Футуризм 1960 х годов.
Шестидесятые годы были временем освоения космоса — в 1961 г. впервые совершил полет в космос советский космонавт Юрий Гагарин, в 1969 г. американские астронавты Нил Армстронг и Эдвин Олдрин высадились на Луну.
Началась «космическая эра» . Прорыв за пределы Земли был невозможен без развития новых технологий, использования новых материалов, которые в 1960 -е гг. казались символом прогресса.
Футуристическая мода 60 -х В середине 60 -х коллекция французского кутюрье Андре Куррежа, вышедшая в начале 1965 года, в корне меняет моду. Andre Courreges ( 09. 03. 1923 года) Франция (France) Коротко постриженные модели, одетые в белое или черно-белое, в узких прямых брюках, коротких юбках и коротких белых сапогах, белых очках с прорезью для глаз, произвели сенсацию. Во всех разработках Куррежа доминировали строгие геометрические формы – квадраты, трапеции и треугольники.
Это была мода для молодежи, которая должна была сознательно выделиться из общепринятой моды.
Куррежа тогда называли «Корбюзье моды» . Вместо традиционных сложных моделей «от кутюр» , в которых конструкция всячески маскировалась мощью драпировок, деталей или вышивки, он предложил ясные лаконичные формы, в которых конструкция была выявлена. Вместо вытачек Курреж использовал вертикальные конструктивные линии, которые были подчеркнуты рельефной строчкой, кантами или деталями контрастного цвета. Его модели сравнивали с чертежами, выполненными с помощью циркуля и линейки. Эти конструкции были популярны в массовой моде: типичные модели в «стиле Куррежа» - мини-платье силуэта «трапеция» без акцентированной линии талии и двубортный жакет, который носили вместе с брюками.
Она была составной частью красивого нового мира, в котором фантазии будущего с помощью технического прогресса переносятся в реальность. Андре Курреж считал, что в будущем все будут одеваться подобным образом – в платья обтекаемых форм, носить плоскую обувь или комбинезоны астронавтов. Так возник футуристический стиль в моде.
За успехом Куррежа годом спустя последовал триумф испанского кутюрье Пако Рабанна.
П. Рабанн отказался от традиционных инструментов портного: ему не нужны были ни ножницы, ни игла, ни утюг. Вместо них он вооружился ножницами для резки металла, молотком и клещами, с помощью которых делал свои необыкновенные платья. Модели П. Рабанна создавались по технологии изготовления бижутерии — из фрагментов, которые соединялись между собой металлическими кольцами. Платья состояли из модулей — пластиковых или алюминиевых пластинок прямоугольной, квадратной или круглой формы. Меняя размер этих модулей, а также их количество, Рабанн создавал форму, расширяющуюся книзу или повторяющую абрис тела. Конечно, они были не очень удобны, даже несмотря на то, что надевались на чехол из ткани. Лучше всего эти модели подходили для танцев или для коктейля, сидеть в них было уже трудно.
Одновременно известный парижский кутюрье Пьер Карден создал свой вариант космической коллекции. Его модели отличались шляпами в форме стилизованных космических шлемов или шлемоподобными кепи в сочетании с простой скромной одеждой свободного покроя.
1964 г. Карден показал коллекцию «Космическая эра» . Имидж «авангардного модельера» приобрел в 1960 -е гг. и Пьер Карден, который представил свою версию «космического стиля» . Однако его модели всегда были более приспособлены к требованиям потребителей, чем у Куррежа и Рабанна. П. Карден обладал способностью предугадывать вкусы клиентов и упрощал авангардные идеи, что и обеспечивало ему коммерческий успех. Так, Карден никогда не делал целиком одежду из пластика или металла, как Рабанн, а предлагал платья с отдельными элементами из металла или пластика, которые выглядели не менее современно, но были гораздо удобнее. Геометрические линии кроя и геометрический декор стали своеобразной «визитной карточкой» Кардена.
Карден придумал «космический» сарафан — короткий сарафан из трикотажного полотна, синтетической ткани или кожи (с кожей Карден работал с 1965 г. ) с огромными проймами, напоминающими о «королевских сюрко» позднего Средневековья. Его округлые вырезы, как и в моделях Куррежа, казалось, были вычерчены с помощью циркуля и отделаны декоративной строчкой. Этот сарафан можно было носить как вместе с водолазкой, связанной «лапшой» , так и без нее, что делало его универсальной и практичной одеждой.
