ЕВРОПЕЙСКОЕ ИСКУССТВО ПЕРВОЙ ПОЛОВИНЫ ХIX ВЕКА. ОБЩАЯ ХАРАКТЕРИСТИКА
В начале века в архитектуре господствует ампир художественный стиль, созданный во Франции в эпоху установления империи Наполеона Бонапарта. Хронологические рамки стиля Империи небольшие - от конца правления Директории 1799 года до реставрации во Франции власти Бурбонов в 1815 г. Наполеон стремился к тому, чтобы время его правления сравнивали с эпохой Римской империи. Поэтому если классицизм ориентировался на греческую античность, то ампир - на искусство императорского Рима, а после похода в Египет 1798 -1799 гг. на культуру Древнего Египта.
Ампир (фр. empire - империя) стиль в архитектуре, декоративно-прикладном и изобразительном искусстве первой трети XIX в. , завершающая фаза классицизма. Черты стиля: парадное великолепие, ориентация на формы искусства императорского Рима. В отличие от классицизма, ампир строил композицию зданий на контрасте гладкой поверхности стены и узких орнаментальных поясов в местах, подчеркивающих конструкцию. Если для классицизма были характерны мягкие, приглушенные цвета, то для ампира - красные, синие, белые с золотым.
В античности ампир черпал, с одной стороны, монументальность, лаконизм, а с другой - идею утверждения имперского величия через посредство многочисленных атрибутов и символов. Широкое распространение в архитектуре получили массивные портики дорического и тосканского ордера, контрастирующие с гладью стен и геометризмом объемов, поверхность зданий была украшена военной атрибутикой, главным образом римского происхождения (ликторские связки, пучки стрел, легионерские знаки с орлами, доспехи, венки, геральдические орлы и т. п. ).
Пластические особенности древнеегипетского искусства подсказали мастерам ампира активное использование больших нерасчлененных поверхностей стен, геометрическую правильность цельных объемов зданий, массивность пилонов и колонн.
Для ампира характерными стали древнеегипетские орнаменты, изображения сфинксов. Ампир служил возвеличению власти оформлением интерьера, драпировками стен, балдахинами, монументальными кроватями, затканной золотом обивкой мебели, украшенными бронзой массивными зеркалами. Мебельщики создавали кубической формы шкафы, короткие кушетки с высоким, плавно изогнутым изголовьем т. н. “рекамье”, маленькие круглые столы на одной ножке. Излюбленным материалом мебельщиков было красное дерево с бронзовыми накладками.
Великим французским живописцем ампира был Жан Огюст Доминик Энгр (1780 -1867). Ученик Давида, Энгр в 1806 -1824 гг. жил и работал в Италии. Жан Доминик Энгр. В его творчестве нашли свое продолжение профессиональные приемы и некоторые принципы творческого метода его учителя — Давида. Однако то обстоятельство, что художественная деятельность Энгра проходила в иных, изменившихся, общественноисторических условиях, определило принципиальное отличие классицизма Энгра от революционного классицизма Давида.
«Обет Людовика XIII» , Творческий метод Энгра был построен на тщательном изучении классического наследия античности и мастеров Высокого Возрождения. Энгр использует приемы композиционного построения художников Возрождения, особенно Рафаэля и его школы. Он стремится по возможности приблизить образы своих картин к характеру произведений старых мастеров. В то же время Энгр вносит в эти образы спокойную уравновешенность и гармоническое изящество, выраженные в плавном, текучем ритме линий, в мягкой, обобщенной светотеневой моделировке объемов. Поиски пластической красоты, идеальной формы являются главным предметом стремлений художника. «Большая одалиска» (1814),
Ж. О. Д. Энгр «Апофеоз Гомера»
Портреты Ж. О. Д. Энгра В XIX веке личность осознает свою индивидуальную самоценность, но в силу ряда социальных факторов это оборачивается обостренным ощущением раздвоения личного и общественного, которое в результате порождает индивидуализм, изолированность от мира, чуждые восприятию эпохи Возрождения. Люди на портретах XV—XVI веков существуют как часть человечества, персонажи Энгра подчеркнуто обособленны… Они словно отгорожены от остального мира невидимой преградой, их трудно представить в кругу семьи, друзей.
