Французское искусство в XVIII веке Часть 1

Французское искусство в XVIII веке Часть 1.

В XVIII в. расстановка сил в художественной жизни Европы изменилась. Италия, хранительница культурных традиций прошедших веков, превратилась в своеобразный музей великих памятников прошлого. Однако в XVIII столетии равных им уже не создавалось. Итальянские государства беднели, мастера не получали крупных заказов и были вынуждены искать их за границей. И все же в это время здесь работали выдающиеся художники. В первой половине XVIII столетия в Италии и странах, находившихся под ее влиянием, (в Центральной Европе, Германии), наступил новый расцвет искусства барокко. Во Франции, которая в XVII в. стала родиной классицизма, барокко не получило широкого распространения. В начале XVIII в. здесь появился новый стиль — рококо (от франц. rocaille — «раковина» ). Название раскрывает самую характерную его черту — пристрастие к сложным, изысканным формам, причудливым линиям, напоминающим прихотливый силуэт раковины. Искусство рококо обращено к миру человеческих чувств, неуловимых, тонких оттенков настроения. Этот стиль просуществовал недолго — примерно до 40 -х гг. , однако его влияние на европейскую культуру ощущалось до конца столетия.

С середины XVIII в. европейское искусство вновь обратилось к античности, что объясняется несколькими причинами. Одна из них — достижения археологии. Начавшиеся в 40 -х гг. раскопки Помпей — древнего города в Италии, засыпанного пеплом при извержении Везувия в 79 г. н. э. , — открыли удивительные по красоте и богатству памятники искусства и вызвали огромный интерес к античной культуре. Однако более важная причина кроется в распространении идей Просвещения. Просветители, размышляя о совершенствовании личности и путях переустройства общества, приходили к поискам идеала, который они видели в истории и культуре Древней Греции и Древнего Рима. Сложившийся на этой почве стиль получил название «неоклассицизм» (т. е. новый классицизм). Далеко не во всех странах неоклассицизм сменил стиль рококо. Так было во Франции, в Италии (где рококо существовало наряду с барокко) и отчасти в Германии. В искусстве других стран, например в России, черты рококо и неоклассицизма оригинальным образом переплелись.

В XVIII в. резко уменьшилась зависимость художников от частных заказчиков. Главным судией произведений искусства стало общественное мнение. Появилась художественная критика, задача которой заключалась в оценке произведений искусства с точки зрения всего общества. Первые критики — выдающиеся философы Просвещения Дени Дидро, Жан Жак Руссо и другие — писали о театре, музыке, живописи. Во Франции, где новые формы искусства возникали особенно быстро, важным событием художественной жизни стали публичные выставки — Салоны, которые ежегодно (начиная с 1667 г. ) организовывала парижская Королевская академия живописи и скульптуры при поддержке двора. Успех в Салоне означал для живописца или скульптора настоящее признание, однако добиться этого успеха было непросто. Произведения для Салонов отбирала особая комиссия академии. Участвовать в этих выставках стремились не только французы, но и мастера из других стран. Постепенно Париж превратился в общеевропейский художественный центр.

Архитектура XVIII столетия во Франции традиционно разделяется на два периода, которым соответствуют два архитектурных стиля: в первой половине XVIII в. господствующее положение занимает рококо, во второй — неоклассицизм. Два этих стиля во всем диаметрально противоположны другу, поэтому переход от рококо к неоклассицизму часто называют «бунтом» . Стиль рококо отошел от строгих правил классицизма XVII в. , его мастеров больше привлекали чувственные, свободные формы. Архитектура рококо еще сильнее, чем барокко, стремилась сделать очертания сооружений более динамичными, а их убранство — более декоративным, однако она отвергла торжественность барокко и его тесную связь с католической церковью. Самого слова «неоклассицизм» в XVIII в. еще не существовало. Критики и художники пользовались другими определениями — «истинный стиль» , «возрождение искусств» . Интерес к античности в XVIII в. приобрел научный характер: археологи начали методические раскопки древних памятников, архитекторы стали делать точные обмеры и чертежи сохранившихся фрагментов и руин. Для неоклассицистов архитектура была способом переустройства мира. Появились утопические проекты, в которых воплощались идеалы эпохи Просвещения; позднее они получили название «говорящая архитектура» .

Архитектура рококо Рококо возникло в последние годы правления короля Людовика XIV (1643— 1715), но в отличие от всех предшествовавших ему стилей французской архитектуры не было придворным искусством. Большинство построек рококо — это частные дома французской аристократии: богатые городские особняки (во Франции их называли «отелями» ) и загородные дворцы. Как правило, высокая ограда отделяла особняк от города, скрывая частную жизнь владельцев дома. Комнаты отелей часто имели криволинейные очертания; они не располагались анфиладой, как было принято в особняках XVII века, а образовывали весьма изящные асимметричные композиции. В центре обычно помещался парадный зал — так называемый салон. Комнаты были гораздо меньше, чем залы дворцов эпохи классицизма, и с более низкими потолками. Окна же, напротив, были очень большими, почти от самого пола. Интерьеры построек рококо оформлялись скульптурными и резными украшениями, живописью на фантастические темы и множеством зеркал. Отель Субиз в Париже был построен для принца де Субиза в 1705— 09 гг. по проекту Пьера Алексиса Деламера (1675— 1745).

Отель Субиз в Париже. Арх. П. А. Деламер. 1705— 09

Боффран Жермен. Овальный салон. 1735— 38

Как и другие особняки, он отгорожен от прилегающих к нему улиц высокой стеной с роскошными въездными воротами. В интерьере отеля Субиз особенно интересен Овальный салон (1735– 38), созданный в стиле рококо архитектором, скульптором и декоратором Жерменом Боффраном (1667— 1754). Здесь все углы закруглены, нет ни одной прямой линии, даже переход от стен к потолку замаскирован картинами, помещенными в рамы криволинейных очертаний. Все стены украшены резными панелями, позолоченными орнаментами и зеркалами, которые словно расширяют пространство, придавая ему неопределенность. В эпоху рококо был создан также один из самых красивых городских ансамблей Франции — ансамбль трех площадей в городе Нанси в Лотарингии, построенный в 1752— 55 гг. по заказу Станислава I, герцога Лотарингского. Автором этого проекта был ученик Боффрана Эмманюэль Эре де Корни (1705— 1763). Королевская площадь перед Дворцом правительства представляет собой как бы огромный парадный двор, почти овальной формы. По всему периметру площади тянется колоннада, включающая в себя также и портик Дворца. С портика открывается вид на узкую и длинную, засаженную деревьями площадь Карьер, которая завершается триумфальной аркой. Последняя представляет собой вход на главную площадь ансамбля — Площадь Станислава, имеющую форму прямоугольника. Угловые въезды на площадь оформлены коваными решетками и воротами с изящным позолоченным узором. В центре площади возвышается конный монумент герцога Станислава I. Ансамбль в Нанси хронологически завершает эпоху рококо.