К этому времени относится и появление в фотографии белого фона, на котором снимаемые модели как бы парили в невесомости. Ричард Аведон
Richard_Avedon_i_Tviggi_v_parizhskoy_studii _aprel_1967 Veruschka ph Richard Avedon stylist Polly Allen Mellen Women Management Blog
Космическая одиссея в кинематографе
С. Кубрик. Космическая одиссея: 2001. Интерьеры космической станции (1968)
Оливер Мург (Oliver Mourgue/ Кресло "Djinn", "Djinn suite" (1964)
Предметная среда эпохи космических полетов Начиная с 1960 -х годов его яркие, уютные и ироничные произведения стали символом эпохи поп-культуры. Поглощённый идеей создания новой мебели, Аарнио проектирует своё самое знаменитое кресло Ball (Globe, Шар, 1963 -1965) уже в 1963 году. Ееро Аарнио (Eero Aarnio) - великий новатор в области использования пластмасс в промышленном дизайне.
Творческий метод Ееро Аарнио: «Когда я начинаю работать над дизайном для новой марки, у меня должно быть ощущение, что всё возможно, и так будет, если у меня есть хорошая профессиональная подготовка. Как дизайнер я ближе к художникам, скульпторам, но в моей области невозможно быть художником, не являясь также техником» . В производство оно было выпущено 2 -мя годами позже. Материал (фибростекло) и форма кресла были совершенным новшеством для мебельной индустрии того времени. Кресло Ball - это «комната внутри комнаты» с уютной и спокойной атмосферой, защищённая от внешних звуков и дающая возможность уединения для отдыха или телефонного разговора. Вращаясь вокруг своей оси, кресло даёт возможность человеку, находящемуся внутри, видеть окружающее его пространство и тем самым не чувствовать себя полностью изолированным от внешнего мира.
Первая модель кресла, которую Ееро Аарнио изготовил сам, до сих пор находится в его собственном доме.
В 1966 году Ball было представлено на мебельной выставке в Кёльне. Кресло стало сенсацией выставки, принесло Аарнио мировую известность и дало старт целой серии, созданной Арнио из фибростекла, оставшимся в последующие годы одним из самых любимых материалов дизайнера. В серию входит и кресло Pastil (19671968), за которое он получил в 1968 году приз Американских промышленных дизайнеров, и кресло Bubble (1968). Эти смелые, ломающие традицию объекты мебели отражают дух дизайна 60 -х годов.
Pastil Chair (1968) и Tomato Chair (1971) подтвердили репутацию дизайнера как мастера изобретать новые формы, необычные на вид, но чрезвычайно удобные для человеческого тела. Про кресла Ball и Pastile «Нью-Йорк Таймс» писала: «Это самая удобная форма, чтобы держать человеческое тело» . Применение Pastil Chair и Tomato Chair весьма разнообразно: кресла могут использоваться в доме, на улице, зимой и летом. Но самое приятное - это в жаркий день покачиваться в них на водной глади. Про кресло Bubble Ееро Аарнио говорит: «После создания Ball мне захотелось, чтобы вовнутрь шара со всех сторон проникал свет» . Прозрачный шар был создан из акриловой смолы, которая нагревалась и надувалась как мыльный пузырь.
Создав в 2002 году «обеденную версию» стола Parabel, он наконец придумал как дополнение к нему так называемое «Focus Chair» , которое удовлетворяло бы его требованиям. Кресло «Focus» сделано на основе металлической конструкции, которая покрыта специальной пеной и обита тканью «Tonus 2000» самых разных цветов. Габариты его составляют 25. 5 x 26 x 32. 25. Эргономичный дизайн и удобное сиденье столь же естественны для Аарнио как и выдающаяся форма.
Естественность формы, комфорт, яркость и ироничный подтекст проектов Аарнио не могли не оценить дети. Тем более, что некоторым предметам мебели дизайнерпридал вид игрушек. Так было с проектами Pony (1973) и Tipi (2002). Хотя эти объекты выглядят как большие игрушки и нравятся детям, они также удобны и для взрослых. «Стул это стул. . . но то, на чем сидят, не обязательно должно быть стулом. Оно может быть чем-то другим, главное, чтобы оно было корректным с точки зрения эргономики. Сиденье может быть даже маленьким и мягким Пони, на которого можно сесть верхом или присесть сбоку» , говорит дизайнер.
