тонами. В 1871 году во время Франко-прусской войны, Моне и Писсарро уезжают в Лондон где они знакомятся с творчеством предшественника импрессионизма Уильямом Тернером.

Преимущества импрессионизма К преимуществам импрессионизма как течения относится демократизм. По инерции, искусство и в XIX веке считалось монополией аристократов, высших слоев населения. Именно они выступали главными заказчиками на росписи, монументы, именно они — главные покупатели картин и скульптур. Сюжеты с тяжелым трудом крестьян, трагические страницы современности, позорные стороны войн, бедности, общественных неурядиц осуждались, не одобрялись, не покупались. Критика кощунственной морали общества в картинах Теодора Жерико, Франсуа Милле находила отзыв лишь у сторонников художников и немногих знатоков. Импрессионисты в этом вопросе занимали достаточно компромиссные, промежуточные позиции. Были отброшены библейские, литературные, мифологические, исторические сюжеты, присущие официальному академизму. С другой стороны они пылко желали признания, уважения, даже наград. Показательной является деятельность Эдуара Мане, который годами добивался признания и наград от официального Салона и его администрации. Вместо этого появилось виденье будничности и современности. Художники часто рисовали людей в движении, во время забавы или отдыха, представляли вид определенного места при определенном освещении, мотивом их работ была также природа. Брались сюжеты флирта, танцев, пребывание в кафе и театре, прогулок на лодках, на пляжах и в садах. Если судить по картинам импрессионистов, то жизнь — это очередь маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении (ряд картин Ренуара, Мане и Клода Моне). Импрессионисты одни из первых стали рисовать на воздухе, не дорабатывая свои работы в мастерской.

Живопись импрессионизма. Разложение сложных цветов на чистые составляющие, которые накладывались на холст отдельными мазками, цветные тени, рефлексы и валёры породили беспримерно светлую, трепетную живопись импрессионизма. В 1870– 1880 -е гг. формируется пейзаж французского импрессионизма: К. Моне, К. Писсарро, А. Сислей выработали последовательную систему пленэра; работая на открытом воздухе, они создавали ощущение сверкающего солнечного света, богатства красок природы, растворения объемных форм в вибрации света и воздуха. Разложение сложных тонов на чистые цвета (накладываемые на холст отдельными мазками и рассчитанные на оптическое смешение их в глазу зрителя), цветные тени и рефлексы порождали беспримерно светлую, трепетную живопись. Кроме живописцев (американский — Дж. Уистлер, немецкие — М. Либерман, Л. Коринт, русские — К. А. Коровин, И. Э. Грабарь), интерес импрессионизма к мгновенному движению, текучей форме восприняли скульпторы (французский — О. Роден, итальянский — М. Россо, русский — П. Трубецкой Отдельные стороны и приемы импрессионизма использовались живописцами Германии (М. Либерман, Л. Коринт), США (Дж. Уистлер), Швеции (А. Л. Цорн), России (К. А. Коровин, И. Э. Грабарь) и многих других национальных художественных школ. Понятие импрессионизм применяется также к скульптуре 1880– 1910 -х гг. , обладающей некоторыми импрессионистическими чертами – стремлением к передаче мгновенного движения, текучестью и мягкостью формы, пластической эскизностью (произведения О. Родена, бронзовые статуэтки Дега и др. ). Импрессионизм в изобразительном искусстве оказал влияние на развитие выразительных средств современной ему литературы, музыки, театра. Во взаимодействии и в полемике с живописной системой импрессионизма в художественной культуре Франции возникли течения неоимпрессионизма и постимпрессионизма.