Площадь Станислава в Нанси. Арх. Э. Э. де Корни. 1752— 55

Жак Анж Габриель и архитектура неоклассицизма Крупнейший архитектор Франции XVIII в. Один из основоположников неоклассицизма. Учился у своего отца, архитектора Жака Габриеля, и с 1718 г. — в Академии архитектуры в Париже. В 1728 г. стал смотрителем королевских построек, а в 1742 г. — «первым архитектором короля» и президентом Академии архитектуры. В течение тридцати лет занимался главным образом строительством и оформлением интерьеров королевских дворцов. В своих работах (реконструкция интерьеров дворца в Версале и перестройка его северного крыла, 1735— 74; Военная школа в Париже; Французский павильон и Королевская опера в Версале) Габриель противопоставил подчеркнутой репрезентативности архитектуры XVII в. и капризной прихотливости декора рококо рациональность планировки, логическую ясность, благородную простоту и чёткость форм, изящество сдержанной отделки. Гармоничный, изысканный по пропорциям Малый Трианон, построенный Габриелем в парке Версаля, по праву стал одним из самых замечательных произведений европейской архитектуры. Наиболее значительная работа Габриеля — площадь Людовика XV (ныне площадь Согласия) в Париже.

Жак Анж Габриель (1698— 1782) происходил из семьи известных французских архитекторов. Его отец, Жак Габриель Пятый (1667— 1742), был придворным архитектором короля. В 1741 г. его место занял сын. Жак Анж Габриель был также президентом Академии архитектуры. Он работал только по королевским заказам, в силу этого его можно считать выразителем официальных вкусов во французской архитектуре середины XVIII столетия. Творчество Габриеля не принадлежит неоклассицизму в полной мере, хотя, безусловно, в нем нашли отражение новые веяния. Самые знаменитые проекты Габриеля созданы в 50— 70 -е гг. Среди них здание Военной школы в Париже (1751— 75), замыкающее собою Марсово поле — площадь на левом берегу Сены, где во второй половине XVIII в. проходили учения и парады воспитанников Военной школы. В Версале, резиденции французских королей, Габриель создал целый ряд великолепных зданий: роскошное и богато украшенное помещение Оперы (1748— 70), Французский павильон (1749— 50), а также Малый Трианон, по праву считающийся шедевром архитектуры XVIII века.

Военная школа была учреждена в XVIII в. для того, чтобы небогатые дворяне могли получить военное образование. В 1777 году это учебное заведение стало Высшей кадетской школой, куда 1784 году поступил будущий Наполеон Бонапарт. Здание Военной школы было построено по проекту архитектора Жака Анжа Габриеля, комплекс занимает целый квартал. Между Военной школой и Сеной находится Марсово поле, которое также является заслугой Габриеля, преобразовавшего эту городскую окраину в поле для маневров и парадов воспитанников Военной школы. Вполне понятно, что название свое площадь получила в честь бога войны Марса. Ныне в здании Военной школы размещается Военная академия. Военная школа в Париже. Арх. Ж. А. Габриель. 1751— 75

Крупнейший французский театр того времени (712 мест), Королевская опера была возведена Габриелем на основе старого здания XVII в. 16 мая 1770 г. Опера открылась праздничной постановкой в честь бракосочетания будущего короля Людовика XVI и австрийской принцессы Марии-Антуанетты. Во время Великой французской революции Опера была закрыта. В правление Луи-Филиппа внутренняя отделка здания была обновлена. В конце XIX в. в здании заседала Национальная ассамблея. В 1952— 57 гг. Королевская опера была реставрирована и вновь открыта для представлений, которые проходят там по особым случаям. Королевская опера в Версале. Арх. Ж. А. Габриель. 1769— 70

Слово «Трианон» в эпоху Людовика XV (1715— 74) означало место уединения или тихого времяпрепровождения. Дело в том, что король и его фаворитка маркиза де Помпадур были страстно увлечены ботаникой. Король лелеял далеко идущие планы соорудить в Версале ферму для занятий сельским хозяйством, а также устроить ботанический сад и оранжереи. Малый Трианон в Версале. Арх. Ж. А. Габриель. 1762— 64

Слово «Трианон» в эпоху Людовика XV (1715— 74) означало место уединения или тихого времяпрепровождения. Дело в том, что король и его фаворитка маркиза де Помпадур были страстно увлечены ботаникой. Король лелеял далеко идущие планы соорудить в Версале ферму для занятий сельским хозяйством, а также устроить ботанический сад и оранжереи. Строительство изящного здания, получившего название Малый Трианон, было поручено Жаку Анжу Габриелю. Работы продолжались с 1762 по 1764 г. , а интерьеры были завершены лишь в 1768 г. Малый Трианон — не роскошный загородный дворец. Это скорее особняк, вынесенный на природу. Обильные украшения не нарушают кубическую форму здания с четкими гранями углов. Все его фасады решены в едином стиле, но каждый по-своему. Главный (входной) и задний фасады украшены пилястрами — плоскими вертикальными выступами стен в виде четырехгранных столбов, имеющих ту же структуру, что и колонна: основание (базу), ствол и венчающую часть (капитель). Левый фасад украшен колоннами, правый же не имеет ни колонн, ни пилястров. Все фасады составлены из безукоризненно прямых линий, не имеющих ни единого изгиба. К главному фасаду здания ведет подъездная аллея. Правый и задний фасады выходят в английский пейзажный парк — один из немногих во Франции. К левому фасаду примыкает французский регулярный парк (как бы уменьшенная модель Версальского парка), в конце которого располагается Французский павильон, также построенный Габриелем. Как снаружи, так и изнутри Малый Трианон производит впечатление благородной простоты и сдержанности. Здесь сочетаются противоположности: изысканность и строгость, парадность и скромность, монументальность и внимание к деталям. Все это делает Малый Трианон одним из самых замечательных произведений в истории европейской архитектуры.