В 2005 году Аарнио создал детские предметы мебели для проекта «Mee too» итальянской компании Magis: пластиковую собачку PUPPY и детский стул TRIOLI. Как и другие проекты Аарнио, его детские объекты характеризуются функциональностью, разносторонностью использования, красочностью и игровым подтекстом. Как бы ребенок ни повернул стул Trioli, он сможет на нём сидеть (при этом уровень расположения сидения каждый раз будет разным), стул можно использовать как качалку и переносить, взявшись за ручку. На прошедшей в Германии мебельной выставке IMM COLOGNE 2006 Trioli в числе других 18 проектов был награждён премией Interior innovation award cologne.
Все проекты Ееро Аарнио пронизаны интернациональным духом и индивидуальностью одновременно. При этом они отвечают скандинавскому представлению о качестве и прочности изделия. В ноябре 2007 года Ееро Аарнио присвоено звание профессора. В 2008 году Ееро Аарнио получил престижную премию в области промышленного дизайна - Compasso d'Oro Award за модель стула Trioli, разработанного для компании Magis.
Джо Коломбо (Joe Colombo) – человек, который придумал мебель заново. Большинство дизайнеров, обнаружив, что их работа сорвана, приходит в ярость, но не Джо Коломбо, который сказал бы: «Нам всего лишь придётся сделать это ещё лучше» . И если производитель не проявлял такого же энтузиазма, как сам Коломбо, то он не тратил время на пререкания, а находил другую компанию, которая была готова производить его продукт. Джо Коломбо. Joe Colombo Джо Коломбо (настоящее имя - Cesare Colombo) — один из наиболее ярких представителей футурологического Среди наиболее известных разработок Коломбо: серия дизайна жилой среды 60 -х годов. светильников для компании O-Luce (например лампа Acrylica (1962), выполненная из Perspex)
Коломбо видел свою роль дизайнера в том, чтобы создавать среду будущего. В 60 -е во всех своих эссе и на всех выступлениях он подчеркивал существенность тех изменений и тех возможностей, которые дает для создания новых дизайнерских решений использование новых технологий. «Возможности, которые открылись перед нами в связи с развитием аудио-видио технологий, огромны. Изменения в образе жизни людей в связи с этим могут быть существенными. Люди смогут учиться и работать дома. Расстояние в будущем не будут иметь прежнего значения» .
Brillo barstool, 1969 Людям будущего, по мнению Коломбо, потребуется новый тип среды обитания: «пространства, которые могут трансформироваться, пространства подходящие для медитации и экспериментов, для интимности и для общения» . Для выполнения этой миссии — создание новой среды — Коломбо применял новые производственные процессы и материалы к существующим типам мебели. Также как и в живописи и скульптуре, в дизайне Коломбо предпочитал смелые изогнутые формы и избегал острых углов и прямых линий. Кресла, стулья и табуреты из пластмассы, рассчитанные на крупносерийное производство на потоке методами штамповки, отливки и т. п. , в том числе один из первых в Италии стульев, изготовленных целиком из пластмассы, то есть в мономатериале.
Вслед за креслом Elda, созданным в 1963 г. и явившимся первым креслом из стекловолокна большого размера, в 1964 г. Коломбо разработал маленькое кресло, сконструированное из соединенных между собой 3 -х элементов из гнутой фанеры, и, наконец, в 1965 году — стул Universale (Универсальный стул) для фирмы Cartell.
Универсальный стул для фирмы Cartell. Захваченный идеей создания стула из одного материала, Коломбо начал свои эксперименты с алюминием, продолжил с формованной пластмассой и закончил с полипропиленом. Кроме того, что этот стул легко мыть, просто составить один с другим, из него легко можно сделать барный стул, открутив ножки и заменив их на более длинные. В течение 2 -х лет Коломбо работал над дизайном и конструкцией стула, чтобы в совершенном виде выпустить его в производство, чего он и добился в 1967 году.
