Американская музыка ХХ века Чарльз Айвз

Американская музыка ХХ века

Чарльз Айвз • 1874 -1954 американский композитор. • Ученик Х. Паркера. В 1889 -1902 работал органистом в различных церквах. В 1907 -29 руководил страховым агентством в Нью-Йорке, занимаясь композицией в свободное время. В своём творчестве испытал влияние философии трансцендентализма Р. У. Эмерсона и Г. Д. Торо. • Выработал своеобразный композиторский стиль, независимый от европейских традиций. Обращаясь к мелодиям американских песен и гимнов, сумел создать оригинальный синтез особенностей популярной и проф. музыки, сплав контрастных элементов неоднородной американской культуры. Использовал новаторские приёмы, многие из которых предвосхитили искания композиторов Западной Европы, в т. ч. – четвертитоновую систему, серийную технику; применял политональность и полиритмию, алеаторику, коллаж и мн. др.

Чарльз Айвз • Один из основоположников современной американской композиторской школы. • Автор шести симфоний (шестая, «Всемирная» , 1915— 1928, не была завершена), двух струнных квартетов, сборника « 114 песен» (1922) и др. • Музыка Айвза, разрабатывавшего американские фольклорные и популярные мотивы, но при этом склонного к эксперименту, при его жизни исполнялась редко. • Ситуация начала меняться лишь в 1940 -х годах, когда Айвз получил высокую оценку Арнольда Шёнберга, стал лауреатом Пулитцеровской премии (1947). В 1951 премьерой Второй симфонии Айвза (1907— 1909) продирижировал Леонард Бернстайн. • В настоящее время Айвз признан одним из наиболее значительных композиторов США. • В честь Айвза назван кратер на Меркурии.

Вопрос, оставшийся без ответа • «Две верхние строки флейтового квартета исполняются непременно двумя флейтами, а нижние могут быть исполнены также гобоем и кларнетом. Партию трубы можно играть на английском рожке, гобое или кларнете, если они не заняты в «ответах» . Струнный квартет (или оркестр) con sordini размещается за сценой или, по крайней мере, на каком-то расстоянии от трубы и флейт. Труба должна играть с сурдиной, исключая те случаи, когда зал слишком велик или увеличен состав струнных. Если есть контрабас, он дублирует партию виолончели.

Вопрос, оставшийся без ответа • Струнные играют все время рр, без изменений в темпе – они выражают «молчание друидов, которые ничего не знают, ничего не видят и ничего не слышат» . Труба интонирует «вечный вопрос существования» который каждый раз звучит совершенно одинаково. Но поиски «неведомого ответа» , которые ведут флейты, подобно человеческим существам постепенно активизируются (возрастают темп и сила звука), доходя через agitando до con fuoco.

Вопрос, оставшийся без ответа • Флейтам нет необходимости играть строго в указанных временных пропорциях: их партии несколько импровизационны. Если нет дирижера, его роль берт на себя один из флейтистов. • Флейты заканчивают свою партию приблизительно там, где указано в партитуре, во всяком случае труба не должна играть «последний вопрос» , пока «молчание» у струнных не продлится один-два такта. После того, как труба прозвучит, струнные выдерживают свой последний аккорд на протяжении еще примерно двух тактов. Если струнные подошли к своему последнему аккорду раньше, чем труба начнет «последний вопрос» , они выдерживают его до конца пьесы.

Вопрос, оставшийся без ответа • Может случиться, что струнные не будут слышны во время некоторых громких пассажей флейт, это не столь важно. «Ответы» могут следовать за вопросами и раньше, чем это указано в партитуре, но на «вопросах» это не должно отражаться. Если играет большой струнный оркестр, можно использовать полный набор высоких деревянных духовых – по усмотрению дирижера, но при любых условиях должна быть только 1 труба» .

Вопрос, оставшийся без ответа • Стилистическая характерность каждого из трех пластов фактуры «Вопроса, оставшегося без ответа» (струнные – величавость хорала, духовые – конвульсивность свободной атональности, труба перелет от романтического лейтмотива к будущей микросерии звуков из неповторяющихся звуков), их коренные отличия по внутренней организации – позволяют говорить и о близости к принципам полистики, относящей нас к постмодернизму конца ХХ века.

Вопрос, оставшийся без ответа • «Вопрос, оставшийся без ответа» вполне можно причислить к жанру, называемому сегодня инструментальным театром. Здесь есть его важнейшие типические признаки: персонификация тембров, продуманная и наделенная особым смыслом сценография. • При каждом исполнении данной пьесы будет возникать версия, заметно отличающаяся от других, поскольку автором предусмотрена ансамблевая вариативность, рассчитанная на интуицию и инициативу музыкантов. Иными словами, перед нами весьма непростой образец алеаторики.