Наиболее значительным произведением Габриеля в Париже стала Площадь Людовика XV (ныне площадь Согласия) — блестящий образец городского ансамбля XVIII в. История ее создания такова: купеческая гильдия Парижа заказала скульптору Эдму Бушардону конную статую короля Людовика XV , и требовалось соответствующее место для ее установки. Был объявлен конкурс, в котором участвовали самые именитые архитекторы. Победил проект Жака Анжа Габриеля, который предложил совершенно новое и необычное градостроительное решение. В отличие от замкнутых парижских площадей XVII в. , окруженных зданиями, площадь Людовика XV открыта городу. С запада и востока к ней примыкают аллеи проспекта Елисейские Поля и парка Тюильри, а с юга — набережная Сены. Лишь с северной стороны Габриель возвел на площади два величественных дворца (1775), между которых начинается ведущая вглубь города коротенькая улица Рояль. В конце улицы располагается церковь Мадлен, возведенная несколько позднее (1806— 42). На другом берегу Сены, строго напротив церкви Мадлен, находится Бурбонский дворец (1722— 27, портик 1804— 07). Фасады этих двух строений выдержаны в едином стиле и кажутся зеркальным отражением друга. Все эти здания вместе с площадью составляют единый архитектурный ансамбль. Работы Жака Анжа Габриеля знаменовали наступление новой эпохи в истории архитектуры. Творчество этого выдающегося мастера повлияло на все последующее развитие французского неоклассицизма.

Компьенский замок. Арх. Ж. А. Габриель. 1751— 88

Компьенский замок — одна из трех резиденций французских королей (две другие — Версаль и Фонтенбло). Компьен был весьма популярен у власть предержащих благодаря близости обширных охотничьих угодий. Первая королевская резиденция была построена здесь еще в 1374 г. Карлом V, и череда его последователей достаточно часто посещала и модифицировала ее. В настоящем виде Компьенский замок был возведен Людовиком XV и реставрирован Наполеоном. В 1750 г. Габриель предложил проект глобальной перестройки здания. Работы продолжались с 1751 по 1788 гг. и были закончены одним из учеников Габриеля.

Наиболее значительным произведением Габриеля в Париже стала Площадь Людовика XV (ныне площадь Согласия) — блестящий образец городского ансамбля XVIII в. История ее создания такова: купеческая гильдия Парижа заказала скульптору Эдму Бушардону конную статую короля Людовика XV , и требовалось соответствующее место для ее установки. Был объявлен конкурс, в котором участвовали самые именитые архитекторы. Победил проект Жака Анжа Габриеля, который предложил совершенно новое и необычное градостроительное решение. В отличие от замкнутых парижских площадей XVII в. , окруженных зданиями, площадь Людовика XV открыта городу. С запада и востока к ней примыкают аллеи проспекта Елисейские Поля и парка Тюильри, а с юга — набережная Сены. Лишь с северной стороны Габриель возвел на площади два величественных дворца (1775), между которых начинается ведущая вглубь города коротенькая улица Рояль. В конце улицы располагается церковь Мадлен, возведенная несколько позднее (1806— 42). На другом берегу Сены, строго напротив церкви Мадлен, находится Бурбонский дворец (1722— 27, портик 1804— 07). Фасады этих двух строений выдержаны в едином стиле и кажутся зеркальным отражением друга. Все эти здания вместе с площадью составляют единый архитектурный ансамбль.

Площадь Людовика XV (Площадь Согласия) в Париже. Арх. Ж. А. Габриель. 1753— 75

Площадь Согласия, одна из центральных площадей столицы, — блестящий образец городского ансамбля XVIII в. История ее создания такова: купеческая гильдия Парижа заказала скульптору Эдму Бушардону конную статую короля Людовика XV, и требовалось соответствующее место для ее установки. Был объявлен конкурс, в котором участвовали самые именитые архитекторы. Победил проект Жака Анжа Габриеля, который предложил совершенно новое и необычное градостроительное решение. В отличие от замкнутых парижских площадей XVII в. , окруженных зданиями, площадь Людовика XV открыта городу. С запада и востока к ней примыкают аллеи проспекта Елисейские Поля и парка Тюильри, а с юга — набережная Сены. Лишь с северной стороны Габриель возвел на площади два величественных дворца (1775), между которых начинается ведущая вглубь города коротенькая улица Рояль. В конце улицы располагается церковь Мадлен, возведенная несколько позднее (1806— 42). На другом берегу Сены, строго напротив церкви Мадлен, находится Бурбонский дворец (1722— 27, портик 1804— 07). Фасады этих двух строений выдержаны в едином стиле и кажутся зеркальным отражением друга. Все эти здания вместе с площадью составляют единый архитектурный ансамбль.

Бушардон Эдм. Конная статуя Людовика XV. Модель. 1748— 58 Бронза. Высота 69 см Лувр, Париж

Работы Жака Анжа Габриеля знаменовали наступление новой эпохи в истории архитектуры. Творчество этого выдающегося мастера повлияло на все последующее развитие французского неоклассицизма. Начало эпохе неоклассицизма положил новый проект фасада церкви Сен-Сюльпис в Париже, предложенный архитектором Джованни Никколо Сервандони (1695— 1766). В этом проекте впервые в XVIII веке появляются строгие колоннады и арки. К античности, классической древности вскоре обратились и другие архитекторы. Вот что писал о фасаде церкви Сен-Сюльпис Жак Франсуа Блондель, выдающийся архитектор, теоретик и педагог той эпохи: «Он полон античной красоты, он утвердил греческий стиль, в то время как в Париже тех лет появлялись одни лишь химеры» .

Центром неоклассицизма во Франции был Париж. Здесь работали все крупнейшие мастера того времени, создавшие свои лучшие постройки. Самой значительной среди них была церковь Св. Женевьевы, возведенная Жаком Жерменом Суфло. Здесь же в 1739 г. Франсуа Блондель основал архитектурную школу, в которой учились многие выдающиеся мастера той эпохи. Одним из учеников Блонделя был Шарль де Вайи (1729— 98), самое известное сооружение которого — парижский театр Одеон (1779— 82) — был создан в соавторстве с Мари Жозефом Пейром (1730— 85). Здание Одеона в Париже первоначально предназначалось для театра «Комедии Франсез» (французской комедии), позднее здесь устраивались не только спектакли, но также и концерты и балы. Полукруглый зал помещен в почти кубическую коробку здания с аркадами. Венчает театр пирамидальная крыша. Украшением главного фасада служит мощный портик с восемью колоннами.