Вместо того, чтобы просто модернизировать существующие типы мебели, Коломбо был полон решимости «переизобрести» их как новые понятия, которые будут лучше подходить для мобильного, изменчивого образа жизни конца 1960 -х. Одной из его навязчивых идей было хранение. Mini-kitchen, 1963 Cadriolet bed, 1969 Так в начале 1963 года он спроектировал Combi-Centre — контейнер, состоящий из цилиндрических блоков для хранения книг, спиртного или инструментов. В следующем году он создает Man-Woman Container, футуристическую версию дорожного сундука 19 века, в котором полки, ящики и зеркала спрятаны внутри двух объемов: один — для мужчины, другой — для женщины. Эти эксперименты завершились созданием Boby trolley, мобильного блока для хранения с выдвижными полками и ящиками, который до сих пор находится в промышленном производстве.
Время было весьма благосклонно к изобретениям Коломбо. Его стаканы для курящих 1964 года позволяли держать стакан и одновременно курить (стакан зажимался у основания большим пальцем руки). Заядлый курильщик Коломбо также любил трубки и в 1969 году создал Optimal - трубку, не требующую подставки.
Интерес Коломбо к унифицированным мебельным системам не угасал на протяжении всей его жизни и нашел идеальное воплощение в новых моделях конца 60 -х — начала 70 -х годов (Кресло Tube, Multi Chair) и, главным образом, в футурологических проектах полностью оборудованных жилых ячеек. Кресло Tube (1969 -1970 гг. ) Джо Коломбо сделано из стальных цилиндров, обитых тканью по полиуретановой пене и соединенных резиновыми переходниками. Элементы этого кресла могут быть соединены в большое число комбинаций. Размещавшееся в сумке-торбе, кресло было первым примером мебели, которая продавалась «прямо с полки» .
Multi Chair (1971) — креслотрансформер, состоящее из двух подушек, заполненных полиуретаном, подушки можно использовать отдельно или соединить вместе в различных вариантах, чтобы получить стул, кресло или кушетку. Joe Colombo. Multi Chair (1971)
Коломбо также предложил новый взгляд на то, как надо сидеть. В 1967 он обнародовал «Дополнительную систему проживания» (Additional living system), состоящую из формованных полиуретановых подушек шести различных размеров, которые можно соединять в различных комбинациях, согласно пожеланиям потребителей. Два года спустя он шагнул ещё дальше, создав стул Tube.
В конце 60 -х годов широкую популярность Коломбо принесли его концептуальнофутурологические проекты полностью оборудованных жилых ячеек, многофункциональных трансформирующихся микропространств — агрегатов для жилья, напоминающих принципы «материальной установки» конструктивизма и также предполагающих индустриальное поточное производство. Наиболее полное выражение это направление в творчестве Коломбо получило в двух выставочных проектах-прототипах: обитаемая структура, состоящая из серии функциональных блоков, представленная на «Визионе-69» (прототип изготовлен германской химической фирмой «Байер» ), и оборудованная жилая ячейка — обитаемый контейнер Total Furnishing ( «контейнерное жилище» особая ветвь в футурологии жилой среды тех лет), который в духе идей архитектурного авангарда того времени мыслился одновременно как комбинаторная структурная единица города будущего.
Влок Total Furnishing представлял собой совершенную систему для жизни. Он включал 4 разных блока: кухню, стенной шкаф, ванную и спальню — все на площади в 28 кв. м. Будущее жилой среды Коломбо видел в таких высоко-технологизированных мобильных многофункциональных блокахагрегатах ( «островах» ), свободно перемещающихся по единому пространству интерьера, практически лишенного внутренних стен и перегородок, и образующих, в зависимости от потребностей, от ритма жизни, разнообразные, меняющиеся во времени пространственные конфигурации. Total Furnishing был представлен на выставке, «Италия: новый домашний ландшафт» в Нью-Йорке в 1972, но дизайнер не увидел свое творение на этой выставке, он умер годом раньше от сердечной недостаточности в день своего 41 -го года рождения.
Serving trei, 1970 За свой короткий творческий период Джо Коломбо стал одним из самых значимых и известных промышленных дизайнеров. Он соединял в себе радикально инновационный подход с пластической, художественно оформленной идеей. rechliners Roll chair, 1962
«Нет такого закона, по которому в гостиной должны стоять диван, два кресла и журнальный столик. Есть и другие способы создать атмосферу релаксации» Verner Panton Вернер Пантон. Verner Panton Тезис «Цвет важнее формы» может быть воспринят, как излишне самонадеянный и радикальный, если бы эти слова не принадлежали человеку, который сам изменил принцип формообразования в промышленном дизайне. Вернер Пантон (Verner Panton) имеет на это заявление полное право.
