56 Bienal de Venecia 2015
Marcel Broodthaers, Jardin d’Hiver, 1974, Instalación con 36 árboles Kentia, seis fotografías en b/n. Foto: Alessandra Chemollo. Cortesía: la Biennale di Venezia
56ª Exposición Internacional de Arte la Biennale di Venezia 2015 9 de mayo - 22 de noviembre de 2015 “All the World's Futures” Curador: Okwui Enwezor (1963 Nigeria. Curador, crítico de arte, editor y escritor. Desde 2011, Director de Haus der Kunst en Munich). Sedes: Arsenale y Pabellón Central, Giardini “Todos los Futuros del Mundo” Exposición central - Arsenale La exposición “Todos los futuros del mundo” comienza en el Pabellón Central de los Jardines y continúa en los Arsenales, Reúne a 136 artistas de 53 países
Todos los Futuros del Mundo Exposición Central Internacional. Curador: Okwui Enwezor. Participantes: 136. Sedes: Arsenale y Pabellón Central, Giardini. Palabras del Curador Okwui Enwezor* Las rupturas que proliferan en cada esquina del paisaje global hoy día evocan los desvanecidos escombros de sucesivas catástrofes apilados a los pies del ángel de la historia, el Angelus Novus. ¿Cómo puede el desasosiego de nuestra época ser captado, hecho comprensible, examinado y articulado? En el transcurso de los últimos dos siglos cambios radicales han hecho surgir nuevas y fascinantes ideas tratadas por artistas, cineastas, actores, compositores, músicos como temas de sus obras. En reconocimiento de ello, la 56 a Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia, All the World's Futures [Todos los futuros del mundo] propone un proyecto dedicado a una nueva evaluación de las relaciones del arte y los artistas con el actual estado de las cosas . Okwui Enwezor: nacido en Calabar (Nigeria) en 1963 -de etnia igbo- reside entre Nueva York y San Francisco, su nacionalidad es estadounidense. Es conservador, comisario artístico, crítico de arte, escritor, poeta y formador especializado en historia del arte. Entre otros trabajos ha sido director artístico de la Documenta 11 (Alemania, 1998– 2002) y la 2ª Bienal de Johannesburgo (1996– 1997) y la 7ª Bienal de Gwang-ju (Corea del Sur, 2008).
El singular dibujo de Paul Klee, Angelus Novus, que evoca reinos místicos, tiene una historia que se hace eco de la turbulencia filosófica y política de su tiempo. Fue creado durante un año decisivo en la carrera de Klee: en 1920 realizó su primera gran exposición en Munich -estando a punto de unirse a la Bauhaus de Weimar- y completó su credo artístico, "Confesión Creativa", en la que expuso su percepción metafísica de la realidad. Los seres sobrenaturales que habitan el trabajo de Klee -en los últimos años de su vida creó unos cincuenta ángeles celestiales- deben entenderse en ese contexto metafísico. Este dibujo intrigó al filósofo judío alemán y crítico literario Walter Benjamin (1892 -1940), que lo compró en 1921. Después de la Segunda Guerra Mundial Gershom Scholem (1897 -1982), el distinguido estudioso de la mística judía y un amigo de toda la vida de Benjamin, heredó el dibujo. Según Scholem, Benjamin sintió una identificación mística con el Angelus Novus y lo incorporó en su teoría de “el ángel de la historia", una visión melancólica del proceso histórico como un ciclo incesante de desesperación. En septiembre de 1940 Walter Benjamin se suicidó durante un intento frustrado de huir del régimen nazi. Paul Klee 1879, Munchenbuchsee- 1940, Muralto (Suiza) Angelus Novus 1920 Oil transfer and watercolor on paper. 31. 8 x 24. 2 cm Photo © The Israel Museum, Jerusalem Hay algo casi místico en la presencia de esta obra fundamental en el Museo Nacional de Israel, en tanto ha sido la preciada posesión de dos de los más grandes pensadores judíos del siglo XX. En una última coincidencia, la interpretación benjaminiana de este dibujo se convirtió en inspiración para la escultura del artista alemán Anselm Kiefer Poppy and Memory (1989), también en la colección del Museo de Israel. From the Israel Museum publications: Zalmona, Yigal (ed. ). The Israel Museum at 40: Masterworks of Beauty and Sanctity. Jerusalem: The Israel Museum, 2005. The Israel Museum, Publisher: Harry N. Abrams, Inc. , 2005. Beauty and Sanctity: the Israel Museum at 40. A Series of Exhibitions Celebrating the 40 th Anniversary of the Israel Museum, Jerusalem, Zalmona, Yigal, 2006
IX “Tengo las alas prontas para alzarme Con gusto vuelvo atrás Porque de seguir siendo tiempo vivo Tendría poca suerte”. Gershom Scholem: Gruss vom Angelus. (Saludo del Angelus) “Existe un cuadro de Klee que se titula Angelus Novusl. En él se representa a un ángel que parece como si estuviese a punto de alejarse de algo que le tiene pasmado. Tiene los ojos desorbitados, la boca abierta y extendidas las alas. Así debe ser el aspecto del ángel de la historia. Ha vuelto el rostro hacia el pasado. Donde a nosotros se nos manifiesta una cadena de datos, él ve una catástrofe única que amontona incansablemente ruina sobre ruina, arrojándolas a sus pies. Bien quisiera él detenerse, despertar a los muertos y recomponer lo despedazado. Pero desde el paraíso sopla un huracán que se ha enredado en sus alas y que es tan fuerte que el ángel ya no puede plegarlas. Este huracán le empuja irrefrenablemente hacia el futuro, al cual da la espalda, mientras el cúmulo de ruinas crece ante él hasta el cielo. Ese huracán es lo que nosotros llamamos progreso”. Walter Benjamin, Tesis de filosofía de la historia. 2001 - uv. es http: //www. uv. es/fjhernan/docencia/curs 2011_2012/unimajors 20 11/benjamin_historia. pdf Anselm Kiefer Born Germany 1945, active France Poppy and Memory 1989 Lead, glass, poppies 200 x 500 x 400 cm Permanent loan from Friends of the Israel Museum in Germany © The artist; courtesy Gagosian Gallery