Церковь Св. Женевьевы (Пантеон) в Париже. Арх. Ж. Ж. Суфло. 1757— 90

Идея перестройки средневековой церкви Св. Женевьевы в Париже возникла еще в конце XVII в. Позднее король Людовик XV дал обет перестроить старую церковь, а в 1755 г. ее главным архитектором был назначен Жак Жермен Суфло (1713— 80). Первоначальный проект был создан Суфло в 1757 г. Будущая постройка напоминала античный храм, а ее портик походил на портик древнеримского Пантеона. В плане церковь представляла греческий (равноконечный) крест. Предполагалось, что купол будет венчать статуя св. Женевьевы. (Впоследствии Суфло убрал всю скульптуру с наружной стороны церкви. ) Здание строилось огромное — сто десять метров в длину, восемьдесят четыре метра в ширину и восемьдесят три метра в высоту. Торжественная церемония закладки первого камня состоялась в 1764 г. , в ней участвовал Людовик XV, и она проходила перед изображенным на холсте портиком будущего храма. Сам портик, с двадцатью двумя колоннами, был построен в 1775 г. После смерти Суфло строительство продолжили его помощники. Под их руководством в 1785— 90 гг. был закончен купол храма, однако строительство на этом не завершилось: мастера продолжали вносить изменения в архитектуру храма вплоть до начала XX в. Церковь Св. Женевьевы Жака Жермена Суфло стала самой выдающейся постройкой французского неоклассицизма.

Театр Одеон в Париже. Арх. Ш. де Вайи. 1779— 82

В Париже построено множество прекрасных зданий в стиле неоклассицизма: Рынок зерна (1763— 67, арх. Никола Лекамю де Мезьер), купол которого по величине почти равен куполу древнеримского Пантеона; поражающий своими размерами Монетный двор (1768— 75, арх. Жак Дени Антуан), чей фасад растянулся вдоль набережной Сены более чем на триста метров; отель Сальм (1782— 85, арх. Пьер Руссо), ныне дворец Почетного Легиона, и др. Но самым знаменитым сооружением Парижа конца XVIII в. после церкви Св. Женевьевы стала Школа хирургии, построенная архитектором Жаком Гондуэном (1737— 1818). В здании Школы хирургии особенно интересен анатомический театр (помещение, где препарируют трупы). Это сооружение имеет форму античного амфитеатра (овальной арены, к которой уступами спускаются зрительские ряды), увенчанного полукруглым куполом, в верхней части которого имеется полукруглое окно. Обращенный к улице фасад здания представляет собой триумфальную арку с расходящимися от нее в обе стороны колоннами. Рельеф на фасаде изображает Людовика XV, отдающего приказ о строительстве Школы хирургии. Короля окружают больные и древнеримская богиня Минерва (покровительница искусств и ремесел), а Гений архитектуры представляет ему проект. Противоположный фасад выполнен в виде гигантского портика.

Отель Сальм (Дворец Почетного легиона) в Париже. Арх. Пьер Руссо. 1782— 85. Фрагмент

Школа хирургии в Париже. Арх. Ж. Гондуэн. 1769— 74. Анатомический театр Самое знаменитое сооружение Парижа конца XVIII в. после церкви Св. Женевьевы — Школа хирургии, построенная архитектором Жаком Гондуэном (1737— 1818). В здании школы особенно интересен анатомический театр (помещение, где препарируют трупы). Это сооружение имеет форму античного амфитеатра (овальной арены, к которой уступами спускаются зрительские ряды), увенчанного полукруглым куполом, в верхней части которого имеется полукруглое окно. Обращенный к улице фасад здания представляет собой триумфальную арку с расходящимися от нее в обе стороны колоннами. Рельеф на фасаде изображает Людовика XV, отдающего приказ о строительстве Школы хирургии. Короля окружают больные, здесь же находится древнеримская богиня Минерва (покровительница искусств и ремесел), а Гений архитектуры представляет ему проект. Противоположный фасад выполнен в виде

«Говорящая архитектура» Опираясь на идеи французских просветителей, некоторые архитекторы XVIII в. увлеклись идеей о том, что всякое произведение зодчества должно выражать те или иные идеи, иными словами, что архитектура, как и любой другой вид искусства, должна быть «говорящей» . Чаще всего эти идеи были связаны с назначением здания. Так, мощные колонны у входа в банк могли говорить о его солидности и надежности. Более яркий пример — проект коровника в виде гигантской коровы архитектора Жана Жака Лекё (не осуществлен). Иногда использовались более трудные для понимания формы — например, куб как символ правосудия или шар как символ общественной морали. Большинство проектов «говорящей архитектуры» были утопическими, они так и остались на бумаге в виде планов, чертежей и схем; в силу этого их иногда называют «бумажной архитектурой» . Среди тех, кто создавал подобные проекты, особое положение занимают два мастера — Этьен Луи Булле и Клод Никола Леду.

Карьера Этьена Луи Булле (1728— 99) как практикующего архитектора была скорее неудачной: он исполнил всего лишь ряд интерьеров и построил несколько особняков в Париже. В 80 -е гг. Булле целиком посвятил себя «бумажной архитектуре» , создав более ста проектов. Свои здания он называл «архитектурными телами» . Булле использовал самые простые, геометрически правильные формы: сферу, конус, куб. Все они должны были освещаться таинственным светом и отбрасывать сильные тени. Излюбленным жанром архитектора были погребальные сооружения, самое знаменитое из которых — Кенотаф Ньютона. Кенотаф (ложная, пустая могила) имеет форму сферы, что напоминает, с одной стороны, о земном шаре, с другой — о яблоке, упавшем ученому на голову, благодаря чему он и открыл закон всемирного тяготения. Кенотаф Ньютона не был построен, как и прочие проекты Булле, которые были абсолютно непрактичными; в XVIII в. его бесконечные гигантские колоннады просто невозможно было возвести. Крохотные человеческие фигурки, изображенные на рисунках Булле, лишь подчеркивают грандиозность замыслов архитектора, предназначенных «для вечности» .

Кенотаф Ньютона в Париже. Арх. Э. Л. Булле. 1784

В отличие от Булле Клод Никола Леду (1736— 1806) осуществил многие свои проекты на практике. К «говорящей архитектуре» Леду обратился в 80 -е гг. В 1785 г. архитектор приступил к строительству так называемого Пояса застав Парижа — он задумал обнести весь город трехметровой стеной протяженностью двадцать три километра. На въездах в Париж Леду планировал расположить таможенные заставы. Стена не была построена, и до наших дней сохранились только четыре заставы (Застава Ла Виллет). Все они имеют простые геометрические формы, некоторые украшены колоннами или фронтонами, очень необычными по своим пропорциям. Для Леду заставы были лишь предлогом, чтобы возвести монументальные триумфальные сооружения на въездах в столицу. Однако многие современники отнеслись критически к этому проекту. Критики сравнивали Пояс застав Парижа с тюремными стенами и кладбищенскими оградами; говорили также, что храмовые формы не подобают «прозаическим» сооружениям.

