А в воздухе жила непонятая фраза Рожденная душой

А в воздухе жила непонятая фраза, Рожденная душой в мучении экстаза, Чтоб чистые сердца в ней пили благодать… И страшно было мне, и жутко увидать, Как над улыбками спускаются вуали И пальцы нежные цветы богов роняли…

Евгений Кропивницкий 1893 -1979 гг. Мойка окон Автопортрет

Родился в семье железнодорожного служащего, интересовавшейся музыкой и литературой. Его отец писал прозу и печатался в тогдашней периодике, мать сочиняла детские стихи, также публиковавшиеся в периодических изданиях. В 1911 году окончил Императорское Строгановское художественное училище со званием «ученый-рисовальщик» . В 1912 — 1920 годах жил в Москве, работал в театрах оформителем и гримером, учился в университете Шанявского на факультете истории. В 1920 — 1923 годах жил и работал в городах Севера, Урала, Сибири. С 1923 года жил под Москвой, с 1934 года — в бараке на станции Долгопрудная, последние годы жизни в Москве. Работал учителем рисования, преподавал в народных студиях, кружках. В 1910 -х годах занимался композиторским творчеством, написанные им оперные сцены «Кирибеевич» были положительно оценены Александром Глазуновым. Позже, из-за бытовых условий, не позволявших держать дома фортепиано, занятия музыкой прекратил. Как художник в 1920 -х годах был близок к живописцам группы «Бубновый валет» , писал крупноформатные полотна (не сохранились).

Евгений Кропивницкий

Евгений Леонидович писал стихи с юности и до последнего года жизни, писал о том, что видел вокруг себя, осмысливал увиденное. Казалось, каждое жизненное впечатление отражалось в его обычно коротких стихотворениях — и за десятилетия это сложилось в панораму жизни городского предместья, более всего — Долгопрудного. Скромная подмосковная природа, очеловеченная и затоптанная людьми; гримасы быта — пьянки, семейные ссоры, драки, женское соперничество… Вот классическое произведение: Подвела часы и брови И отправилась гулять. Обомлела от любови — Влюблена ни дать ни взять. У него такое место: В пиво влил воды — барыш. Я его теперь невеста, А его Маруське — шиш.

Евгений Леонидович писал: «Жизнь, реальная жизнь мне кажется романтичнее романтизма, волшебнее волшебства. Мне кажется, что жизнь — стоящая вещь, чтобы отдать ей свою поэзию… Я работал над грубой глиной жизни. В повседневности я искал вечное через натуру. Из грубого сделал изящное и изысканное. Из банального оригинальное. Разве это не волшебство? » (из письма 1948 года).

Лев Кропивницкий (1922 -1994) Голгофа. 1989

Лев Кропивницкий Бык и дева Исчезновение траектории

Валентина Кропивницкая Розы и татарник 1981 Мотив 1976

Валентина Кропивницкая в сравнении с Оскаром и Александром Рабиными несколько монотонна и однообразна. Каждая ее работа – часть одного большого полотна, повествующего о сказочной жизни какого-то заброшенного континента. Или даже целой планеты. Эти континент или планета не населены собаками и кошками, как у Оскара Рабина. Ими владеют чудесные, человекоподобные существа с мордочками оленей. Они сидят на берегу рек, обхватив руками колени, играют на дудочках, прячутся в лопухах, заглядывают в опустевшие дома. Так можно было бы в лучшие времена иллюстрировать «Улитку на склоне» братьев Стругацких или же «Необъятный двор» Клиффорда Саймака.

В. Кропивницкая Дом и сарайчик на берегу реки 1986 год.

Оскар Рабин род. в 1928 г. . Паспорт 1972. Холст, масло.

Оскар Рабин ищет выразительность и красоту в самых обыденных предметах, которые использует в своих произведениях. Стремление к эстетизации бытовой вещи становится одним из важнейших художественных принципов творчества Рабина.

О С К А Р Р А Б И Н Неправда

Поэт Игорь Холин писал: «Рыбины Рабина, рыбины Рабина. . . » . Но они более эмоциональны и метафоричны. Довольно рано у Рабина сложился свой круг предметов-символов: бараки, «голые» электрические лампочки, селедки и водочные бутылки, денежные монеты и купюры, газеты, странички паспорта… Как правило, все они родились в России, где жизнь, по словам Рабина, полная недоговоренностей и условностей, сама становилась «символом» и порождала несметное количество всяких «говорящих символов» . Четко выраженная знаковость, метафоричность сочетаются у Рабина с напряженным, беспокойным колоритом, усиливающим драматические интонации его произведений.