La Exposición: El parlamento de las Formas En lugar de un tema general, Todos los Futuros del mundo es informado por una capa de filtros intersectados, estos filtros son una constelación de parámetros que circunscriben múltiples ideas, que será abordada tanto para imaginar como para realizar una diversidad de prácticas. La 56 a Exposición Internacional de Arte empleará como un filtro la propia trayectoria histórica de la Bienal, a lo largo de sus ciento veinte años de existencia, como un filtro a través del cual reflexionar sobre el "estado de cosas" actual y sobre la "apariencia de las cosas. Ibrahim Mahama Born in 1987, Tamale, Ghana, Africa Lives and works in Tamale, Ghana Out of Bounds. 2015 Instalación, sacos de yute Muestra Central, Arsenale ¿Cómo pueden los artistas, pensadores, escritores, compositores, coreógrafos, cantantes y músicos, a través de imágenes, objetos, palabras, movimientos, acciones, letras de canciones, sonido reunir a los públicos en actos de mirar, escuchar, responder, con la participación, hablando con el fin de dar sentido a la agitación actual? ¿Qué actos materiales, simbólicos o estéticos, políticos o sociales serán producidos en este campo dialéctico de referencias para dar forma a una exposición que rechaza el confinamiento en los límites de los modelos de visualización convencionales? En Todos los Futuros del Mundo el propio comisario, junto con artistas, activistas, el público, y colaboradores de todo tipo aparecerán como protagonistas centrales en la orquestación abierta del proyecto. El núcleo del proyecto es la noción de la exposición como escenario donde se explorarán los proyectos históricos y los contra-históricos. En este marco los principales aspectos de la Exposición 56 a solicitarán y privilegiarán nuevas propuestas y obras concebidas específicamente por artistas invitados - cineastas, coreógrafos, performers, compositores y escritores- para trabajar de forma individual o en colaboración. Estos proyectos, obras, y voces, como una orquesta, ocuparán los espacios de la La Biennale y pre-ocuparán el tiempo y el pensamiento del público. In his installations and wall-based works, Ibrahim Mahama considers the ways in which capital and labor are expressed in common materials. Included in the 2015 Venice Biennale, Mahama is best known for his use of jute sacks, cloth bags once used to carry cocoa and now employed as vessels for coal. Each sack is inscribed with names and embellished with regional patterned fabrics. “The coal sacks began as an extension of how the body could be looked at. It contains all these system and makings of original owners, which have been transferred from the bodies creating a link between the two forms, ” the artist has said. Mahama’s immersive installations, which are installed in both art spaces and public markets, draw attention to the global transportation of goods across borders. https: //www. artsy. net/artist/ibrahim-mahama
Tres son los filtros que conforman Todos los Futuros del Mundo: Oscar Murillo: (1986, Valle del Cauca, Colombia. Vive y trabaja en Londres). Signaling devices in now bastard territory. 2015. Veinte estandartes pintados, óleo, pasteles de óleo, hilo y tierra sobre tela Glenn Ligon: (1960, Bronx, Nueva York, Estados Unidos) Sin Título. 2014. Escultura de neón Muestra Central, Giardini http: //artobserved. com/2015/05/ao-on-site-venice-all-the-worlds-futures-at-the-giardiniin-venice-through-november-22 nd-2015/ Liveness [Vitalidad}*: acerca de la duración épica En la búsqueda de un lenguaje y un método para la 56 o Exposición de Arte nos hemos basado en la naturaleza de la exhibición como un evento fundamentalmente visual, somático, sonoro, y narrativo. Al hacer esto, nos preguntamos cómo una muestra de la escala y el alcance de la 56ª Bienal Internacional de Arte puede definir su formato y actualizarlo con el potencial de su competencia temporal. En esta búsqueda los conceptos de vitalidad y duración épica sirven a dos propósitos complementarios: ellos sugieren la idea de que Todos los Futuros del Mundo, como manifestación, a la vez espacial y temporal, es inexorablemente incompleta, estructurada por una lógica del desarrollo, un programa de eventos que se pueden experimentar en la intersección de la vitalidad y la mostración. Será una dramatización del espacio de la exposición como un evento en vivo, en continuo e incesante desarrollo. Para concretarlo Todos los Futuros del Mundo activará obras que ya existen, pero también invitará a contribuir con obras que serán realizadas especialmente para la oportunidad. *liveness - La habilidad de una aplicación para ejecutarse en forma oportuna, es decir sin interrupciones o degradación de tiempo de respuesta.