Моне Клод

Моне Клод Оскар (Monet Claude) (1840 -1926), французский живописец. Учился в частных студиях в Париже (1859 -1863), изучал японскую гравюру на дереве; испытал влияние Камиля Коро, Гюстава Курбе, Эдуара Мане, мастеров барбизонской школы. Один из основоположников импрессионизма, в своих картинах художник Моне со второй половины 1860 -х годов стремился передавать средствами пленэрной живописи изменчивость световоздушной среды, красочное богатство мира, сохраняя при этом свежесть первого зрительного впечатления от природы. В своих пейзажных композициях (“Бульвар капуцинок в Париже”, 1873, “Скалы в Этрета”, 1886, - обе в ГМИИ, Москва; “Поле маков”, 1880 -е годы, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) Моне воссоздавал вибрацию света и воздуха с помощью мелких раздельных мазков чистого цвета и дополнительных тонов основного спектра, рассчитывая на их оптическое совмещение в процессе зрительного восприятия. Стремясь запечатлеть многообразные переходные состояния природы в разное время дня и при разной погоде, Моне создал в 1890 -е годы серии картин-вариаций на один сюжетный мотив (серия полотен “Руанские соборы”, Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Москва, и другие собрания). Для позднего периода творчества Моне характерны декоративизм, все большее растворение предметных форм в изощренных сочетаниях цветовых пятен.

"Женщины в саду" написаны Моне толстыми пластами густой краски, все фигуры даны в натуральную величину. Пятна света передают мгновенное зрительное впечатление художника от увиденного, создавая своего рода "моментальный снимок". Моделью для всех четырех женских фигур послужила его будущая жена, Камилла. Моне не изобразил какой-либо ситуации, которая оправдывала бы пребывание женщин в саду. Картина обладает жизнью, не жизненностью фигур, но жизнью, рожденной светом. С неведомой дотоле свежестью фигуры были помещены в резкий контраст света и тени естественной природы. Возможно, что самому Моне только после этой картины со всей непреложностью стало ясно, что он нашел свою тему – свет.

Дама в саду.

Полное название картины – Дама в саду Сент-Адресс, написана известным французским художником Клодом Моне в 1867 году. Картина «Дама в саду» написана на самом расцвете карьеры художника, поэтому изображение женщины настолько, красиво и вместе с тем неосязаемо. В более поздних своих произведениях художник совершенно отказывается изображать людей, отдавая главную роль природе. Летний знойный день, лучи солнца пронизывают каждый листик дерева, изображенного на первом плане. Здесь же находиться прогуливающаяся девушка в кристально белом платье. Девушка и дерево расположены художником на одном уровне, что показывает его желание приравнять природу и человека, сказать, что они едины и потому оба прекрасны. Девушка любуется на клумбы с цветами и повернута вполоборота к зрителю, так, что ее лица не видно. И это правильно природа безлика, она в каждой травинке, и в каждом цветке, а также и в женщине, гуляющей под зонтиком. Природа живет, она не просто замерла в тот миг, когда ее поместили на холст, она продолжила свою жизнь вне времени, и все также дает повод и девушке и всем, кому интересно искусство художника увидеть эти изменения. Картина светиться каждой своей точкой, а девушка настолько белоснежна, что сравнима не с человеком, а с лебедем, плывущим вдоль зарослей кустарников и деревьев. Огромный парк, высокие кроны деревьев и маленькая девушка, которая любуется окружающим пейзажем — все это сам Моне, его душа, душа настоящего художника, способного любить и наслаждаться окружающим миром.