Оскар Рабин Разбитые яйца. 2003

Живописная система, ставшая ключевой в творчестве Рабина, — это слияние жанровых структур в духе экстерьерных натюрмортов, пейзажных интерьеров, с включением портрета и анималистики. Один жанр проникает в другой, «образ входит в образ» . Все это становится ведущим принципом сюжетнокомпозиционного развития картин художника.

Оскар Рабин Русский крест?

Большая часть пейзажей Рабина – не просто изображение какого-либо конкретного места, а впечатления от «переживаемого» , итог художественного восприятия живописца. Даже в таком традиционно-натурном жанре, как натюрморт, предметы интересуют художника не столько своими видимыми, «зримыми» качествами, сколько своей семантикой. Многослойная образная структура рабинских натюрмортов возбуждает ассоциативность мышления и напрямую обращена к интеллекту зрителя. Вместе с тем художник отмечает и пластику формы, и красоту фактуры, и живописность предметов.

Барак в Лианозово Церковь в Овере

Оскар Рабин

Связь живописного изображения со словом — обрывками газетных текстов, наклейками, надписями - «подлинными документами» позволяет автору сделать повествование острее и достовернее. В какой-то степени живопись Рабина обладает одновременно и силой документа и большой эмоциональной напряженностью художественной выразительности. Это — «художественный документ» эпохи, своеобразное мемуарное произведение, отражающее дух времени. Можно утверждать, что Рабин создал собственную поэтику. Он нашел свою тему, форму, своих героев. Его картины легко и безошибочно узнаваемы.

Александр Рабин 1951 - 1994 гг. Если вы в знаменитой нью-йоркской галерее Мими Фёрст пройдётесь вдоль стен, увешанных необычными, тревожащими душу картинами Рабина, пройдётесь медленно (спешить вам не позволит нечто вне вас), то вам станут ясны и громадный талант художника, и его обречённость. Господи, какая живопись! Полная света и тоски, поэзии и душевной боли, неслышной музыки и грозных предчувствий. Какое лицо – красивого, умного, доброго, мужественного, интеллигентного человека: выставка открывается серией фотографий его и родителей - прославленных мастеров Второго русского авангарда Оскара Рабина и Валентины Кропивницкой.

Александр Рабин Зеленая вода 1994 год

Эмоционально отображал Александр Рабин свой беспокойный внутренний мир. В тумане, в смоге, в зеленоватых тонах его «Беседа» , его «Треугольники» , его «Безвременье» . Мхом поросшие дюны, мхом поросшие души. Безнадёжность. И шедевр – «Натюрморт с кистями» . Надежда не умирает. Англия увидена была художником так: тяжёлый купол Вестминстерского аббатства, почти наплывающий на него корабль, Биг Бен, склонившийся наподобие Пизанской башни, колышущиеся без ветра домишки, в которых ютится простой люд. Он так и назвал картину – «Англия, Angleterre» . И я невольно, по аналогии, вспомнила, как писал Маяковский на смерть Есенина: «Были бы чернила в Энглетере. . . » Вся семья и пара гостей сидели за столом в парижской квартире Рабиных. Саша встал и вышел на балкон. Крик. Удар тела об асфальт. Роковая случайность или. . . Почему? Этого мы уже не узнаем. Невероятно жаль. Бесконечно талантливый художник. Его картины вас поразят.

Анатолий Зверев 1931 -1986 Автопортрет Кентавр (по мотивам «Золотого осла» Апулея)

«Каждый мазок кисти - сокровище. Художники подобного масштаба рождаются раз в сто лет» . Эти слова принадлежат известному русскому художнику Роберту Фальку, сказанные им после того, как он увидел работы Зверева у меня дома, в Москве, в 1958 году. «Директор Нью-Йоркского музея современного искусства Рене Д'Арнонкур и бывший директор музея Альфред Барр, которые были у меня в предыдущем году, самым высоким образом оценили творческую деятельность Зверева, выделяя его особо из группы молодых художников послесталинского периода, чьи работы были выставлены у меня. Именно тогда они приобрели несколько его работ для музея» - написал Георгий Костаки, известный коллекционер русского авангарда.

Анатолий Зверев

Когда его творческий гений был в полном расцвете, его работа, по мнению некоторых западных критиков, могла идти в сравнение лишь с работами Матисса или Пикассо. Его гуаши и акварели 1957 года я обычно относил к «мраморному» периоду. Это был период, когда художника не сильно волновали «чистые» цвета, и смешивал он акварели не на палитре, а в блюдце, где краски, перемешиваясь друг с другом, образовывали привлекательную поверхность, похожую на мрамор. Напрочь отсутствовали чисто красные, голубые и желтые цвета, а из-под кисти спонтанных штрихов Зверева проглядывала сияющая коллекция драгоценных камней. Альтернативой служил громадный металлический таз для кипячения воды с кистью, которая постоянно плавала в нем; кисть макалась поочередно в разные слои гуаши. Скорость мазков кисти перемежалась и напоминала палочки в руках барабанщика; капли гуаши разлетались вокруг, забрызгивая обои. Когда высыхала гуашь и в портрете угадывался образ модели, трудно было представить , что портрет был создан подобным образом.