Вернер Пантон никогда не был дизайнером законченной формы, поэтому все его разработки остаются актуальными по сей день, а некоторые все ещё рассматриваются как экспериментальные модели. Работая с такими материалами, как плексиглас, фибергласс, фанера, пластик, стекло, сталь, пенорезина, пенопропилен, он создавал доселе невиданные психоделические интерьеры. Пантон не стремился придумать отдельные, пусть даже оригинальные предметы, вместо этого он старался создавать атмосферу. Каждый объект выступал в качестве элемента жилой среды, вписываясь в общую концепцию и передавая нужное настроение. Дизайнер называл это «интерактивным домашним ландшафтом» .
Визитной карточкой Пантона можно по праву назвать инсталляцию «Фантастический ландшафт» в придуманной им волнистой комнате Visiona II в 1970 году (в Кёльне, Германия). Этот сюрреалистический интерьер, где стены, пол, потолок и мебель представляют собой единый организм, стал настоящей эмблемой 60 -х.
Форма стула, представляющая собой Пантон утверждал, что цвет важнее кривую, не имеющую какого-либо каркаса, формы, и своей целью ставил научить была разработана для того, чтобы дать телу людей, окружающих себя мягкую поддержку, именно это и было сделано — в различных цветовых традиционными серо-бежевыми вариациях. цветами, использовать воображение в оформлении интерьеров. Работая с ярким, чистым цветом, чаще всего противоположным тому, который был бы естественен для того или иного объекта, он предложил новый, революционный подход к оформлению помещений. Но, несмотря на увлечённость цветом, он создал огромное количество объектов, которые вошли в историю дизайна именно благодаря своей революционной форме. В числе таких вещей — знаменитый Panton Chair (1960), стул из единого куска формованного пластика. Семь лет С 1999 года и поныне его выпускает Пантон искал фабрику, которая компания Vitra. Panton Chair возьмется сделать эту модель, и в то дебютировал в 1967 на обложке же время продолжал совершенствовать журнала Mobilia и получил награду ее. A. I. D. в 1968 году.
«Сидеть на стуле должно быть забавно и интересно, как в игре» , — считал Пантон. Эту идею он развивал и дальше, создавая подвесные стулья, нарушающие принцип гравитации, стулья-цветы, надувные стулья и стулья с проволочным каркасом. Полёт фантазии дизайнера не сдерживался, казалось, ничем, а современные материалы позволяли реализовывать самые смелые его проекты.
он дружит с дизайнером-ремесленником Хансом Вегнером, известным за модернизацию классических датских стульев из тика. Благодаря ему Пантон проявил страсть к экспериментам с пластиком и антропогенными материалами для создания динамичного цветового решения в геометрических формах поп-арта.
Его работа архитектором на Выставке прикладного искусства на Ярмарке Мебели Фредерисии в 1958 году стала предвестником его нетрадиционного подхода к принципам дизайна. Он демонстрировал мебель, подвешенную к потолку, чем вызывал шок как у организаторов, так и у посетителей выставки. Стулья Cone ( «Конус» ) и Heart ( «Сердце» ), созданные в том же году, положили начало его экспериментам с нестандартной формой стула. У этих стульев не было отдельной спинки или ножек, они напоминали цилиндр с вмятиной, предназначенной для сидения. Поскольку у его стульев редко были ножки, критики решили называть его творения просто «сидениями» .
Один из лучших проектов, реализованных Пантоном в дизайне мебели, - Cone Chair, разработанный им для редизайна ресторана в отеле Коnigen on Funen (Дания). По словам Вернера Пантона, идея возникла во время предварительных набросок на бумаге нового стула. Продолжив линию спинки по прямой, пока она не соприкоснулась с ножкой подставкой, расположенной на полу, он получил абсолютно новую идею в формообразовании стульев. Другими словами, просто разрушил привычное представление о формообразовании стула.
