Эрмитаж продолжение 2 Джорджоне Юдифь 1504 год

Эрмитаж (продолжение 2)

Джорджоне. Юдифь. 1504 год

Одно из многочисленных произведений изобразительного искусства на тему истории Юдифи и Олоферна. Согласно книге «Иудифь» , полководец Олоферн, командующий армией Навуходоносора, выполняя его повеление «свершить … отмщение всей земле» , прошёл Месопотамию, разрушил все её города, выжег все посевы и перебил мужчин. Олоферн осадил небольшой город Ветилую, где жила молодая вдова Юдифь. Женщина пробралась в лагерь ассирийцев и соблазнила Олоферна. Когда полководец заснул, Юдифь отсекла ему голову. «Потому что красота её пленила душу его, — меч прошел по шее его!» [6] Войско, оставшееся без руководителя, не смогло противостоять жителям Ветилуи и было рассеяно. Юдифь в качестве трофея получила шатёр Олоферна и всю его утварь и вступила в Ветилую как триумфатор. Выбрав момент, когда убийство уже было совершено, Джорджоне, в отличие от многих художников, обращавшихся к этому библейскому сюжету, создал удивительно умиротворённую[6] картину. Юдифь, держа в правой руке меч, опирается на невысокий парапет. Её левая нога покоится на голове Олоферна. За спиной Юдифи развёртывается гармоничный пейзаж.

Рембрандт. Даная. 1636 - 1647

Молодая обнажённая женщина в постели освещена потоком тёплого солнечного света, падающего через сдвинутый служанкой полог. Женщина приподняла голову над подушкой, протянув правую руку навстречу свету, пытаясь как бы почувствовать его своей ладонью. Её доверчивый взгляд обращён в сторону света, губы чуть приоткрылись в полуулыбке. Спутанная прическа, примятая подушка — всё говорит о том, что ещё минуту назад, раскутавшись в дремотной неге, женщина смотрела сладкие сны в своей роскошной постели. Обнажённое тело молодой женщины привлекает внимание мягкими контурами, игрой света и тени. Беззащитность и мягкость чувствуется во всей её фигуре, которая, несмотря на несоответствие современным канонам, является символом женственности и красоты. В отличие от произведений других художников, на картине отсутствует золотой дождь, символизирующий Зевса, и взгляд Данаи направлен не вверх, как можно было бы ожидать, а в сторону протянутой руки. Руки женщины украшены браслетами, а на левой руке на безымянном пальце надето кольцо, которое может трактоваться как обручальное, хотя это идёт вразрез с сюжетом древнегреческого мифа.

Рембрандт Харменс ван Рейн «Возвращение блудного сына» 1663

«Возвращение блудного сына» — одно из поздних, может быть, одно из последних произведений Рембрандта. Глубоко человечная по содержанию, совершенная по строгости и выразительности формы, эта картина является не только завершением творческого пути художника, но и величайшим шедевром мирового искусства. Евангельская притча о блудном сыне рассказывает о том, как легкомысленный юноша, взяв причитающуюся ему долю отцовского имущества, покинул родной дом в поисках развлечений. Проведя жизнь, полную мытарств и позора, разоренный, оставленный неверными друзьями, он, наконец, решает вернуться в отчий дом, где находит прощение, любовь и отдых.

Запечатлен первый момент свидания. Охваченный раскаянием и стыдом, сын упал перед отцом на колени. Тело юноши прикрыто ветхими лохмотьями, ноги изранены. Маленькой и жалкой выглядит его обритая голова. Он ощутил ласковое прикосновение отцовских немощных рук, в блаженстве прикрыл глаза. . . Отец и сын еще не говорили друг с другом, но для примирения им уже не понадобятся слова. Идея любви к обездоленному и страдающему человеку воплощена в лаконичной и предельно выразительной композиции. В картине доминируют строгие вертикали стоящих фигур, спокойных и величавых. Одеяния отца ниспадают широкими складками, очертания его фигуры полностью включают в себя контуры тела сына, что еще более подчеркивает их неразрывную духовную объединенность и придает группе особую монументальность.

Освещение и колорит картины нерасторжимо связаны. В жарком горении красок, вызванных к жизни светом, фигуры как бы вырастают из темноты, и среди приглушенных зеленовато- и красновато-коричневых тонов окружения, в луче света, наиболее ярко выделяется красный плащ отца. Живопись в картине приобрела широту и свободу. В освещенных местах краска наложена выпукло-шероховато, часто не кистью, а шпателем или даже пальцем. Красочная поверхность, кажущаяся вблизи хаосом разнообразной формы мазков, становится на расстоянии выразительной и сверкающей. Тема возвращения блудного сына давно интересовала Рембрандта. Он неоднократно обращался к ней в офорте и рисунке.