Анатолий Зверев Женский портрет Портрет О. Асеевой Дерево

Посмотрите вот на этот портрет молодой женщины можно ли догадаться , что картину, начатую красками, уже пришлось завершать. . . зубным порошком? И при такой скудости средств поразительное совершенство техники. Талант у Анатолия был, как говорится от Бога. Художественной школы он не закончил - с учителями спорил , искал свое. Ранние картины Зверева позволяют, на мой взгляд, утверждать , что именно он был родоначальником ташизма-той разновидности абстрактного искусства, в которой экспрессия достигается свободными мазками и пятнами. Однако официально приоритет в этом направлении отдается американцу Поллоку, французу Сулажу, голландцу Аппелу.

Анатолий Зверев Натюрморт. 1981

Пейзажные акварели Зверева того времени - это световые потоки первозданных колористических ощущений, выполненных едва заметным касанием кисти. Модуляция образа не агрессивна. На белом пространстве листа в духе мастеров древнего Китая означены следы собственного присутствия. Рисунки зверей и птиц говорят о безукоризненной чистоте спонтанного жеста артиста. • По степени свободы, остроте ракурса, минимальности линий и капель, оставленных на листе бумаги, их можно было сравнить лишь с графикой великих французов - Матисса и Пикассо. В пространство его картин в 60 -е годы войдет световое поле, но не как чисто декоративный момент, а как свидетельство странного, неожиданно явившегося лирического покоя. И до конца своих дней художник не утратит целомудренного отношения к природе, к животным, видимо, неосознанно сохраняя свою детскую привязанность к образу «коня» , глубоко укорененному в русской иконописной и фольклорной символике.

Олег Целков Курильщик Со стрекозами

Олегу Целк`ову, как и многим, «предложение» уехать поступило от советских властей. Первой реакцией, как он говорит, было возмущение. А потом сказал себе: «Беги же, не будь дураком! Вонючую кость на «ихней» помойке ты найдешь везде!» . И в 1977 -м уехал в Париж, чтобы пополнить там ряды русских художников. «Лицо» у Целкова уже было. Узнаваемое – не ошибешься. Он его придумал в 1960 -м. Лицо, которое получилось тогда на холсте, поразило автора. В нем почти не было человеческого с большой буквы. Только с маленькой – сырое мясо, подсвеченное изнутри жизнью, почти что глина, еще не получившая образа и подобия, но уже имеющая глаза, нос, рот и уши.

Олег Целков

Автор вступительной статьи в каталоге Целкова называет их просто мордами. Их-то и рисует с тех пор художник. Сорок четыре года бесконечных морд. Иногда морды обретают тела, такие же – из сырой глины. Частенько в изображение вводится еще какой-нибудь предмет, чаще всего нож, яблоко, кошка, стрекоза. Второе, что производит впечатление, – размеры. По репродукциям невозможно себе представить, что площадь изображения, имеющего так мало деталей и нюансов поверхности, может достигать десяти квадратных метров. Гигантские полотна, каждое из которых выполнено в монохромной гамме какого-нибудь спектрального цвета – красный, синий, фиолетовый. . .

Олег Целков Мужчина с лимоном

Дмитрий Стрижов

Д. Стрижов, как он сам говорит, двенадцать лет учился реализму, а происходило это в ленинградскопетербургских декорациях, т. е. обстановке вполне метафизической, что и стимулировало поиск необходимого баланса. Наиболее очевидно сходство выдуманного этноса Стрижова с мифологией Олега Целкова. Его живопись многослойна, хотя европеоидная внешность картин, их цветовое изобилие способны спрятать архаичное, языческое основание. Персонажи Стрижова разъяты на смысловые части – голова, корнеподобные руки и редко возникающие ноги, живущие отдельной энергичной жизнью. Головы, схожие лаконизмом с языческим идолом или солярным ликом, необходимы как знаки лиц, чей психологизм отдан цветовым пространствам.

Необходимо назвать метод, позволяющий Стрижову наслаивать красочные и содержательные составляющие, – это коллаж, самая популярная техника и одновременно наиболее продуктивный способ мышления за последнее художественное столетие. Все же, несмотря на акцентированную декоративность и позитивную (как принято говорить) гамму, фабула картин сохраняет в себе неразрешимые вопросы существования, драматизм повседневного, свойственный для критического взгляда творческой личности.