Jardín del Desorden Este filtro, localizado en los Giardini y el Pabellón Central, la Corderie, el Giardino delle Vergini en el Arsenale y áreas selectas de Venecia, asume el histórico predio de la Bienal, en los Giardini, como una metáfora a través de la cual explorar el estado actual de las cosas, es decir, la estructura penetrante del desorden en la geopolítica mundial, el medio ambiente y la economía. El concepto original del jardín deriva de la antigüedad persa. Ella concibe la dimensión del jardín como un paraíso, un espacio cerrado de tranquilidad y placer, que durante varios milenios se ha transformado en una alegoría de la búsqueda de un espacio de orden y pureza. En el contexto de la Bienal de Arte 2015, la exposición regresa al antiguo fundamento de este ideal para explorar los cambios en el entorno global, para leer los Giardini, con su destartalado conjunto de pabellones, como el sitio definitivo de un mundo desordenado, de los conflictos nacionales y territoriales y las deformaciones geopolíticos. Las propuestas que toman el concepto de jardín como punto de partida serán trabajadas por artistas que han sido invitados a realizar nuevas esculturas, películas, performances e instalaciones para Todos los futuros del Mundo. . Raqs Media Collective Coronation Park. 2015 Exposición Central: Giardini Nueve esculturas de fibra de vidrio con pedestales de madera cubiertos de bitumen, con placas de polímero acrílico Referencia al sitio en Nueva Delhi en el que se llevó a cabo la coronación de King George y Queen Mary como emperadores de la India en 1911. © Foto: Haupt & Binder The Raqs Media Collective was founded in 1992 by Jeebesh Bagchi, Monica Narula and Shuddhabrata Sengupta. Raqs remains closely involved with the Sarai program at the Centre for the Study of Developing Societies (www. sarai. net), an initiative they co-founded in 2000. Raqs Media Collective is based in New Delhi, India.
El Capital: Una lectura en vivo Más allá del trastorno y el desorden en el actual "estado de cosas", hay una preocupación generalizada que ha estado en el corazón de nuestro tiempo y modernidad. Esta preocupación es acerca de la naturaleza del capital, tanto su ficción como su realidad. El capital es el gran drama de nuestra época. Hoy nada cala más hondo en todas las esferas de la experiencia, desde la depredación de la economía política a la rapacidad de la industria financiera. La explotación de la naturaleza a través de su mercantilización como recursos naturales, la estructura creciente de la desigualdad y el debilitamiento del más amplio contrato social han obligado recientemente a una demanda de cambio. Desde la masiva publicación de El Capital: Crítica de la Economía Política de Karl Marx en 1867, la estructura y naturaleza del capital ha capturado a los pensadores y artistas, así como inspirado a los teóricos políticos, economistas y a las estructuras ideológicas de todo el mundo. En Todos los Futuros del Mundo, se harán sentir el aura, los efectos, afectos, y espectros del Capital en una de las exploraciones más ambiciosas de este concepto y término. Das Kapital Oratorio Isaac Julien Una parte fundamental del presente programa de lecturas en vivo, es "El Capital", un proyecto bibliográfico meticulosamente investigado, concebido por el director artístico en el Pabellón Central. Este programa, que se producirá todos los días durante casi siete meses, sin parar, comenzará con una lectura en vivo de los cuatro volúmenes de El Capital de Marx y se irá ampliando gradualmente en recitales de canciones de trabajo, libretos, lecturas de guiones, debates, sesiones plenarias, y proyecciones de películas dedicadas a diversas teorías y exploraciones del Capital. En el transcurso de la 56ª Bienal de Arte, se invitará a grupos de teatro, a actores, intelectuales, estudiantes y miembros del público para contribuir al programa de lecturas que desbordará y se difundirá por galerías, mediante voces en una épica exhibición de oralidad. Una importante fuente de inspiración para esta actuación operística inusual está en las primeras líneas del libro Para leer El Capital de Louis Althusser y Etienne Balibar (1967):
` “Seguramente, todos hemos leído, todos leemos El Capital. Durante casi un siglo, cada día podemos leerlo, de manera transparente, en los dramas y los sueños de nuestra historia, en sus disputas y conflictos, en las derrotas y victorias del movimiento obrero, movimiento que es, sin duda, nuestra única esperanza y destino. Desde que hemos venido al mundo hemos leído constantemente El Capital en los escritos y discursos de aquellos que lo han leído para nosotros, bien o mal, los muertos y los vivos, Engels, Kautsky, Plejanov, Lenin, Rosa Luxemburgo, Trotsky, Stalin, Gramsci, los líderes de las organizaciones obreras, sus partidarios y opositores: filósofos, economistas, políticos. Hemos leído fragmentos, “trozos” que la coyuntura había “seleccionado” para nosotros. Todos incluso hemos leído, más o menos, el primer volumen: de la ‘mercancía’ a la ‘expropiación de los expropiadores’. Sin embargo, algún día, habrá que leer El Capital al pie de la letra. Leer el texto mismo, por entero, los cuatro volúmenes, línea por línea, releer diez veces los primeros capítulos, o los esquemas de la reproducción simple y de la reproducción ampliada, antes de desembocar, en las mesetas áridas y planas del segundo volumen, en la tierra prometida de la ganancia, del interés y de la renta […] Así es como acordamos leer El Capital. [Las exposiciones resultantes de este proyecto no son sino los diferentes protocolos personales de esa lectura: cada uno abrió a su manera su propia línea oblicua en el inmenso bosque del libro]. Y si nosotros las entregamos en su forma inmediata, sin hacer modificaciones, es para reproducir todos los riesgos y las ventajas de esa aventura; para que el lector [y el oyente] encuentre, en estado naciente, la experiencia misma de una lectura; y para que el surco de esta primera lectura lo lleve a su vez a una segunda, la que los llevará aún más lejos “. Con este panorama, Todos los Futuros del Mundo, a través de su constelación de Filtros, profundizará en el "estado de cosas" e interrogará "la apariencia de las cosas", pasando de la enunciación gutural de la voz a las manifestaciones visuales y físicas entre obras de arte y público. Okwui Enwezor, octubre 2014 Exposición Central: Giardini Isaac Julien KAPITAL. 2013 Instalación de video, una conversación entre el artista y el reconocido académico marxista David Harvey (EEUU). En el fondo, obras de Rikrit Tiravanija. © Foto: Haupt & Binder
Vincent J. F. Huang (Nantou County, Taiwan, 1971) "Crossing the Tide" Il padiglione di Tuvalu, un'isola dell'oceano Pacifico (Awakening/Getty Images) http: //www. ilpost. it/2015/05/07/biennale-venezia-foto/biennale-venezia-24/ Tuvalu, un país insular del Pacífico Sur propone en su pabellón el tema del cambio climático con una instalación artística. Huang ha estado trabajando con el curador de origen holandés Thomas J. Berghuis para diseñar el pabellón nacional de Tuvalu. La Bienal 2015 es la segunda en que la pequeña nación insular participa. "Crossing the Tide", en un espacio de 300 m 2, adoptará las ideas del clásico taoísta "Zhuangzi", centrándose en el concepto de "Los seres humanos y la naturaleza como uno", dijo Huang en una entrevista con la Agencia Central de Noticias (CNA), con sede en Taipei. Aborda el tema de la búsqueda de los beneficios económicos y materiales por parte de la humanidad en el mundo capitalista de hoy y su impacto en el medio ambiente natural, expresó el artista. La instalación del pabellón crea una escena con sólo el mar y el cielo, en una referencia a la subida del nivel del mar alrededor del mundo causado por el calentamiento global: "La misma instalación simboliza la idea de que la tierra se ha sumergido bajo el mar", añadió el artista, de 44 años de edad, que ha visitado dos veces a Tuvalu con el fin de establecer proyectos eco-artísticos tendientes a llamar más la atención pública a la vulnerabilidad del país insular al calentamiento global. Cortesía de CNA. Managua, miércoles 25 de febrero de 2015
United Arab Emirates Pabellón nacional en el Arsenale, Sale d'Armi. 1980 - hoy: Exposiciones en los EÁU. El desarrollo del arte contemporáneo desde 1980. Curadora: Sheikha Hoor Al Qasimi. 15 artistas emiratíes Al frente: Salem Jawhar Emirati artist Salem Jawhar lives in Ras Al Khaimah, UAE, where he was born in 1956 http: //www. labiennale. org/en/art/exhibition/56/ 89 National Participations will be exhibiting in the historical Pavilions at the Giardini, at the Arsenale and in the city of Venice. The countries participating for the first time in the Exhibition are Grenada, Mauritius, Mongolia, Republic of Mozambique and Republic of Seychelles. Other countries are participating this year after years of absence: Ecuador (1966, then with the IILA), the Philippines (1964), and Guatemala (1954, then with the IILA). The Holy See will again be participating with an exhibition to be held at the Sale d'Armi, in the spaces that the Biennale has renovated for new permanent pavilions. In the Beginning … the Word became flesh is the title chosen by Cardinal Gianfranco Ravasi (President of the Pontifical Council for Culture) for the Pavilion, which is curated by Micol Forti (Director of Contemporary Art Department of the Vatican Museums). Atrás Left: Ahmed Sharif. Untitled. 2006 Acrylic on canvas. 180 x 140 cm Right: Abdulrahman Zainal. Aggression. 1982 Acrylic on canvas. 60 x 47 cm © Photo: Haupt & Binder The Italian Pavilion at the Arsenale, organized by the Italian Ministry for the Cultural Heritage and Activities, with thegeneral Direction for arte e architettura contemporanee e periferie urbane, is curated by Vincenzo Trione. 44 Collateral Events, approved by the curator of the International Exhibition and promoted by non profit national and international institutions, present their exhibitions and initiatives in various locations within the city of Venice.