Рембрандт Харменс Фан Рейн «Портрет старика в красном» 1652

Голландский художник Рембрандт по праву занимает одно из первых мест в истории мирового искусства. В своих поздних работах он раскрывает образ человека через призму всей прожитой им жизни. Синтезируя, художник отметает случайное не только во внешнем облике портретируемого, но и в его внутреннем мире: малохарактерные переживания, преходящее душевное состояние. «Портрет старика в красном» — один из лучших среди портретов 1650 -х годов. Человек прошел долгий и нелегкий жизненный путь. На лице — следы забот и тягостных раздумий, лоб изрыт глубокими морщинами, в задумчивом взгляде видна усталость, тяжело покоятся на коленях большие, узловатые руки. Но весь облик старика дышит огромной внутренней силой, духовной мощью. Именно поэтому портрет одно время считали изображением древнегреческого мудреца Зенона. Перед нами умудренный жизненным опытом человек, который вобрал в свою жизнь судьбы многих людей, целых поколений.

Выразительность образа создается чрезвычайно простыми, на первый взгляд, средствами: симметричной постановкой фигуры, обрамленной широким прямоугольником кресла, крупными, свободно падающими складками одежды старика, его внешним спокойствием. Такая лаконичность немало способствует впечатлению монументальности. Но подлинное богатство и гибкость художественного языка Рембрандта раскрываются в живописной манере, в использовании света. Краски положены широкими свободными мазками, густыми в освещенных местах и тонкими, прозрачными в тенях. Свет, попадая на такую красочную поверхность, дробится, изображение кажется окруженным вибрирующей световой и воздушной средой. Лицо старика представляется живым, изменчивым, как бы излучающим свет. Поздние портреты Рембрандта проникнуты трепетом жизни, внешнее спокойствие изображенных бесконечно далеко от неподвижной застылости. Тот же человек, что на эрмитажном полотне, изображен Рембрандтом на портретном этюде 1652 года из Национальной галереи в Лондоне.

Пьер-Огюст Ренуар «Портрет актрисы Жанны Самари» 1877

На парадном портрете кисти Ренуара в полный рост изображена примадонна парижского театра «Комеди Франсез» . Художник написал молодую цветущую женщину в длинном вечернем платье с шлейфом, стоящей в театральном фойе. Стоявший у истоков имперссионизма, Ренуар в этой работе обратился к классическим приемам, строгой композиции. На полотне практически не заметны контуры, отсутствуют светотеневые моделировки формы, характерные для импрессионистов. От новейшей техники художник вернулся к мягким переходам прозрачных пастельных красок, благодаря чему Жанна Самари запечатлена для потомков в столь женственном образе.

В 1877 -1878 годы художник неоднократно изображал актрису, которая жила неподалеку от студии художника, и нередко позировала. Сам Ренуар говорил, что ее кожа «излучает сияние» . До наших дней сохранились три ее портрета, очень разных по стилю, композиции, цветовой палитре. В музее изобразительных искуств им. А. С. Пушкина хранится наиболее импрессионистский по стилю портрет актрисы. Предполагают, чо это подготовительная работа к полнофигурному эрмитажному варианту. Эта кртина была изначально предназначена для ежегодной выставки. Возможно, именно поэтому Ренуар написал столь официальный портрет молодой актрисы. Художник любил писать парижанок, с их лукавством, тонким шармом, изяществом движений.

Поль Сезанн «Берег Марны» 1888

Раннее творчество Поля Сезанна складывалось под влиянием позднеромантической традиции. Его живопись была темной, насыщенной черным цветом. В начале 1860 -х гг. Сезанн приезжает из Экса, своего родного города, в Париж, знакомится с творчеством импрессионистов, в его картинах появляется свежесть цвета, мягкость переходов. Но все же даже в период наибольшей близости с импрессионистами Сезанн отличался от них стремлением к обобщению форм, к плотной скомпонованности пейзажа. Сезанн принадлежал к поколению Ренуара и Клода Моне. Он был близко знаком с импрессионистами, работал с ними бок о бок и некоторое время принимал участие в их выставках. Однако его искусство с самого начала носило иной, не только отличный, но во многом противоположный искусству импрессионистов характер. Зрелое творчество Сезанна относится к тому этапу французской живописи, который историки искусства называют «постимпрессионизмом» . Постимпрессионисты отказываются от простой фиксации световых явлений, от передачи на холсте точных зрительных ощущений. Они стремятся к большему синтезу формы и цвета, желая придать изображению обобщающий характер, выразить представление о мире вообще.