Перевёрнутый конус, Cone был настолько футуристичен и шокирующ для своего времени, что выставленный однажды в витрине магазина его производителя в Нью-Йорке, привёл к необходимости вызова полиции: для восстановления дорожного движения напротив шоу-рума. В производство этот стул пошёл благодаря Перси фон Халлинг - Кох, который присутствовал на открытии ресторана и предложил дизайнеру заниматься производством и продвижением на рынок его мебели. Специально для этого он основал предприятие Plus - linje как дополнение к его процветающей компании в текстильном бизнесе Uniko.
Дальнейшим развитием дизайна Cone Chair выступил сконструированный из металлической проволоки Wire Cone Chair. Другим экспериментом для Plus linje collection, стало создание кресла из прозрачного оргстекла и попытка создать кресло из тонкого пластика с возможностью наполнения его воздухом. До Пантона с прозрачными материалами работало всего лишь несколько дизайнеров, в частности Жан Прюве и Жак Андре с их коллекцией садовых стульев 1936 года. Когда Пантон представил надувной пластиковый стул на мебельной выставке в 1960 году, он получил заказы на несколько тысяч экземпляров, но ни один из стульев не был доставлен заказчику: воздух в новых стульях просто не задерживался на долгое время. Развитие технологий на то время не позволило устранить эту проблему. Только через несколько лет другие дизайнеры начали работать над мебелью из надувного пластика. Blow от Карлы Сколари, Паоло Ломаззи, Джонатана Де Паса и Донато Д'Урбино был уже произведён с возможностью долговременного использования мебели, основанной на принципе blow up.
В конце 60 -х—начале 70 -х Пантон экспериментировал с использованием ткани в интерьере. Он полагал, что мебель должна взаимодействовать друг с другом, как «своего рода пейзаж, который отказывается быть только функциональным» . В этот период был создан целый ряд объектов, отражающих философию дизайнера.
Другой весомый вклад Пантона в дизайн середины столетия — его непрерывные эксперименты со светом. Серия ламп «Fun» , подвесные лампы «Globe» и разнообразные люстры положили начало новому подходу к освещению. С 1955 по 1998 год Пантон разработал дизайн более чем 25 светильников. Освещение в исполнении Пантона переставало быть просто необходимостью и становилось неотъемлемой частью дизайна помещений, заставляя интерьер играть поновому.
Но наиболее примечательная из когдалибо придуманных дизайнером ламп, Shell Lamp, была создана в 1964 году и состояла из огромного количества кружков, вырезанных из ракушек. Это редкий пример использования Пантоном натуральных материалов. В большинстве же его светильников главная роль отводилась металлу, пластику, цвету и округлым формам.
В циничную пост-вьетнамскую эпоху 70 -х Вернер Пантон постепенно потерял своё место на сцене промышленного дизайна. Политизированная эстетика и конструкции Алессандро Медини и Гаэтано Пеше казались более важными, чем игривый оптимистичный стиль Пантона. В то время как другие дизайнеры его поколения, в частности Етторе Саттсасс, были приняты и активно работали с молодыми коллегами, Вернер Пантон находился во всё большей изоляции в своей внутренней швейцарской эмиграции. Книги не горят, и гениальные вещи тоже, и это подтверждается триумфальным восшествием на сцену мирового дизайна в девяностые. Уже забытый, списанный в легенды уходящего века, Пантон с легкостью возвращает увядшие, было, лавры великого художника и снова находит признание, особенно среди молодёжи.
Весной Витра (Vitra) в Великобритании запустила национальный конкурс Пантон Стул (Panton Chair Competition). Архитекторам и дизайнерам было предложено представить свои уникальные идеи для классического Пантон стула. Все стулья, а было их аж тридцать один, были проданы к 1 июля 2010 года и около 10000 фунтов переведены приюту.
Интерьеры, мебель, освещение и объекты, разработанные Вернером Пантоном, и по сей день остаются одними из наиболее передовых интеллектуальных экспериментов в дизайне. Казалось, он обладал даром предвидения — настолько безошибочно он предопределял тенденции, которые впоследствии становились наиболее популярными. Он оказал огромное влияние на художников и дизайнеров, творивших начиная с 60 -х и до сегодняшних дней, и его проекты, хранящиеся в архивах, скорее всего, ещё долго будут браться за основу во многих направлениях современного дизайна.