Due indigeni australini compiono il "rito del fumo“ durante l'inaugurazione del padiglione dell'Australia (AP Photo/Domenico Stinellis) http: //www. ilpost. it/2015/05/07/biennale-venezia-foto/biennale-venezia-27/
Armenia Armenity / Haiyutioun. Contemporary artists from the Armenian Diaspora Isla de San Lazzaro degli Armeni Foto: Hrair Sarkissian
El Anatsui 1944, Anyanko, Ghana El Anatsui es un escultor ghanés activo la mayor parte de su carrera en Nigeria
. “El jurado de premiación de Bienal de Venecia también estuvo mirando en los márgenes. El Anatsui recibió el León de Oro por su trayectoria. Nacido en Ghana, su obra -como la de Enwezor- contribuyó al reconocimiento de los artistas africanos en el mundo y forma parte de grandes colecciones. El galardón a la mejor participación nacional fue para la República de Armenia, por Armenity/Haiyutioun: en la isla de San Lazzaro o vital, en este año en que se conmemora el centenario del genocidio de 1915. León de Oro al mejor artista fue para la estadounidense Adrian Piper, por The Probable Trust Registry: The Rules of the Game # 1 -3: textos irónicos y frases clichés para expandir la condena a modelos neoliberales. La estatuilla de Plata al mejor artista joven: el surcoreano Im Heung-Soon por Factory Complex, en éste que ha sido, sin duda, el año de Corea”. (AA “La otra Bienal de Venecia: cuando la periferia es el centro”. La Nación 12/5/2015). Menciones especiales a Joan Jonas, Harun Farocki, el colectivo sirio Abunaddra, y al argelino Masinisa Selmani. Harun Farocki, (Alemania, 1944) Atlas of Harun Farocki’s Filmography, 2015, video, color, b / n, sonido estéreo, subtítulos, cuadernos, unos 100 ejemplares de la revista “Filmkritik”, vitrina. Dimensiones variables. Foto: Alessandra Chemollo. Cortesía: la Biennale di Venezia Adrian Piper (1948 NY, Nueva York, Estados Unidos) The Probable Trust Registry: The Rules of the Game #1 -3, 2013, instalación y performance de participación grupal. Tres escritos en la pared, tres mostradores de recepción circulares. 56°. Foto: Alessandra Chemollo. Cortesía: la Biennale di Venezia The inauguration and the award ceremony of the 56 th Exhibition took place on Saturday May 9 th at Ca’ Giustinian, with the conferral of the Golden Lions for Lifetime Achievement to El Anatsui, a Special Golden Lion for Services to the Arts to Susanne Ghez and the official awards assigned by the international Jury composed of Naomi Beckwith (USA), Sabine Breitwieser (Austria), Mario Codognato (Italy), Ranjit Hoskote (India), Yongwoo Lee (South Korea).
Abounaddara Syria: Snapshots of History in the Making Video HD, color, sonido (52') Fragmentos de las docenas de documentaciones que el colectivo ha producido. Fundado en 2010, Siria/Palestina, con sede en Damasco, Siria. Abounaddara fue honrado con una de las Menciones Especiales por el Jurado de la 56 a Exposición Internacional de Arte. El 11 de mayo de 2015, la publicación Hyperallergic informó que Abounaddara se retiró de la Bienal de Venecia, acusando a los organizadores de haber "censurado" su película "All the Syria’s Futures, " por no proyectarla el día 5 de mayo. Fundado en 2010, el Colectivo Abounaddara es un grupo de cineastas que trabaja para proporcionar una imagen alternativa de la sociedad siria, a diferencia de las representaciones dominantes de Siria que se encuentran en los grandes medios. Desde abril de 2011, el colectivo ha producido un cortometraje cada semana, usando un lenguaje cinematográfico muy particular, una especie de "cine de emergencia. “. Al trabajar en un estado de emergencia y sujeto a ciertas restricciones, los miembros del colectivo son todos voluntarios y anónimos. Muestran los hombres y mujeres comunes y corrientes que no son ni héroes ni víctimas. Charif Kiwan, es el portavoz del Colectivo Abounaddara https: //ff. hrw. org/film/abounaddara-collective-shorts-syriadiscussion-emergency-cinema El lunes el colectivo sirio Abounaddara se retiró de la Bienal de Venecia debido a la censura de un video que la organización no proyectó. All the Syria’s Futures es el primer video de una serie que se publicará por semana. El colectivo argumenta que la obra no se proyectó el cinco de mayo, como estaba previsto. El cortometraje presenta a Bashar al-Assad, presidente de Siria, caminando por una alfombra roja más allá de una formación militar. La pantalla luego se desvanece en negro, con el mensaje: «Disculpe las fallas técnicas. Por favor, siga disfrutando del espectáculo» . La organización de la Bienal de Venecia comunicó que está sorprendida por la decisión e insistió en que no ha habido ninguna censura. El fin de semana Abounaddara recibió el León de Oro como mención especial en la edición 56 de la Bienal de Venecia. Aquí All the Syria’s Futures. http: //latempestad. mx/abounaddara-se-retira-de-la-bienal-veneciacensura-video-colectivo-sirio
Una donna indossa un burqa giallo durante la performance "High Visibility Burqa" (GABRIEL BOUYS/AFP/Getty Images) http: //www. ilpost. it/2015/05/07/biennale-venezia-foto/biennale-venezia-23/