Написанная в зрелый период творчества Сезанна, картина «Берег Марны» появилась на два года позднее «Стога сена» К. Моне, между тем и художественный замысел и живописный строй этого полотна принципиально иные. Пейзаж Сезанна подчеркнуто статичен: почти горизонтальной линии берега реки противопоставлены строгие вертикали дома и деревьев на берегу. Неподвижность пейзажа усиливается тем, что он отражается в зеркальной, словно застывшей, воде. Река кажется застывшей, как зеркало, неподвижными кулисами стоят деревья по берегам. Если у импрессионистов мир порою растворялся в солнечном блеске, в постоянно меняющейся световоздушной атмосфере, то у Сезанна он вновь обретает весомость: в пейзаже подчеркнута структура здания и объемность массы деревьев. Однако природа предстает иной, чем в картинах старых мастеров. Здесь нет иллюзорно написанной листвы. Деревья в картине образуют обобщенную геометризированиую, словно граненую, массу.

Сезанн заимствовал у импрессионистов очищенную от черного цвета палитру. Тем не менее колорит картины темный и холодный: доминируют синие и сине-зеленые тона, их «поддерживают» коричневый и фиолетовый. Вместо добротного «импрессионистического» мазка можно видеть лишь отдельные пятна цвета, составляющие структуру живописного слоя, сквозь который кое-где проглядывает белая грунтовка холста. Большую роль в колористической системе художника играет так называемый «протекающий» цвет, т. е. один и тот же цвет, проступающий в живописи неба и воды, деревьев и почвы. Благодаря этому полотно обретает внутреннее единство, целостность. Сводя пеструю красочность окружающего мира к строго определенным колористическим сочетаниям, обобщая и геометризируя предметные формы, Сезанн отбрасывает все лишнее, случайное, преходящее. Непритязательный мотив с банальной дачной виллой приобретает у него особую одухотворенность. Архитектонично построенный, суровый по цвету пейзаж «Берег Марны» молчаливой торжественностью заставляет вспомнить классические ландшафты Пуссена, чье высоко этическое творчество служило для Сезанна образцом.

Винцент Ван-Гог «Хижины» 1890

В 1886 году молодой голландец Винсент Ван-Гог приехал в Париж. До того как стать художником, он переменил много профессий: занимал незначительную должность в фирме, торгующей картинами, был учителем, священником. В нем жила активная потребность служения людям, которая, в конце концов, привела его к искусству. Первые картины Ван-Гога, посвященные труду и жизни голландских крестьян, отличались темным, мрачным колоритом и грубой, примитивной, хотя и выразительной, формой. В Париже Ван-Гог провел два года. Современное искусство (вначале это импрессионисты, затем Сера, Сезанн и Гоген) оказало решающее воздействие на его живопись. Палитра посветлела, цвет стал активнее, фактура—нервной и динамичной. В начале 1888 года художник уехал на юг Франции, где провел последние три года своей недолгой жизни. Здесь творчество его достигло полного расцвета.

Искусство Ван-Гога глубоко драматично. Что бы он ни писал — портрет, пейзаж или натюрморт, — он вкладывал в картину частицу своей мятущейся души. Громадная сила эмоционального переживания преобразует окружающую художника действительность. Композиция, цвет, сама фактура мазка служат тому, чтобы передать его собственные ощущения. В отличие от мира Сезанна, словно застывшего в кристально-ясной неподвижности, природа в произведениях Ван -Гога находится в состоянии бурного движения: текут реки, растут деревья, даже земля и небо втягиваются в этот безостановочный процесс. «Хижины» созданы в последний год жизни художника. Неистовая красочность предыдущего этапа сменилась более сдержанной цветовой гаммой. В картине нет резких контрастов, она написана в светлых и спокойных голубых, желто-зеленых и оливковых тонах. Единственное яркое пятно—красная черепичная крыша одного из домов да синий цвет неба у верхнего края картины, усиленный художником до пронзительного ультрамарина.

Но эта сдержанность колорита сочетается в «Хижинах» с бурной динамикой композиции, живописной трансформацией предметного мира, неистовым темпераментом исполнения. Экспрессия буквально пронизывает все полотно. Клубятся облака, свивается в кольца белый дым, поднимающийся из трубы, жгутами скручивается зелень деревьев и кустарника. В картине Ван-Гога нет ни одной прямой линии. Движение приобретает всеохватывающий и всепоглощающий характер. Гряда облаков, далекий край холма, линия высоких кровель ниспадающими кривыми пересекают плоскость картины, усиливаясь в своей стремительности, по мере приближения к переднему краю. А здесь сама почва, волнистая, словно бурное море, обрушивается на пространство переднего плана потоком тяжелых, густых, пастозно-рельефных мазков. Ни один живописец не сравнится с Ван-Гогом в смелости, с которой он претворяет субъективные чувства в трагедию космического масштаба.