Застава Ла Виллет в Париже. Арх. К. Н. Леду. 1785— 89

Однако больше всего Леду прославился своим проектом идеального города будущего — Шо. Проект был опубликован в 1804 г. в его книге «Архитектура, рассмотренная с точки зрения искусства, нравов и законодательства» . Город Шо в плане представлял эллипс, в центре которого располагался Дом директора, по своим формам напоминавший храм с колонным портиком и фронтоном. Леду проектировал в городе как частные дома (например, дома для рабочих), так и общественные здания (рынок, оружейный завод, биржу). Кроме того, в Шо был целый ряд довольно странных сооружений: мост через реку Лу (где роль опор играли галеры), Дом директора источника реки Лу (цилиндр, сквозь который проходило русло реки), Дом лесоруба (пирамида, сложенная из бревен) и другие, в которых принципы «говорящей архитектуры» воплотились наиболее полно. Современники иронизировали, что если бы Леду решил построить Дом пьяницы, то, наверное, сделал бы его в форме бутылки. Город Шо отражал социальную модель будущего общества. Так, в нем не было ни тюрьмы, ни больницы, т. к. , по мнению архитектора, в будущем преступления и болезни должны были исчезнуть. Вместо тюрьмы Леду хотел построить храм Мира и Дом образования, а вместо больницы — общественные бани. Леду спроектировал также храм Добродетели и церковь, но не обычную, а предназначенную для различных семейных обрядов (рождений, свадеб, похорон). Эти обряды должны были создавать в городе веселое или грустное настроение, влияя тем самым на развитие общественной морали. Своим проектом города будущего зодчий пытался доказать, что архитектура должна воспитывать и просвещать людей. Леду не только обустраивал мир как архитектор, но и создавал его идеальную модель как философ.

Скульптура Почти все скульпторы XVIII в. работали одновременно в нескольких жанрах — историческом, мифологическом, портретном. Отношение скульпторов к господствующим стилям — рококо и неоклассицизму — также было весьма свободным. Один и тот же мастер с легкостью переходил от изящных статуэток в стиле рококо к монументальным неоклассицистическим композициям. В начале XVIII столетия традиции классицизма развивал Эдм Бушардон (1698— 1762). Самые известные его работы — фонтан на улице Гренель и статуя Людовика XV на одноименной площади в Париже (ныне площадь Согласия). Однако наибольшее число произведений он создал в жанре портрета, преимущественно женского. Для этого рода произведений Бушардона характерны утонченность, изящество и аристократизм. Наиболее известным мастером рококо был Жан Батист Лемуан Младший (1704— 1778), выполнивший скульптурные украшения для отеля Субиз в Париже (Астрономия). Грациозность поз, тонкий лиризм, необычная асимметричность композиций отличают его статуи, которые гармонично дополняют убранство залов в стиле рококо. Лемуан обладал и незаурядными педагогическими способностями: из его мастерской вышли два выдающихся скульптора середины века — Пигаль и Фальконе.

Лемуан Жан Батист Младший. Астрономия. Около 1738

Жан Батист Пигаль (1714— 85), работая в стиле, переходном от рококо к неоклассицизму, выполнил ряд статуй и групп на мифологические и аллегорические темы ( «Меркурий, завязывающий сандалию» ). Особенности дарования Пигаля, сочетающего гражданский пафос с тяготением к острой, порой натуралистической правдивости, наиболее ярко проявились в надгробиях и памятниках (надгробие маршала Морица Саксонского, 1753— 76, церковь Сен-Тома, Страсбург), статуе Вольтера, представленного «героически обнажённым» , острых по характеристике портретах ( «Автопортрет» ). Другой ученик Лемуана, Этьен Морис Фальконе (1716— 91), виртуозно владевший техникой ваяния, отличался блестящей эрудицией: прекрасно знал античную скульптуру, древние языки и литературу (а ведь он, придя в восемнадцать лет в мастерскую Лемуана, почти не умел читать и писать). Более десяти лет Фальконе руководил фарфоровой мануфактурой в Севре (близ Парижа). Его маленькие композиции в стиле рококо на античные сюжеты — «Грозящий Амур» , «Пигмалион и Галатея» , «Аполлон и Дафна» и другие — тонко передают оттенки настроения, а фарфор словно обработан ювелиром. И все же скульптор больше тяготел к монументальным и драматичным образам.

Работая в стиле, переходном от рококо к неоклассицизму, Жан Батист Пигаль (1714 — 85) выполнил ряд статуй и групп на мифологические и аллегорические темы. В 1744 г. за статуэтку «Меркурий, завязывающий сандалию» скульптор был избран членом Академии художеств. Меркурий, завязывающий сандалию. Около 1738

Жан Батист Пигаль. Обнаженный Вольтер. 1776, Лувр, Париж

Жан Батист Пигаль (1714— 85) был прозван современниками Беспощадным, поскольку в портретах он никогда не идеализировал модель. Например в этом автопортрете мастер показал неумолимо надвигающуюся на него старость.

Образ Амура чрезвычайно характерен для французского искусства XVIII в. , для стиля рококо. «Амур» Этьена Мориса Фальконе был исполнен для украшения будуара в парижском особняке маркизы Помпадур. Имея огромный успех на выставках, статуя привлекла внимание коллекционеров и многократно повторялась скульптором. Маленький бог любви изображен сидящим на облаке. Лукаво улыбаясь, он достает стрелу из колчана. Скульптор обрабатывает мрамор с таким совершенством, что нежная шелковистая поверхность детского тела и мягкие вьющиеся волосы Амура кажутся почти материальными. С таким же мастерством переданы капризно изогнутые лепестки розы, лежащей у его ног. Фальконе, Этьен Морис Грозящий Амур. 1755— 57

Пигмалион, кипрский художник, ненавидел женщин. Однажды он создал из блестящей слоновой кости статую девушки необычайной красоты. Статуя была столь прекрасна, что Пигмалион, сам того не желая, полюбил ее. Вознося жертвы богам, Пигмалион стал молить Афродиту, чтобы она дала ему жену, столь же прекрасную, как эта статуя. Когда же художник вернулся домой, то обнаружил, что статуя ожила. Фальконе, Этьен Морис Пигмалион и Галатея. 1763

Очень выразительна его (Фальконе) ранняя композиция «Милон Кротонский» (существует в двух вариантах: 1744 и 1754 гг. ). Античный герой Милон бросил вызов богам, заявив, что сумеет руками расщепить дерево. Но рука тщеславного героя застряла в трещине ствола, и Милона, «прикованного» к дереву, растерзал лев. В сложной позе героя, в его искаженном ужасом лице есть некоторая доля театральности, однако чувствуется и подлинное эмоциональное напряжение. Вершиной творчества Фальконе стал «памятник Петру I» в Санкт-Петербурге (так называемый «Медный всадник» ). Самым удивительным было то, что скульптор приступил к работе, не зная техники бронзового литья, и освоил ее в пятьдесят восемь лет.