Эпоха архитектурных утопий
План новой бразильской столицы - города Бразилиа, разработанный в 1957 году архитектором Лусио Коста, представляет собой силуэт самолета. В его "фюзеляже" располагаются госучреждения и общественные объекты, а в "крыльях" - жилые кварталы. Автором самых известных зданий Бразилиа стал Оскар Нимейер
![Шагающий город Архигрэм " Аркигрэм "[ Archigram ] считают выдающейся авангардной архитектурной группой своего](https://present5.com/presentation/153356647_69676273/image-76.jpg "Шагающий город Архигрэм \" Аркигрэм \"[ Archigram ] считают выдающейся авангардной архитектурной группой своего")
Шагающий город Архигрэм " Аркигрэм "[ Archigram ] считают выдающейся авангардной архитектурной группой своего времени. Плакат к выставке Деятельность Архигрэма начиналась в форме неформального общения шестерых молодых архитекторов : Уорена Чока [ Warren Chalk ], Питера Кука [ Peter Cook ], Денниса Кромптона [ Dennis Crompton ], Дэвида Грина [ David Green ], Рона Геррона [ Ron Herron ] и Майкла Вебба [ Michael Webb ]. В 1970 -м году был основан офис " Аркигрэм Архитектс "[ Archigram Architects ], который прекратил свою деятельность уже через пять лет, после того, как была потеряна надежда на реализацию проекта развлекательного центра в Монте-Карло.
Большинство проектов группы остались не реализованными. Но вопросы, которые они ставили в своих работах шокировали архитекторов всего мира. Они стремились выяснить, что именно представляет собой архитектура. Во времена, когда модернизм еще был главным течением в архитектуре , архигрэмовцы пропагандировали идею, что любой проект рождается из вдохновения, как противопоставление позиции учебных заведений, которые стремились предоставить студентам чисто техническое образование. Шагающий город
В противовес американским неоавангардистам, возвращавшихся к стилистике ранних работ Ле Корбюзье, Мисс Ван Дер Роэ, итальянского футуризма и советского конструктивизма, архигрэмовцы брали за основу лишь начальную концепцию модернизма в поисках вдохновения в современности.
Проект «Living city»
Проект Plug in city
Геодезический купол Фуллера Использование подходов фрактальной геометрии позволяет выявить сходство ряда живых и неживых объектов — как природных, так и созданных человеком. Один из примеров такого параллелизма формообразования дает сопоставление конструкций геодезических куполов с организацией молекул фуллеренов, макромолекулярных комплексов клеток многоклеточных животных и скелетных структур радиолярий
Строительные конструкции геодезических куполов были запатентованы в 1954 г. Р. Б. Фуллером (1895– 1983), американским изобретателем, архитектором и философом; в нашей стране такими разработками занимался М. С. Туполев. Геодезические купола могут быть образованы сложной сетью треугольников, которые формируют поверхность, близкую к сферической. Повторные подразделения на треугольники, характерные для геодезических куполов, образуют фрактальный алгоритм.
Геодезический купол это полусферический купол, вид пространственного сооружения, поверхность которого состоит из коротких металлических стержней, смонтированных в треугольники. Стержни располагаются на геодезических линиях (кратчайшие линии, соединяющие две точки на криволинейной поверхности). Такой тип купола позволяет покрыть большое пространство с использованием минимального количества материалов.
Climatron_Missouri_Botanical_Gardens
Геодезический купол не нуждается в несущих стенах для поддержки перекрытия, вследствие чего вариантов решения интерьера в подкупольном пространстве практически не счесть. Особенности распространения света и звука, эргономические достоинства, нетрадиционные для жилища своды, напоминающие храмовые, свежие идеи в дизайне всех элементов интерьера и, разумеется, энергоэкономичность также повышают ценность дома-купола. Представляет несомненный интерес и внешний вид такого строения - оболочка-купол легко вписывается в любой ландшафт, не нарушая его гармонии. Характер распределения нагрузок по оболочке купола позволяет изъять из его опорного кольца до 50% треугольных пластин.
Разве человек желток, чтобы жить в сфере? А разве вы кирпич, чтобы обитать в кубе? »
Кисе Курокава В 1960 -х годах японский архитектор Кисе Курокава (1934 -2007) стал одним из движения архитектурного метаболизма. Это направление сразу основателей завоевало популярность. В отличие от доминирующей в то время теории Ле Корбюзье (здания как «машины для жилья» ), метаболисты воспринимали город как живой организм со всеми свойственными ему процессами. Они делили его на постоянные и временные элементы - кости, кровеносные сосуды и живые клетки, которые меняются с течением времени.