Никола Пуссен. Пейзаж с Полифемом. Около 1649

В греческой мифологии Полифем — страшный и кровожадный великан с одним глазом, над безобразием которого смеются все девушки. Он живет в пещере, где у него сложен очаг, доит коз, делает творог, питается сырым мясом. Сюжетом картины Н. Пуссен избирает поэтическое изложение мифа о Полифеме по мотивам «Матаморфоз» Овидия, где одноглазый гигант олицетворяет собой разрушительные силы природы. Миф о Полифеме и Галатее был популярен в европейской живописи конца XVI — начала XVII веков. На нем останавливали свое внимание как предшественники Н. Пуссена, так и его современники, выбирая из него различные эпизоды для своих произведений. Например, А. Карраччи для своего полотна избрал тему любовного страдания гиганта, поэтому на своей картине изобразил титанически мощные тела. А для Клода Лоррена, как и для Н. Пуссена, в стихах Овидия заключена прелесть поэтического осмысления природы, и он тоже старается передать свое лирическое мироощущение. На переднем плане своей картины он помещает шатер, в котором укрылись Галатея со своим возлюбленным Ацисом, а ревнивый циклоп, грозящий разрушить их счастье, помещен вдали.

У Н. Пуссена центральное место занимает могучая фигура Полифема. Влюбившись в морскую нимфу Галатею, он слагает в ее честь песни, моля нимфу о любви. Укрощенный возвышенным чувством, этот гигант перестает крушить скалы, ломать деревья, топтать посевы и топить корабли. Забравшись на прибрежные скалы и положив у ног сосну, которая служила ему посохом, Полифем заиграл на своей стогласой свирели. И она, издававшая до сих пор лишь дикие, пугающие звуки, запела пленительную песнь любви. Заслушались Полифема нимфы гор, лесов и рек, веселые и проказливые сатиры, а пахари даже оставили свои полевые работы. Как завороженные, стоят скалы, застыли деревья и облака, вся природа успокоилась, в ней воцарились мир, гармония и порядок. Именно в этом и заключается философское содержание «Пейзажа с Полифемом» , Н. Пуссен и хотел показать Природу, в которой разумное начало заступило на место хаоса и бурного разгула стихийных сил природы. Ни в каком другом произведении художника с такой силой не ощущается пантеистическая вера древних в то, что мертвой природы нет, что вся она — дух и божество, носительница прекрасного разума.

В «Пейзаже с Полифемом» изображен мир пепельно-зеленых лесов, в которых скрываются дриады; неподвижных скал, где прячутся пугливые ореады; мир кристально чистых ручьев, где на берегах резвятся наяды, тела и одежда которых переливаются голубоватыми отблесками водных струй. Но «Пейзаж с Полифемом» — это не передача античного мифа, не иллюстрация к «Метаморфозам» Овидия. Античный миф навеял художнику лишь замысел произведения, а главным стало изображение Природы. Высокие, изрезанные уступами скалы окружены густым кустарником и могучими деревьями. За их широко раскинувшимися ветвями расстилается простор далекого моря. На скале, как бы возникая из нее и одновременно сливаясь с нею, вырастает могучая фигура Полифема, играющего на свирели песню, полную страстной мольбы и покорной нежности. Необычайно прозрачна зеркальная гладь ручья, протекающего у ног речного бога и нимф, через нее ясно видны камни на песчаном дне. Единая плавная линия охватывает могучие скалы и деревья, все пространство передано Н. Пуссеном ясными, легко обозримыми планами. Они уводят взгляд зрителя до самого моря, как бы погружают его в широкие и необъятные дали. Колорит картины построен на строгом сочетании зеленого и голубого цветов — цвета зелени и воздуха, господствующих в Природе. Искусно соединяя их с теплым коричневым цветом скал и розовым цветом обнаженных тел, Н. Пуссен достигает особой выразительности красочного решения всего полотна. Картина «Пейзаж с Полифемом» была написана по заказу лионского банкира де Пуантель, друга и покровителя Н. Пуссена, но время ее создания точно не установлено. Э. Блант полагает, что полотно было создано в 1655 году, Д. Мэхон считает, что в 1659 году — в самый поздний период творчества художника. В XVIII веке, когда русская императрица Екатерина II положила начало государственному собирательству, эта картина (в числе других) была приобретена по ее указанию французским философом Дени Дидро.