Фальконе, Этьен Морис Милон Кротонский. 1754

Фальконе, Этьен Морис Памятник Петру I на Сенатской площади в Санкт-Петербурге. 1762— 1782. Вид с юго-восточной стороны

Жан Антуан Гудон прошел серьезную художественную школу: он обучался в академии и стажировался в Риме. Мастер отдал дань традиционным для классицизма античным сюжетам (наиболее известна композиция «Диана» , существующая в двух вариантах: 1776 и 1780), но по-настоящему нашел себя в жанре портрета. Гудон создал галерею жизненно ярких портретов видных представителей эпохи Просвещения и Великой французской революции, подчеркнув в их характерах общественно-деятельное начало, их незаурядность. Гудону позировали Ж. Ж. Руссо, О. Г. Мирабо, Дени Дидро, Бенджамин Франклин, Дж. Вашингтон, Т. Джефферсон, Людовик XVI, Р. Фултон, Наполеон Бонапарт. Портретам Гудона присущи острота и многогранность психологической характеристики, непосредственная обращенность к публике, усиленная выразительным взглядом портретируемого.

Гудон Жан Антуан (1741 — 1828) Диана. Около 1776

Гудон создал галерею жизненно ярких портретов видных представителей эпохи Просвещения и Великой французской революции, подчеркнув в их характерах общественно-деятельное начало, их незаурядность. Гудону позировали Ж. Руссо, О. Г. Мирабо, Дени Дидро, Вольтер, Б. Франклин, Дж. Вашингтон, Т. Джефферсон, Людовик XVI, Р. Фултон, Наполеон Бонапарт. Портретам Гудона присущи острота и многогранность психологической характеристики, непосредственная обращенность к публике, усиленная выразительным взглядом портретируемого. Гудон Жан Антуан (1741 — 1828) Дени Дидро. 1771

Гудон Жан Антуан (1741— 1828) Бенджамин Франклин. 1778 Терракота. 34 x 41 x 27 см, Лувр, Париж

Гудон Жан Антуан (1741— 1828) Мадам Гудон. 1787

В портрете Кристофа Виллибальда Глюка (1775) Гудон удивительным образом передал движение души композитора — в порыве вдохновения его изуродованное оспой лицо преображается, становится прекрасным. Более лиричные детские и женские образы ( «Мадам Гудон» ) отличаются простотой и естественностью. Особое место в творчестве Гудона занимают портреты Вольтера. Скульптор создал несколько портретов знаменитого французского мыслителя, а также две «статуи» , почти одинаковые (одна из них была заказана русской императрицей Екатериной II). Вольтер сидит в кресле. Черты его лица переданы с предельной точностью. Легкий наклон тела вперед, острый взгляд, саркастическая усмешка, застывшая на тонких губах, создают впечатление живого контакта модели со зрителем. Одеяние, которое трудно отнести к какой-либо определенной эпохе, естественно в изображении философа и заставляет задуматься об истинном масштабе его личности. Вольтер стал для мастера воплощением главных духовных ценностей своего времени. Портрет конкретного человека превратился у Гудона в некий идеальный образ мыслителя — мудреца, вобравшего в себя и знание современной жизни, и опыт древности.

Особое место в творчестве Гудона занимают портреты Вольтера. Гудон создал несколько портретов знаменитого французского мыслителя, а также две статуи, почти одинаковые (одна из них была заказана русской императрицей Екатериной II). Вольтер сидит в кресле. Черты его лица переданы с предельной точностью. Легкий наклон тела вперед, острый взгляд, саркастическая усмешка, застывшая на тонких губах, создают впечатление живого контакта модели со зрителем. Одеяние, которое трудно отнести к какой-либо определенной эпохе, естественно в изображении философа и заставляет задуматься об истинном масштабе его личности. Вольтер стал для мастера воплощением главных духовных ценностей своего времени. Портрет конкретного человека превратился у Гудона в некий идеальный образ мыслителя — мудреца, вобравшего в себя и знание современной жизни, и опыт древности.

Живопись В живописи характерные традиции искусства XVIII века определились в произведениях Антуана Ватто, открывшего особую сферу тончайших эмоциональных оттенков, созвучных лирике пейзажа и музыкальности композиционных ритмов и колорита. Декоративная изысканность его произведений отчасти послужила основой для рококо как стилевого направления. С развитием стиля рококо связано творчество Франсуа Буше, для произведений которого характерны тонкие изысканные формы, лирически нежный колорит и очаровательная грациозность, кокетливость, порой доходящая до жеманности. Демократические взгляды французского искусства воплотились в творчестве «живописца третьего сословия» Жана Батиста Симеона Шардена, аналитически точных портретах Мориса Кантена де Латура. Своеобразный сплав «галантной» живописи и бытового жанра отличает творчество Жана Оноре Фрагонара, ученика Ф. Буше и Ж. Б. С. Шардена. В середине XVIII века выдвинутое просветителями требование общественной активности искусства как средства воспитания нравов привело не только к коренному видоизменению классицистических идеалов, но и к появлению сентиментально-нравоучительного направления (Жан Батист Грёз). Возросший интерес к природе стимулировал развитие пейзажной живописи. Весьма характерную для неоклассицизма разновидность пейзажа — так называемую «архитектурную фантазию» — создал в своих произведениях Юбер Робер. Идеи неоклассицизма нашли яркое выражение в творчестве Жака Луи Давида — наиболее последовательного представителя этого направления и чуткого летописца своего бурного времени.