Вопрос, оставшийся без ответа Пространство сделано в данном произведении важнейшим фактором драматургии, еще одним подчиненным воле композитора измерением музыкальной ткани, что в дальнейшем будут называть «пространственная композиция» (Когоутек Ц. Техника композиции ХХ в. ) Наличие в тексте двух последовательно выдержанных прогрессий (динамической и темповой) – свидетельство намеренного внесения композитором особых принципов организации в область так называемых «неспецифических» музыкальных средств. Полвека спустя это назовут техникой квантитативных рядов.

Джордж Гершвин (26. 09. 1898 - 11. 07. 1937) - американский композитор. Родители Гершвина в конце XIX столетия эмигрировали в США из России. в 1928 году жил в Париже, где общение с выдающимися французскими музыкантами благотворно отразилось на его творчестве. 16 лет Гершвин поступает пианистом в музыкальное издательство песен; здесь, играя покупателям всевозможные мелодии, он начинает пробовать свои силы как композитор. В 1919 году с успехом была поставлена музыкальная комедия Гершвина "Доброе утро, судья", за которой последовали другие комедии и музыкальные обозрения; к лучшим из них относится "О тебе я пою» (в 1932 году отмечена премией Пулитцера).

С появлением звукового кино Гершвин пишет музыку к нескольким фильмам, мелодичные песни из которых приобретают большую популярность. В 1924 году по предложению дирижера симфонического джаз-оркестра П. Уайтмена Гершвин сочиняет для него "Рапсодию в стиле блюз" с солирующим фортепьяно. В этом симфоническом произведении композитор претворяет и приемы джаза. Подобная черта характерна и для последующих произведений Гершвина; таковы его концерт для фортепьяно с оркестром фа мажор (1925), пьесы для оркестра - "Американец в Париже" (1928), "Рапсодия № 2" (1931), "Кубинская увертюра" (1934). В 1935 году в Нью-Йорке была впервые поставлена опера Гершвина "Порги и Бесс" на сюжет из жизни негритянской бедноты. Широкое распространение, особенно в США, получили лирические песни композитора (свыше 300). Творчество Гершвина отличается большой эмоциональностью, оригинальным мелодическим, гармоническим и ритмическим языком, обогащенным народными мотивами негритянских песен.

Рапсодия в стиле блюз • В американской музыке «Блюзовая рапсодия» Гершвина занимает особое место. Для Америки 20 -х годов Расподия Гершвина символизировала важный этап становления джаза в качестве серьезной музыки. Тем самым она означала возможность для американской музыки стать вровень с европейскими национальными профессиональными школами. • Вечер премьеры, 12 февраля 1924 года, стал самой знаменательной датой биографии Гершвина. Он играл партию солирующего рояля - рапсодия по жанру своему приближается к фортепианному концерту.

Рапсодия в стиле блюз • Музыкальный материал рапсодии неотделим от классических образов, созданных Голливудом и предопределивших развитие культуры ХХ века. • Джаз стал ярчайшим символом своей эпохи, не просто американским, как в начале века, а общеевропейским. И в связи с успехом рапсодии Гершвина количество произведений подобного рода значительно возросло • (Второй концерт для фортепиано (1930) М. Равеля, Фортепианный концерт (1931) Дж. Гершвина, Концерт для оркестра (1943) Белы Бартока, Концерт для кларнета, струнного оркестра, арфы и фортепиано (1948) Аарона Копланда, Концерт для клавесина и камерного оркестра (1952) Франка Мартена, Концерт для трубы и струнного оркестра (1954) Андре Жоливе, Концерт-буфф (1964) Сергея Слонимского). • Подобные сочинения называются квазиджазовая музыка.

"Живет только такая музыка, которая обладает либо свойствами общечеловеческого искусства, либо фольклора" Яков Гершович

"Джордж Гершвин - выдающийся американский композитор. Он не стоял в стороне от жизни, не замыкался в «башню из звуков» . О чем рассказывает его музыка? О простых людях, об их радостях и горестях, об их любви, об их жизни. Вот почему его музыка по-настоящему национальна, несмотря на оригинальность и необычность форм" Дмитрий Шостакович

Джордж Гершвин. Автопортрет.