GIARDINI Pabellón Central Pabellones Nacionales AU Australia AT Austria BE Belgio - Belgium BR Brasile - Brazil CA Canada DK Danimarca - Denmark EG Egitto - Egypt FI Finlandia - Finland FR Francia - France DE Germania - Germany JP Giappone - Japan GB Gran Bretagna - Great Britain GR Grecia - Greece IL Israele - Israel NL Olanda - The Netherlands NO Norvegia - Norway (Paesi Nordici - Nordic Countries) P. VE Padiglione - Venezia PL Polonia - Poland CZ Repubblica Ceca - Czech Republic SK Repubblica Slovacca - Slovak Republic KR Repubblica di Corea - Republic of Korea RO Romania RU Russia RS Serbia ES Spagna - Spain US Stati Uniti d’America - United States of America CH Svizzera - Switzerland HU Ungheria - Hungary UY Uruguay VE Repubblica Bolivariana del Venezuela - Bolivarian Republic of Venezuela
The 56 th International Art Exhibition forms a unitary itinerary that starts at the Central Pavilion (Giardini) and continues at the Arsenale, with over 136 artists from 53 countries, of whom 89 will be showing here for the first time. Of works on display, 159 are expressly realized for this year edition. http: //www. labiennale. org/en/art/news/05 -03. html “This is our 56 th edition. The Biennale is now 120 years old, and year after year it moves forward and builds on its own history, which is formed of many memories but, in particular, a long succession of different perspectives from which to observe the phenomenon of contemporary artistic creation. ” Paolo Baratta introduces this year’s edition with these words, recalling that “Bice Curiger brought us theme of perception, of ILLUMInation or light as an autonomous and revitalizing element, and Massimiliano Gioni was interested in observing the phenomenon of artistic creation from within, and turned his attention to the inner impulses that drive mankind and the artist to create images and bring representations to life. ” “The world before us today exhibits deep divisions and wounds, pronounced inequalities and uncertainties as to the future. Despite the great progress made in knowledge and technology, we are currently negotiating an ‘age of anxiety’. And once more, the Biennale observes the relationship between art and the development of the human, social, and political world, as external forces and phenomena loom large over it. Our aim is to investigate how the tensions of the outside world act on the sensitivities and the vital and expressive energies of artists, on their desires and their inner song. One of the reasons the Biennale invited Okwui Enwezor as curator – Baratta states - was for his special sensitivity in this regard. ” L'installazione "Occupations/Discoveries" dell'artista Antonio Manuel esposta nel padiglione del Brasile (GABRIEL BOUYS/AFP/Getty Images)
http: //www. labiennale. org/en/art/news/05 -03. html Pabellón de Japón Chiharu Shiota (Osaka, 1972. Vive y trabaja en Berlín) The Key in the Hand Foto: Sunhi Mang “Curiger, Gioni, Enwezor, a trilogy in a sense – President Baratta recaps – three chapters in a research process engaged by la Biennale di Venezia to explore the benchmarks that can help us formulate aesthetic judgments on contemporary art, a “critical” question following the demise of the avant-gardes and “non-art”. ” “Okwui does not claim to pass judgement or prognosticate; his wish is to bring together arts and artists from throughout the world and from different disciplines, to instate a Parliament of Forms, as it were. A global Exhibition where we may question or at least listen to artists coming from 53 countries, many of them from geographical areas that we paradoxically insist on defining as peripheral. This will also help us uncover the latest tendencies regarding the geography and routes taken by contemporary art, thanks to a special project focusing on the Curricula of the artists operating around the world. A Parliament for a Biennale of varying and intense vitality, therefore. ” “Everything here is exhibited against the backdrop of the Biennale’s 120 -year history. Fragments of the past of various kinds may be found in every corner, given also the fact that the Biennale is active in Art, Architecture, Dance, Theatre, Music, and Cinema. (…) To borrow the words of Walter Benjamin, the Biennale hosts “dialectical images”. “Millares de pequeñas llaves, provenientes de todo el mundo, penden de una enorme maraña de hilos rojos que sobrevuelan dos barcazas. [. . . ] la artista contaba que ha querido escribir una poesía dedicada a la ausencia y las huellas del pasado. Sus hilos rojos son una manera de enmarcar la memoria para conocer los propios orígenes. Ángeles García (El País, 9/5/2015) “And once again, I am glad – concludes Baratta - that I did not listen to the regrettable considerations made in 1998 claiming that the exhibition with foreign pavilions was outmoded and should be done away with, perhaps in favor of a white cube, an aseptic space in which to erase history, exercise our abstract presumptions, or offer hospitality for the dictatorship of the market. It is our multi-faceted, complex reality that helps us avoid perils such as these. The great mountain of the fragments of our history grows year by year. Opposite stands the even greater mountain of all that was not shown in past Biennales” (Read Paolo Baratta's full text)
GIARDINI Artistas 1 Oscar Murillo 2 Glenn Ligon 3 e-flux journal 4 Raqs Media Collective 5 Carsten Höller 6 Philippe Parreno 7 Isa Genzken 8 Walead Beshty Philippe Parreno 1964, Orán, Argelia With a Rhythmic Instinction to be Able to Travel Beyond Existing Forces of Life (Green + White) 2014. Outdoor LED display, 400 x 240 cm