В 1972 году проект Курокавы в Токио Nakagin Capsule Tower стал одним из первых воплощенных сооружений «капсульного» типа. Знаменитая башня состоит из 144 стальных капсул, каждая из которых представляет собой настоящий микромир.
В "номере" есть все, что может понадобиться человеку в короткий промежуток времени, который он проводит в отеле: кровать, шкаф для одежды, санузел, кондиционер, плита, телефон, телевизор, откидной письменный стол, розетки для всевозможных электронных устройств, необходимых деловым людям. Размер капсулы, 2, 5 х 4 х 2, 5 метра, соответствует привычному для японцев размеру чайной комнаты в шесть татами. По обычаю, идущему из глубины веков, перед входом в капсулу необходимо разуться, так же как в традиционном японском доме и в традиционной японской гостинице. В башне отдельные части квартир (со встроенной мебелью, санузлом и т. д. ) площадью 4 на 2, 5 м закреплены на бетонном каркасе с помощью всего четырех болтов. Такую «капсулу» легко заменить по мере износа: их изготавливают на заводе и устанавливают на место с помощью крана. Сегодня башня включена в Список Всемирного архитектурного наследия Docomomo International, а копию одной из «капсул» в натуральную величину сейчас посещают многочисленные туристы.
Здание Национального центра искусств Его внешний вид определяет 21 -метровая стена из стеклянных пластин, изгибающаяся волной вдоль фасада музея. Такое решение архитектора вызвано не только аллюзиями на волны в токийской гавани: этот стеклянный экран экономит энергию, затрачиваемую на кондиционирование помещений - он пропускает дневной свет, но задерживает более 90% солнечного тепла и ультрафиолетового излучения.
Кишо Курокава видит свою постройку международным культурным центром: по его мысли, там можно экспонировать практически любой тип произведений изобразительного искусства, даже самый новый и необычный. Также там будет открыта обширная библиотека специальной литературы, а в будущем планируется создание базы данных всех экспонатов, хранящихся в художественных музеях по всему миру
В России появится первый стадион, построенный Кишо Курокавой. Его проект "Космический корабль" выиграл международный конкурс на новый стадион для петербургского клуба "Зенит «. Стадион Ойто Япония
LUIGI COLLANI Дизайнерская карьера Луиджи началась в начале 50 -х годов на французской автомобильной фирме Simca. Первое его задание – создание автомобиля с полностью пластиковым кузовом. Колани сильно увлекся этим материалом, и в последующих его работах именно различным пластикам отводилась основная роль. В 1954 году на Женевском автосалоне дизайнер получил «Золотую розу» за креативность и дизайн прототипа на базе итальянского Fiat 1100, а в 1957 -м спортивный автомобиль Alfa Romeo Abarth 1000 Colani Coupe с аэродинамическим кузовом стал первым, «выехавшим» из 10 -минутного рубежа на треке Нюрбургринга!
Уникальный рекламный грузовик-трансформер, показ организован Рекламной Группой "Drive Advertising", официальным представителем компании "mm Promotion", одного из крупнейших производителей грузовиков-трансформеров. Настоящий фурор произвел на окружающих футуристический дизайн кабины грузовика, не имеющий аналогов в мире.
ЭКСПЕРИМЕНТАЛЬНАЯ МОДЕЛЬ МОНО-РЕЛЬС ДЛЯ ЛИНИИ "ГАМБУРГ-МЮНИХ" - "HM-1" ПОЕЗД РАБОТАЮЩИЙ НА УГОЛЬНОЙ ПЫЛИ ПАРОВОЙ ЛОКОМОТИВ ДЛЯ УСЛОВИЙ СИБИРИ - ТОЧНЕЕ - БАЙКАЛО-АМУРСКОЙ МАГИСТРАЛИ СКЕТЧ ДЛЯ АВИАЛИНИЙ ЯПОНИИ
АЭРОДИНАМИЧНЫЕ ВЫСОКОСКОРОСТНЫЕ ПОЕЗДА
Проект экраноплана "The Lida", 1983
КОСМИЧЕСКАЯ ПРОГРАММА
конец
Скачать презентацию Футуризм 1960 х годов Шестидесятые годы были
Футуризм 1960х годов.pptx