Джордж Гершвин работает над портретом…

Джон Кейдж • (1912 -1992), композитор, пианист, представитель американского музыкального авангарда. Ученик А. Шёнберга, Г. Кауэлла. Создавал электронную музыку, конкретную музыку ( «Птичья клетка» для 12 магнитофонных лент, 1972), произведения для так называемого препарированного (подготовленного) фортепиано (Концерт для фортепиано с оркестром, 1951); использовал алеаторику. В сочинениях - влияние дзэн-буддизма, древнекитайских учений (4 тетради фортепианных пьес «Музыка перемен» , 1951, по «Ицзин» ). Писал труды по современной музыке, музыкальной эстетике. • В 1989 г. Калифорнийский институт присудил Джону Кейджу степень «Доктора всех наук» .

B творчестве Кейджа-новатора существует ряд областей, стилевых направлений и техник, которые композитор осваивал на пути своей духовной эволюции и осуществления художественно-эстетической концепции; к ним относятся: • радио-музыка со звуковыми эффектами (30 -е годы), • • музыка для препарированного рояля и ударных инструментов (30 -40 -е), алеаторика или, как ее называет автор и исследователи его творчества, - музыка случайностей, написанная c использованием случайных действий (50 -е), • музыка тишины, неопределенность как принцип композиции, • театральная музыка и произведения, записанные на пленке (50 -е), • конкретная музыка или музыка окружающей среды (60 -е), • графическая музыка и произведения, отвечающие идее ``все, что мы делаем -музыка" (70 -е) • область числовых композиций (80 -е годы).

Джон Кейдж В 1938 случилось выдающееся событие не только в жизни Кейджа, но и всей музыки ХХ века: изобретение Кейджем препарированного рояля. Когда струны инструмента подготавливаются при помощи различных предметов: скрепок, обрывков твёрдой ткани, шурупов, ластиков, газеты, специальных насадок и т. п. , в результате чего монотембровый рояль расцвечивается разнообразными красками и звучание его приобретает богатый почти оркестровый колорит. Это была революция в области музыкального инструментария и тембра, предвещающая сонорику Второго авангарда.

• В его сочинениях 60 -70 -х годов практически исчезают соотношения автор-исполнитель, субъект-объект, статикадинамика, случайность-закономерность, главное-побочное, искусственное-естественное. Отсутствует разделение начала, середины, завершения. Сплошь некая процессуальность, в которой то там, то здесь возникают множественные и беспричинные Нечто, как знаки бесконечного и абсолютного Ничто. • Кейджу обязаны своим творческим становлением сразу несколько поколений американских композиторов. Среди них такие яркие фигуры музыкального авангарда США, как М. Фелдман, Э. Браун, В. Крисчен, К. Лауэлл, Х. Дик, К. Эндрю… • К «ученикам» Кейджа можно отнести и ведущих композиторовминималистов: Т. Райли, С. Райха или Ф. Гласса, чью репетитивную технику и технику «паттернов» Кейдж частично предвосхитил в ряде своих опусов.

Джон Кейдж • Кульминацией периода экспериментов Кейджа стало знаменитое "4'33" для фортепиано" (1952). • Тишина на сцене в течение четырех минут и тридцати трех секунд, создает пространство, в котором возможны любые звуковые явления – проезжающие машины, случайное покашливание публики, звуки собственного сердцебиения. • Такое явление тишины в музыке до сих пор остается загадкой и одновременно выдающимся открытием композитора.

4’ 33 http: //rutube. ru/tracks/ 1235400. html? v=0513 1 f 35410 c 619 c 0016091 0 ccf 44 f 4 b

Джон Кейдж первая стадия «Экая чушь!» , вторая стадия «А в этом что-то есть…» , третья стадия «Ну кто же этого не знает? !» , четвертая стадия [с придыханием] «Наше всё!!!»

…Мысль изречённая есть ложь… Ф. И Тютчев

Аарон Копленд (1900 -1990) американский композитор, пианист, дирижёр и педагог. В крупных и наиболее значительных произведениях стремится воспроизвести национальные черты американской жизни, использует латиноамериканские темы. В ранних произведениях близок к неоклассической школе И. Ф. Стравинского, затем обращается к использованию джазовых ритмов, позднее — 12 -тоновой системе. Среди сочинений — опера "Ласковая земля" (1954), балеты "Родео" (1942) и "Аппалачская весна" (1944), 3 симфонии (1928, 1933, 1946), концерты, инструментальные ансамбли, хоры, музыка для театра, кино и радио. Автор литературных работ о музыке, в том числе о новом музыкальном искусстве.

Другие важные композиторы Америки • «Американская пятерка» , или «Четверо в лодке, не считая Айвза» • Три поколения композиторов, вошедших в группу знаменитой «Американской Пятерки» это – Чарльз Айвз и Карл Рагглс (1870 -ые), Уоллингфорд Риггер и Джон Беккер (1880 -ые), и самый молодой в группе – Генри Кауэлл (1897 г. р. )