1 Fabio Mauri 2 Christian Boltanski 2 a Runo Lagomarsino 3 Naeem Mohaiemen 4 Fatou Kandé Senghor 5 Robert Smithsonm , Runo Lagomarsino, Nancy Holt and Robert Smithson, Daniel Boyd 6 Walead Beshty 7 Mounira Al Solh 8 Inji Efflatoun. Elena Damiani 9 Alexander Kluge 10 Thomas Hirschhorn 11 Samson Kambalu 12 Isaac Julien, Rirkrit Tiravanija 13 Marcel Broodthaers 14 Chris Marker, Teresa Burga, Peter Friedl, Madhusudhanan 15 Wangechi Mutu 16 Victor Man 17 Tetsuya Ishida, Mika Rottenberg, 18 Tetsuya Ishida 19 Ellen Gallagher, Huma Bhabha, Emily Kame Kngwarreye In the framework of the reorganization 20 Glenn Ligon of the exhibition spaces of the Biennale venues, 21 Fabio Mauri, Adrian Piper in the historical Padiglione Italia at the Giardini 22 Isa Genzken, Teresa Burga was renamed Central Pavilion in 2009. 23 John Akomfrah 24 Andreas Gursky This change aimed at underlining its new versatile nature, 25 Chris Marker destined to be the centre of multiple permanent activities 26 Charles Gaines as well as a milestone for other Pavillions at the Giardini. 27 Hans Haacke It is a structure (3500 square metres, 2800 of which 28 Walead Beshty destined for exhibitions), open all year long 29 Jeremy Deller in the service of hosting the main events of the Biennale, with specific areas, designed for educational activities, 30 Kerry James Marshall a library service, open to students and scholars alike, 31 Marlene Dumas and a bookstore. 32 Rosa Barba
Christian Boltanski 1944, París, Francia “Animittas” Pabellón Central • _
Christian Boltanski La instalación “Animitas”, ubicada en la localidad atacameña de Talabre, a 60 kms de San Pedro de Atacama, es el 3 er Monumento a la Humanidad del artista francés, quien también cuenta con los “Archivos del Corazón” en la isla japonesa de Teshima y otro en Tasmania, desde donde su estudio en Malakoff Paris, es grabado ininterrumpidamente desde el año 2010. El proyecto Animitas se ubica en la comunidad de Talabre, a 60 kilómetros de San Pedro de Atacama, y consiste en 300 campanas japonesas ubicadas en soportes de barras metálicas de entre 1 y 2 metros de largo, cuyo sonido es un particular homenaje a los que ya no nos acompañan. Sonidos quedan después del olvido y que buscan reflejar en esta obra el ciclo de la vida. Por eso la ubicación de las campanas de fierro fundido, bronce y cobre, que pertenecen a la tradición shinto de la cultura japonesa y que para su autor simbolizan de algún modo su tumba, está dada por el diagrama estelar de la fecha en que nació Boltanski, el día 6 de septiembre de 1944. http: //www. artishock. cl/2014/10/christian-boltanski-expone-enel-mnba-e-interviene-el-desierto-de-atacama/ “Toda mi obra se relaciona con el culto a los ancestros, que también practican los habitantes de este mágico lugar, en este pueblo en las cimas de Atacama donde hoy cientos de campanas recrean la música de los muertos, el sonido del cielo” manifiesta Christian Boltanski. La proyección en vivo de esta instalación fue transmitida vía streaming a una de las salas del Museo Nacional de Bellas Artes (Chile), mientras duró la exposición ”Almas, de Cristián Boltanski”, que se extendió desde fines de octubre del 2014 a comienzos de enero del 2015 y que fue elegida como la mejor Exhibición internacional del 2014 por el Círculo de Críticos de Arte. “Para poder llevar esta obra a la Bienal de Venecia, lo que se hizo fue volver a Talabre, donde Pepe Torres y Francisco Ríos grabaron durante un día completo la instalación desde un plano fijo, en alta definición. Esta filmación se proyectará de forma continua en Italia”, explica Beatriz Bustos, quien trabajó con su equipo de BBO Desarrollo Cultural y Amercanda, con el apoyo de la Fundación Mar Adentro, Entel, el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes y la colaboración de la Fundación de Cultura y Turismo de San Pedro de Atacama y Fundación Puribeter. Cabe señalar que los terrenos donde está instalada la obra fueron donados por el presidente de la comunidad Atacameña de Talabre, Don Sótero Arnella, gracias al apoyo de la alcaldesa de San Pedro de Atacama, Sandra Berna. En la instalación y montaje participaron activamente miembros de la misma comunidad. http: //fundacionmaradentro. cl/noticias/animitas-de-christian-boltanski-llega-a-labienal-de-venecia/
ARENA Exposición Central: Giardini Performance de lectura de una obra de Joana Hadjithomas & Khalil Joreige © Foto: Haupt & Binder Mathieu Kleyebe Abonnenc Abounaddara ARENA Film Program Jeremy Deller e-flux journal Charles Gaines Gulf Labor Coalition Joana Hadjithomas & Khalil Joreige Isaac Julien Das Kapital Oratorio Jason Moran and Alicia Hall Moran Ivana Müller Olaf Nicolai the Tomorrow