Работа Моне “Впечатление. Восход Солнца” была создана в 1872 или 1873 году. Она дала название отдельному направлению в искусстве. Объектом изображения стал порт Гавра, который лишь слегка обозначен легкими мазками. Благодаря чему, зритель может не только наслождаться его красотой, но и предполагать продолжение таинственного образа. Картина впервые была представлена на независимой выставке импрессионистов в 1874 году. Критика Луи Леруа так вдохновило название творчества Моне, что он написал высмеивающию экспозицию статью, в которой обозвал художников – импрессионистами. Что в переводе на русский означает, впечатленщики. Статья, была напечатана в газете «Le Charivari» и называлась — «Выставка впечатленщиков» или другими словами: «Выставка импрессионистов» . Сейчас — она никак не заинтересовала бы народ, но тогда всем казалось такое название очень смешным. В знак протеста, импрессионисты выбрали это слово в качестве названия группы. На картине „Впечатление“ художник изобразил и солнце, и небо одинаково тусклыми, что перелает зрителю ощущение сырости воздуха и утренние сумерки. Но что удивительно, Моне написал это яркими красками, ничуть не ослабив их насыщенность, что не смогло бы так удивить и заинтересовать зрителя. Хочется отметить, что отражения солнца в воде и непосредственно само светило изображены одними цветами. Если сделать картину черно-белой, то эти образы почти исчезнут с холста. На данный момент картина «Впечатление. Восходящее солнце» находится в музее Мармоттан.

РЕНУАР (Renoir) Пьер Огюст (25. 2. 1841, Лимож, - 17. 12. 1919, Кань-сюр-Мер, близ Ниццы), французский живописец, график и скульптор, один из основателей импрессионизма. В отличие от большинства импрессионистов, Ренуара интересует прежде всего индивидуальность человека - в его единстве с природой, в живом общении с другими людьми, в случайных жизненных ситуациях. Он фиксирует тончайшие нюансы настроения модели (портрет В. Шоке, 1876, частное собрание, США), выявляет эмоциональность артистической натуры (этюд к портрету актрисы Ж. Самари, 1877, Музей изобразительных иск-в им. А. С. Пушкина, Москва) и непосредственность юного характера ("Мадмуазель Гримпель с голубой лентой", 1880, частное собрание, Париж).

Портрет актрисы театра "Комеди Франсез" Жанны Самари относится к известным полотнам Ренуара. Очаровательная Жанна, которая, по словам художника, "положительно вся светилась", неоднократно позировала ему, преимущественно для погрудных портретов. В эрмитажном произведении она представлена на фоне пальмы и ковров, воссоздающих антураж гостиной или театрального фойе. Верный принципу импрессионистов писать естественную жизнь, мастер показал актрису в привычной для нее обстановке. Более представительный образ, традиционный для парадного портрета, напоминает о том, что эта картина предназначалась для Салона, в котором выставлялись официальные художники. Однако манера исполнения не имеет ничего общего с академическим искусством. В мягких, текучих контурах, в вибрации живописной фактуры, в тончайших цветовых рефлексах проявилась рука зрелого мастера импрессионизма.

Талантливый французский художник Огюст Ренуар работал на протяжении нескольких лет над знаменитой картиной “Зонтики”. Работа была начата в конце 1881 года и закончена только в 1886 году. Дождь. Париж. Зонтики. С одной стороны – это суета, толкотня, скопление зонтиков, а с другой шарм и очарование сюжета. Картина смотрится на одном дыхании, здесь нет сложного и замысловатого сюжета, который заставил бы думать и мыслить в духе того времени. Всё просто и легко. На полотне изображены четыре героя, каждый из которых, несёт свою историю миру. Молодая мать повернулась, чтобы позвать детей к себе. Она одета модно и стильно в духе 1881 года. Молодая женщина слева выглядит усталой, она возвращается домой после трудного рабочего дня, она одета в духе 1886 года. Такая разница во времени сказывается долгой работой над этим произведением. В центре находится курносая девчушка, которая вопросительным взглядом смотрит на небо, закончился ли дождь. Маленькая девочка очаровательна, ей свойственная детская наивность и невинность. На картине точно изображена мода тех времён, причём разных сословий. Ренуар долго изучал фасоны платьев, чтобы как можно точнее передать их стиль и моду. Художник использовал разные стили для написания героев. Две девочки, которые стоят справа, написаны мягкими, плавными движениями кисти, в духе импрессионизма, а вот герои слева написаны более твёрдым и решительным почерком. Несмотря на эти различия картина смотрится гармонично и естественно, полностью соответствует эпохе того времени. Сюжет имеет особое очарование, которое свойственно перу мастера, оно выделяет его на фоне других, не менее известных художников. Картина находится в Национальном музее в Лондоне, любой желающий может получить удовольствие от встречи с ней.