Антуан Ватто Жан Антуан Ватто родился в 1684 г. в небольшом провинциальном городке Валансьене в семье небогатого кровельщика и плотника. Приблизительно в 1694 г. Жан Антуан был определен учеником к местному художнику Жерену, у которого проучился несколько лет. Затем в течение нескольких лет работал в различных мастерских. В 1702 г. Ватто отправляется в Париж, не имея от семьи никакой финансовой поддержки. На протяжении двух лет он за нищенскую плату работает копировальщиком дешевых картин для торговца с моста Нотр-Дам. Свободное время художник посвящает рисованию с натуры. В 1703 г. Ватто познакомился с театральным декораторм К. Жило, у которого продолжил обучение живописи. Сблизившись в 1708 г. с хранителем Люксембургского дворца К. Одраном, Ватто получил возможность изучать творения великих мастеров, которыми изобиловала дворцовая коллекция живописи.

В 1709 г. в надежде на продолжение обучения Ватто выставляет на ежегодный конкурс Королевской академии живописи картину «Возвращение Давида после победы над Голиафом» , однако получить первую премию ему не удалось. Самостоятельную творческую деятельность Ватто начинает с зарисовок сцен солдатской жизни ( «Бивак» ). Эти композиции имели успех у парижской публики, и к художнику потекли заказы. Творчество Ватто положило начало новому этапу в истории европейской живописи, графики и декоративного искусства. Следуя характерным мотивам жанровой живописи XVII в. , Ватто обращался к изображению современной ему жизни ( «Савояр с сурком» ), в которое вносил особую интимность и лирическую взволнованность. В зрелую пору художник отдает предпочтение театральным сценам и так называемому «галантному жанру» , изображая на своих картинах всевозможные праздники, маскарады и увеселения, романтические свидания, изысканную игру в любовь беспечных дам и кавалеров ( «Праздник любви» , «Отдых на охоте» , «Радости жизни» , «Общество в парке» ).

Ватто Антуан (1684— 1721) Бивак. Около 1710

Антуан Ватто. Праздник любви.

Ватто Антуан (1684— 1721) Отдых на охоте. 1717— 20

В а т т о А н т у а н ( 1 6 8 4 — 1 7 2 1 ) Р а д о с т и ж и з н и Антуан Ватто. Радости жизни. 1718

Антуан Ватто. Общество в парке. 1720.

Важную роль в творческом методе Ватто играло поэтическое воображение. Ватто впервые воссоздал в искусстве мир тончайших душевных состояний ( «Капризница» , «Затруднительное предложение» ), нередко окрашенных иронией и горечью. Персонажи картин Ватто — постоянно повторяющиеся типы, но за их галантной игрой кроется бесконечное многообразие оттенков поэтического чувства ( «Венецианский праздник» ). Декоративная изысканность произведений Ватто послужила основой художественного стиля рококо. Помимо «галантных сцен» , Ватто писал пейзажи ( «Пейзаж с водопадом» ), портреты ( «Жиль» , «Мецетен» ), мифологические композиции ( «Суд Париса» ), религиозные композиции ( «Святое семейство» ), обнаженную натуру ( «За туалетом» ).

Антуан Ватто. Капризница. 1718.

Антуан Ватто. Венецианский праздник.

Ватто Антуан (1684— 1721) Жиль. 1717— 19 Холст, масло.

Ватто Антуан (1684 — 1721) Мецетен. 1719 Холст, масло

Ватто Антуан (1684— 1721) За туалетом. 1716— 19 Холст, масло

Ватто известен также как автор рисунков, в которых он запечатлел самых разных представителей французского общества. Ватто был признан в художественной среде как тонкий и оригинальный мастер. В академических кругах его авторитет вырос настолько, что в 1712 г. он был принят в члены Академии, а в 1717 г. за большую картину «Паломничество на остров Киферу» получил звание академика. В 1719 г. Ватто уезжает в Англию. В Лондоне он прожил год: много работал и получил признание. Однако сырой климат английской столицы подорвал хрупкое здоровье художника. Вернувшись в Париж, Ватто без конца болел. Последние работы художника — «Портрет скульптора Патера» и «Вывеска лавки Э. Ф. Жерсена» . В 1721 г. в возрасте 36 -ти лет Ватто скончался от чахотки.

Ватто Антуан (1684— 1721) Паломничество на остров Киферу. 1717 Холст, масло

В а т т о А н т у а н ( 1 6 8 4 — 1 7 2 1 ) В ы в е с к а л а в к и Э. Ф. Ж е р с е н а Вывеска лавки Э. Ф. Жерсена. 1720

Франсуа Буше родился в 1703 г. в семье торговца эстампами. Около 1720 г. Франсуа начинает работать в мастерской Ф. Лемуана. Первой специальностью молодого художника стало ремесло иллюстратора. Чтобы заработать на жизнь, Буше поступает в мастерскую Ж. Ф. Карса, где рисует виньетки и участвует в создании иллюстраций к «Истории Франции» П. Даниэля. Иллюстрированием печатных изданий Буше будет заниматься на протяжении всей своей жизни; он создаст иллюстрации к произведениям Мольера, Боккаччо, Овидия и др. авторов. В 1726— 27 гг. по заказу парижского коллекционера Жюльена Буше занимается гравированием пейзажей и этюдов А. Ватто. Вскоре Франсуа получает Гран При Академии и уезжает на четыре года в Италию. В Риме Буше познакомился с декоративными произведениями Пьетро да Кортоны и Джованни Ланфранко. Вероятно, художнику была также знакома венецианская традиция монументальнодекоративной живописи, хотя неизвестно, был ли он в Венеции. В 1731 г. , вернувшись в Париж, Буше женится на некоей Мари-Жанн Бюзо, которая в дальнейшем будет часто служить ему моделью. Первые годы после итальянского путешествия почти полностью посвящены рисунку, копированию и гравюре. В это время Буше получает свои первые крупные заказы (для мануфактуры Бове). В 1734 г. за картину «Ринальдо и Армида» Буше был избран в Королевскую академию живописи и скульптуры. В 1737 г. он становится профессором Академии, в 1765 г. — директором Академии и «первым живописцем короля» .