Портрет мадемуазель Ривьер — одно из наиболее прославленных полотен художника. Фигура девушки в белом платье, словно памятник, возвышается на фоне пейзажа. Скульптурная лепка форм, четкая линия силуэта подчеркивают это впечатление. Все средства художественной выразительности направлены на то, чтобы выявить значительность модели. Ж. О. Д. Энгр «Портрет мадемуазель Ривьер»
Портреты Энгра отличает точность наблюдений, глубина психологической характеристики ( «Мадам Девосе» ). Особую роль в творчестве Энгра играл гибкий, линейный рисунок.
Ж. О. Д. Энгр «Портрет Бертена Старшего»
РОМАНТИЗМ «Безумная, пламенная, до крайности возбужденная эпоха» , - определял это время Теофиль Готье. - Все чувства здесь обострены до предела и находятся в непрерывном напряжении, любое переживание мгновенно принимает самые крайние формы и ищет себе обнаженного драматического воплощения, лихорадочные всплески энергии и порывы к действию сменяются безнадежной усталостью и апатией - и все это почти неизбежно окрашено мрачными тонами горечи и пессимизма”. Первыми среди людей всегда будут те, кто сможет создать бессмертные вещи из листка бумаги, полотна, мрамора или звуков”, считал А. де Виньи.
К. Д. Фридрих «Льды» Романтическое искусство характеризуется резким разрывом идеала и действительности. Романтики отчетливо сознавали свое враждебное отношение к стяжательской, мещанской жизни. Находясь в оппозиции к буржуазному обществу, романтики не принимали и служащее ему искусство.
Впервые термин “романтизм” применительно к живописи был применен в некрологе рано умершего художника Теодора Жерико (1791 -1824), создателя таких картин, как “Офицер конных идущий в атаку” (1812), “Раненый кирасир, покидающий поле боя” 1812 -1814 гг.
Тема его картины “Плот Медузы” - гибель пассажирского корабля по вине морского пароходства, отправившего в плавание негодный корабль. Она привлекла широкое внимание общественности, обвинившей в катастрофе политический режим Реставрации.
Эжен Делакруа (1798 -1863) создавал полотна, сюжеты которых типичны для романтизма, отвергающего жизненный материал “низкой” действительности. Делакруа вводит в живопись новые средства реалистического познания мира. 855 картин, больше полутора тысяч акварелей и пастелей, более 6 тысяч рисунков посвящены, как у Бальзака, одной теме: утверждению права нового человека на активное познание жизни, полноту жизневосприятия. Делакруа поновому ставит вопрос о границах искусства, он отстаивает принцип “многообразия прекрасного”.
Первой картиной Делакруа стала — «Ладьи Данте» (1822), выставленной им в Салоне. Впрочем, особого шума (подобного хотя бы тому фурору, что произвел «Плот» Жерико) она не вызвала. Настоящий успех постиг Делакруа через два года, когда в 1824 году, он показал в Салоне свою «Резню на Хиосе» , описывающую ужасы недавней войны Греции за независимость. Бодлер назвал это полотно «жутким гимном року и страданию» . Многие критики также обвинили Делакруа в чрезмерном натурализме. Тем не менее, главная цель была достигнута: молодой художник заявил о себе.
Эстетика романтизма со свойственным ей историзмом мышления отрицала наличие вечного неизменного канона красоты, незыблемость исторических критериев, завещанных античностью.
Последнюю большую картину, которую можно отнести к первому периоду творчества Делакруа, художник посвятил современности. В июле 1830 Париж восстал против монархии Бурбонов. Делакруа симпатизировал восставшим, и это нашло отражение в его «Свободе, ведущей народ» (у нас это произведение известно, также под названием «Свобода на баррикадах» ). Выставленное в Салоне 1831 года, полотно вызвало бурное одобрение публики. Новое правительство купило картину, но при этом немедленно распорядилось снять ее, слишком уж опасным казался ее пафос.
• Весь мир представал в художественном видении романтиков разорванно. С одной стороны, это были унылые серые будни, с другой - уникальные, яркие моменты человеческой жизни. Свойственное художественному сознанию романтиков двоемирие приводило к противопоставлению дня, в котором человек задавлен бременем обыденности, и ночи, когда он понастоящему принадлежит самому себе.