Эдгар Дега – великий французский художник-импрессионист, родился в Париже 19 июля 1834 г. Эдгар был старшим из пятерых детей в обеспеченной, аристократической семье. Изначально его фамилия была де Га, но затем он изменил свою фамилию на Дега. Хоть всё его искусство и принадлежит больше к постимпрессионистическому направлению, его картины довольно часто участвовали в выставках импрессионистов. С 1870 -х по 1880 -е Эдгар Дега создаёт свои самые лучшие полотна: "В мастерской модистки", "Гладильщицы", "Обнаженные женщины за туалетом" и другие. В последние годы жизни у Эдгара прогрессировала болезнь глаз, из-за которой ему практически пришлось отказаться от живописи и заниматься скульптурой. Скончался великий французский художник 27 сентября 1917 г. в Париже. Тогда ему было 83 года, и в свои немалые лета Дега был признанным при жизни художником и одним из самых ярких представителей импрессионизма.

На картине «Голубые танцовщицы» изображены четыре балерины в балетных пачках голубого цвета, которые, вероятно, ожидают своей партии. Мы застаем девушек в момент последних приготовлений, когда они проверяют в порядке ли сценические наряды, уложены ли правильно волосы, поскольку через минуту времени у них на все это уже не будет. Казалось бы, в картине нет ничего необычного. Но если присмотреться, то создается впечатление, что мы видим как бы остановившийся кадр немого кино. Словно девушки застыли на секунду, чтобы встрепенувшись вернуться к своему занятию. А этим занятием вполне может быть и танец, что исполняют танцовщицы. Ведь кто-то увидит и представит именно такой фрагмент творчества юных балерин. Преисполненные очаровательной грации, героини Дега кружатся в чарующей композиции, когда их всего на какое-то мгновение остановила кисть художника. Однако, кто-то вправе предложить и свою версию происходящего на картине. А что, если в сюжете задействована всего одна балерина, но нарисованная с разных ракурсов? Такое тоже возможно, несмотря на то, что в названии упоминается множественное число девушек. Не взирая на возраст, а полотно датируется 1897 годом, «Голубые танцовщицы» по-прежнему восхищают своей живой атмосферой и невероятной правдивостью форм, что, безусловно, заслуга такого талантливого мастера живописи, как Эдгар Дега.

Описание картины Эдгара Дега «В кафе» (Любительница абсента) Прозвище «первый импрессионист ночи» Дега получил за невозможность работать на пленэре по причине плохого зрения, что не позволяло ему бывать на солнечном свете. Работать над картинами приходилось при освещении, которое давал газовый рожок. Правда, художник и без этого, считал работу на воздухе не своей стихией. Дега нравилось изображать жизнь и устои парижского «полусвета» , и всего, что связано с этой средой: актрис, дешевых развлекательных заведений, забегаловок, так что прозвище, вряд ли могло быть для него обидным. Произведением, которое особо выделяют среди работ такой сюжетной направленности, считается «В кафе» (Любительница абсента). Кафе «Нуавель-Атен» – популярное среди столичной богемы место обитания, послужило интерьером для написания полотна. Автор изобразил не просто двух уставших, апатичных ко всему людей, а показал их одиночество, перенес на полотно проблему отчуждения человека и мира – вопросы, которые для него самого имели огромное значение. В качестве моделей, Дега пригласил позировать коллегу по цеху Марселена Дебутена и актрису Элен Андре. Несмотря на застывшие позы, чувствуется не только внутреннее напряжение персонажей, но и их опустошенность, взаимное равнодушие.

КОНЕЦ