Владимир Вейсберг Сын профессионального психолога, он постоянно анализировал творческий процесс, стремясь объединить в своих произведениях два типа мышления, художественный и рациональный. В своих знаменитых «метафизических натюрмортах» художник использовал «школьный» набор простых геометрических форм, которые буквально растворяются в бесконечно игре тонких валеров белого – всеобъемлющего цвета, к которому стремился мастер. Предметы и фон картины у Вейсберга представляют собой единую гармоничную живописную субстанцию, а обнаженные женщины, тающие в белом тумане, выглядят не менее эффектно, чем мраморные античные богини.

№ 5 7 колонн № 5

№ 16

Без названия

Дмитрий Краснопевцев Автопортрет Ваза на привязи

Зритель Краснопевцева не смотрит на картину, а созерцает ее. В ней заключено неведомое постижение, своеобразное восприятие метафизического течения Времени и еще нечто, притягивающее к ней.

Дмитрий Краснопевцев

Искусство есть упорядоченное чего бы то ни было. В каком бы обществе, в каком государстве ты ни жил, там есть еще и свой порядок. Не просто порядок, что называется порядком в любых областях жизни, там есть еще и художественный порядок. Это близко, но это не одно и то же. А художественный порядок и гармония — одно и то же. Можно поставить знак равенства между тем и другим. Д. Краснопевцев

Дмитрий Краснопевцев

Цвет моих картин монохромный. Яркие цвета не архитектоничны, не так скульптурны. Они берут на себя очень много сами по себе. Монохромность подчеркивает композицию объемов, предметов, самого построения. Цвет в архитектуре деконструирует, скрывает конструкцию общего. Ну представьте себе, если говорить о русских храмах, шедевр своего рода — церковь Вознесения в Коломенском. Для меня она более гармонична, чем собор Василия Блаженного. Благодаря пестроте он менее конструктивен, менее архитектурен, а мне интереснее конструкция, чем декоративное начало.

Дмитрий Краснопевцев Натюрморт. 1970

Дмитрий Краснопевцев Бутылки Дж. Моранди Метафизический натюрморт

Джорджо Моранди Натюрморт 1940

Меня часто спрашивают, почему мои работы так созвучны времени. Я не могу на этот вопрос ничего ответить, абсолютно ни слова. Может быть… у меня есть маленькое подозрение: очень шумно, повсюду очень шумно, а мое стремление — делать что-то тихое. Каким бы любителем джаза или рока ни был человек, ему иногда хочется выключить все и немного отдохнуть от шума. Думаю, он стремится к тишине и покою так же, как и автор.

Дмитрий Краснопевцев

Михаил Шемякин Философ

Имя художника Михаила Шемякина хорошо известно в России. Он родился в Москве. Со школьной скамьи у Михаила не заладились отношения с блюстителями социалистического порядка. Можно сказать сейчас, что они первыми почуяли в Шемякине большой талант. Такая сложилась тогда мрачная традиция преследовать людей за прогрессивные взгляды. Тогда учитель донес на Михаила, что он носит в портфеле копии икон знаменитого распятия Грюневальда. Мальчика вызвали аж в КГБ, потому что он имел при себе много, как они выражались, «болезненного» материала. Друзей Михаила, которые жили в интернате, определили на шесть месяцев в «психушку» , а его, видимо учитывая заслуги отца, командующего кавалерийской дивизией, не тронули, но на всю жизнь приклеили ярлык «неблагонадежного» .

Монумент Дети – жертвы пороков взрослых

Садизм Для беспамятных Невежество

Шемякин превзошел всех художников в мире по созданию метафизических портретов, метафизических композиций. Он создает их, в отличие от многих абстракционистов, кубистов и сюрреалистов, ценою огромного напряжения ума и воли. За этими работами стоят миллионы изученных им репродукций. Такие шемякинские шедевры, как «Череп в натюрморте» , «Рыба в натюрморте» , «Птица в натюрморте» , еще не раз украсят выставочные залы мира своей сложной простотой.

Шемякин работал над памятником Петру восемь лет. Петр Великий сидит на троне без парика. Это раздражает определенный круг россиян. Они считают, что скульптор этим принизил роль Петра I в истории России. Такое мнение – отзвук недавнего прошлого, в котором Шемякина уже обвиняли в пристрастии к «болезненному» . Я лично и многие мои друзья в таком взгляде художника на Петра I не видим никакого принижения. Напротив, Шемякин показал нам царя таким, каким он был и в жизни, и в истории России: не очень царствен, небрежен, не лишен помрачения и усталости.

Отари Кандауров Архангел