Пейзаж становится одним из самых популярных жанров живописи романтиков, которых привлекает контраст между грандиозностью природы и смятенной душой одинокого человека. Так, Делакруа пишет в своем дневнике: “…я подумал о моем ничтожестве перед лицом этих повисших в пространстве миров”. Излюбленный тип романтического пейзажа сумрачный и бурный, где все находится во власти бунтующих стихий, грозит необратимыми катастрофами. В творчестве романтиков есть немало образов бурной природы, соответствующих смятенности чувств и мятежности духа романтических героев.
Носителями стихии естественной свободы выступали у романтиков животные. Изображения лошадей в картинах Жерико и Делакруа, скульптурах Клодта были одной из любимых тем искусства романтизма.
Неприятие действительности побуждало романтиков к бегству от нее. Восток приобрел для них притягательность мечты. Романтическому ориентализму отдал должное Делакруа в полотнах, написанных в Алжире и Марокко. Делакруа любил Байрона, он написал ряд произведений по мотивам произведений Байрона на восточные мотивы (“Смерть Сарданапала”, “Битва гяура и паши”, “Абидосская невеста”). Э. Делакруа Марроканец седлающий коня. 1855
Романтическая интроспекция отразилась и в портретах Жерико, Делакруа, Рунге. Для них было характерно стремление выявить в человеке внутренний мир. Так, Делакруа пишет Ф. Шопена в состоянии внутренней сосредоточенности, композитор как будто прислушивается к рождающейся внутри музыке. Жизнь человеческого духа преобладает у художника над интересом к чувственной выразительности образа. Э. Делакруа Портрет Ф. Шопена. 1833
Особое место в искусстве романтизма и всего XIX в. занимает творчество испанского художника Франсиско Гойи (1746 -1828). Гойя родился в Фуентодосе, около Сарагосы. Его картины начала 70 -х гг. XVIII в. показывают хорошее овладение традициями барокко, но по этим вещам будущее Гойи предсказать трудно. Благодаря протекции земляка и будущего шурина Байеу, в 1775 г. Гойя получил задание изготовить первые образцы гобеленов для королевской мануфактуры св. Варвары. В 1779 г. он был принят королем Карлом III, в 1780 г. был избран в Академию.
В 1792 г. Гойя перенес тяжелую болезнь, в результате которой он потерял слух. Результатом пережитых потрясений стала большая глубина его искусства. В 1794 г. он писал: “Чтобы занять воображение, подавленное зрелищем моих страданий, и частично покрыть многочисленные, связанные с болезнью расходы, я принялся писать серию картин, в которых много места отведено наблюдениям, что, как правило, невозможно в заказных работах, где негде развернуться ни прихоти, ни фантазии”. Среди этих картин - “Суд инквизиции”.
«Какая жертва» Первое крупное произведение Гойи - серия “Капричос”, в которую включено 80 гравюр, изображающих жизнь Испании. Каждый лист сопровождается названием и комментарием. В облике “ослиного братства” представлены верхи Испании. Гойя использует новую в то время технику акватинты, позволяющей передать богатство оттенков цвета. «Вплоть до третьего поколения»
«Какое мужество!» Вторая серия гравюр названа Гойей “Бедствия войны”, большинство событий, изображенных художником, документальны. Всего в серии 82 листа. Характерны надписи листов серии: “Варвары!”, “Какое мужество!”, “Я видел это”. «Варвары»
Последней серией гравюр стала серия “Деспаратес”, включающая 18 листов. В “Деспаратес” изображены сложные символы, чудовищные образы, монстры, которые сосуществуют с людьми. Гойя в этой серии достигает предельной силы выразительности.
Про мир Гойи французский поэт и художественный критик Шарль Бодлер писал: «Большая заслуга Гойи заключается в правдоподобии созданного им чудовищного мира. Его чудовища родились жизнеспособными. Никто не посмел дальше, чем он, пойти по пути возможного абсурда. Все эти искривленные фигуры, эти зверские лица, эти дьявольские гримасы пронизаны человечностью» .
Скачать презентацию ЕВРОПЕЙСКОЕ ИСКУССТВО ПЕРВОЙ ПОЛОВИНЫ ХIX ВЕКА ОБЩАЯ ХАРАКТЕРИСТИКА
Западная Европа 1 пол. 19 в..ppt