Буше Франсуа (1703— 1770) Ринальдо и Армида. 1734 Холст, масло

Ринальдо и Армида — герои поэмы «Освобожденный Иерусалим» итальянского поэта Т. Тассо (1544— 95). Поэма посвящена первому Крестовому походу, завершившемуся захватом Иерусалима в 1099 г. и установлением христианского царства. Армида, красавица-колдунья, была послана Сатаной (поддержкой которого заручились сарацины), чтобы сокрушить крестоносцев силой своих чар. Она ненавидела Ринальдо и хотела отомстить ему за то, что он спас своих товарищей, которых она, подобно Цирцее, превратила в монстров. Однако, покоренная красотой Ринальдо, Армида влюбляется в него и уносит в свои зачарованные сады. На картине изображен знаменитый эпизод, в котором рассказывается о том, как воины, разыскивающие похищенного Армидой Ринальдо, находят влюбленных в садах Армиды. Армида вложила в руку Ринальдо зеркало (на картине зеркало держит, точнее подпирает своей спиной, один из амуров); влюбленные смотрят в глаза другу и при этом видят в зеркале свой собственный образ в момент любовного экстаза. Два воина взирают на происходящее, укрывшись за колонной дворца Армиды.

1736— 60 гг. — период зрелого творчества художника. В эти годы он интенсивно работает в различных видах искусства (живопись, декоративное и прикладное искусство). Буше — крупнейший художник-декоратор своего времени. С 1734 г. он работал для королевской мануфактуры шпалер в Бове, в 1755— 65 гг. был директором королевской мануфактуры гобеленов в Париже. Самые знаменитые его работы — серии «Любовь богов» и «Аминта» . Несомненным шедевром декоративного искусства стал гобелен «Китайские дивертисменты» , подаренный в 1764 г. Людовиком XV китайскому императору. Буше создал большое количество декораций для театра и оперы. В 1742— 48 гг. он занимал должность декоратора парижской Оперы. В 1757 — 67 гг. Буше работает для Севрской мануфактуры. Созданные им орнаментальные рисунки для фарфоровых изделий снискали ему славу самого талантливого орнаменталиста XVIII в. Творчество Буше-живописца исключительно многогранно. Художник обращался к аллегорическим и мифологическим сюжетам ( «Геркулес и Омфала» , «Юпитер и Каллисто» , «Купание Дианы» , «Похищение Европы» ), излюбленной героиней которых стала Венера ( «Туалет Венеры» , «Триумф Венеры» , «Венера, утешающая Амура» ). Буше изображал деревенские ярмарки и фешенебельную парижскую жизнь. Писал жанровые сцены ( «Художник в своей мастерской» , «Завтрак» , «Туалет» ). Создавал пасторали ( «Летняя пастораль» ) и идиллические пейзажи ( «Мельница» ). Писал нарядно-кокетливые портреты ( «Мадам де Помпадур» , «Портрет маркизы де Помпадур» ) и сцены с обнаженной натурой ( «Полулежащая девушка» , «Смуглая одалиска» ). Известно несколько картин Буше, посвященных религиозной тематике.

Франсуа Буше. Геркулес и Омфала.

Геракл (в римской мифологии — Геркулес) был продан Зевсом в рабство к лидийской царице Омфале во искупление совершенного им случайного убийства Эвритова сына Ифита. Согласно мифу, особое унижение Геркулеса состояло в том, что мужественного героя вынуждали выполнять женскую работу. На это намекает изображение веретена, которое держит один из амуров, в то время как другой с комическим напряжением тащит шкуру Немейского льва — забытый Геркулесом трофей одного из его прошлых подвигов. Изображенная в картине сцена напоминает о развязке легенды. Плененный красотой царицы, Геркулес забыл о своих былых подвигах и стал угождать всем прихотям своей госпожи. Интерпретация мифа низводит его смысл до любовноэротического эпизода, окрашенного налетом иронии. Пылкость чувства и бурная динамика композиции напоминают живопись П. Рубенса. Каскад эффектно ниспадающих драпировок — сиреневых, белых, алых и сине-зеленых — создает пышное декоративное обрамление картины, характерное для стиля рококо.

Франсуа Буше. Юпитер и Каллисто.

Нимфа Каллисто была спутницей и подругой богини-охотницы Артемиды (в римской мифологии — Дианы). Все спутницы богини, как и сама Диана, должны были хранить девственность. Зевс (в римской мифологии — Юпитер), приняв облик Дианы, соблазнил Каллисто (от их союза родился Аркад). Узнав об этом, Диана превратила Каллисто в медведицу. Аркад, который не знал этого, пытался убить на охоте свою мать. Зевс предотвратил это убийство, превратив Аркада и Каллисто в созвездия Малой и Большой Медведицы.

Франсуа Буше. Купание Дианы. 1742 Холст, масло.

Похищение Европы. 1732— 34

У финикийского царя Агенора была дочь Европа, прекрасная, как бессмертная богиня. Увидев красавицу, громовержец Зевс решил похитить ее. Когда Европа с подругами собирала на лугу цветочки, Зевс, обратившись чудесным быком, приблизился к девушке. Он лизал ей руки и всячески ласкался к ней. Европа гладила быка своей нежной ручкой по золотой шерсти, обнимала и целовала его голову. Бык лег у ног прекрасной девы, как бы приглашая ее сесть к нему на спину. Но лишь только Европа села на быка, как он тотчас же вскочил на ноги и помчался к морю. Бык бросился в море и быстро, словно дельфин, поплыл по его лазурным водам. Бык доплыл до острова Крит, и там Европа стала женой Зевса.

Туалет Венеры. 1751

Художник в своей мастерской.

Франсуа Буше. Завтрак.

Франсуа Буше. Туалет. 1742

Летняя пастораль. 1749.

Франсуа Буше. Мельница. 1751.

Портрет маркизы де Помпадур. 1759.

Мадам де Помпадур. 1756.

Буше — наиболее яркий представитель художественного стиля рококо. Для его произведений характерна декоративная изысканность и утонченность; герои его произведений полны эмоциональной непосредственности, игривого притворства и откровенно-чувственного наслаждения жизнью, их отличает цветущая красота и пикантный шарм. Буше активно привлекался к украшению резиденций короля и мадам де Помпадур. Он исполняет росписи плафона в апартаментах королевы в Версальском Дворце ( «Королевские добродетели» ). Ему поручают написание двух картин для галереи Малых Апартаментов в Версале ( «Охота на тигра» , «Охота на крокодила» ). Для апартаментов дофина в Версале Буше была исполнена серия «Легенда об Энее» ( «Вулкан, вручающий Венере оружие для Энея» ). Художник работал также для Королевской библиотеки в Париже. Благодаря влиянию мадам де Помпадур Буше было поручено украшение столовой в Фонтенбло, отделка плафона в кабинете Совета и другие работы. С 1760 г. Буше теряет былую популярность. За несколько месяцев до смерти его избирают почетным членом Петербургской академии художеств. 30 мая 1770 г. Буше скончался.

Вулкан, вручающий Венере оружие для Энея. 1757