ARENA Exposición Central: Giardini Isaac Julien Das Kapital Oratorio, Pabellón Central (Arena). Foto: Andrea Avezzù. Cortesía: la Biennale di Venezia Okwui Enwezor has explained one movens for his project as follows: “In 1974 la Biennale di Venezia, following a major institutional restructuring and the revision of its rules and articles of constitution, launched an ambitious and unprecedented four-year plan of events and activities. Part of the programs of 1974 were dedicated to Chile, thus actively foregrounding a gesture of solidarity toward that country in the aftermath of the violent coup d’état, in which General Augusto Pinochet overthrew the government of Salvador Allende in 1973. Bringing practitioners across the fields of visual art, cinema, music, theater, dance, and performance, the events of the 1974 Art Biennale were spread across the entire city of Venice. Today, this remarkable and transformative episode in the history of the Biennale is largely forgotten. The dedication of the program of events to Chile and against fascism remains one of the most explicit attempts, in recent memory, by which an exhibition of the stature of the Art Biennale not only responds to, but courageously steps forward to share the historical stage with the political and social contexts of its time. It goes without saying that, in view of the current turmoil around the world, that the Biennale’s Eventi del 1974 has been a curatorial inspiration. ” “In response to this remarkable episode and the rich documentation it generated, the 56 th International Art Exhibition: All the World’s Futures, will introduce the ARENA, an active space dedicated to continuous live programming across disciplines and located within the Central Pavilion in the Giardini. The linchpin of this program will be the epic live reading of all three volumes of Karl Marx’s Das Kapital (Capital). Here, Das Kapital will serve as a kind of Oratorio thatwill be continuously read live, throughout the exhibition’s seven months’ duration. ” “Designed by award-winning Ghanaian/British architect David Adjaye, the ARENA will Serve as a gathering-place of the spoken word, the art of the song, recitals, film projections, and a forum for public discussions. Taking the concept of the Sikh event, the Akhand Path (a recitation of the Sikh holy book read continuously over several days by a relay of readers), Das Kapital will be read as a dramatic text by trained actors, directed by artist and filmmaker Isaac Julien, during the entire duration of this year Art Biennale. ” “Carrying out the concept of “Liveness: On Epic Duration” the Art Biennale has commissioned several new scores and artists’ performances, to be presented continuously In the ARENA. Here, we are especially interested in the concept of the song and the potential for the human voice to be an instrument that carries forward the pace of a narrative. ”
“Joana Hadjithomas and Khalil Joreige will present a daily reading of their artist book “Latent Images: Diary of a Photographer”, the third part of their Wonder Beirut project. In addition to Its text, this book includes thirty-eight photographic plates selected from among hundreds of reels of film exposed, but until now never developed, by the Lebanese photographer Abdallah Farah between 1997 and 2006. Jason Moran’s STAGED will map and investigate the tempos of work songs sung in prisons, fields, and houses. In a sampling of songs that inmates sing while working in the Louisiana State Penitentiary at Angola, the tempos range from 57 to 190 beats per minute. Jeremy Deller will explore the question of life and working conditions in factories, based on archival materials from the nineteenth century through the present. Charles Gaines’s new original master composition for the Art Biennale is derived from his most recent body of work, Notes on Social Justice, a series of large-scale drawings of musical scores from songs, some borrowed from as early as the American Civil War (1860– 1865) and others dating from the mid twentieth century. Mathieu Kleyebe Abonnenc will present in the Art Biennale a temporary memorial to the music and personality of the Legendary African American musician, singer, and composer Julius Eastman (1940– 1990), whose singular and inimitable contribution to contemporary, avant-garde classical music will be on display in The ARENA throughout the Exhibition. the TOMORROW will focus their attention on Das Kapital, not just as an abstract field of logical and economical devices, but rather as a potential repository of stories and figures. In the Art Biennale, the TOMORROW will attempt to imagine the characters and the figures that could make use of Marx’s toolbox in the contemporary context. Tales on Das Kapital is a search for non-modern subjects to play the Capital Drama. The TOMORROW will offer weekend seminars, during which the focus will turn to the narrative and epic dimension of Marx’s book. ” “The focus on live performances and actions will extend in the Central Pavilion beyond the ARENA and into the Biblioteca of la Biennale, where Mounira Al Solh’s NOA (Not Only Arabic), a limited-edition periodical founded in 2008, will be made available for solo viewings that must be arranged by appointment. During the preview (May 6– 8), also at the Biblioteca, Lili Reynaud-Dewar and her students will read a selection of texts from the mid 1990 s to today—analysis, testimonies, manifestos—dealing with notions of intimacy, vulnerability, and promiscuity in the context of the AIDS epidemic. ” Jeremy Deller (1966, Londres, Reino Unido) ARENA Exposición Central: Giardini “Connecting the 56 th Art Biennale’s two main venues, the Giardini and the Arsenale, aâdane Afif’s performance piece The Laguna’s Tribute: A Corner Speaker in Venice will be staged at the corner of Via Garibaldi and the Grand Canal. Spectators there will see and hear a local Corner Speaker either read a text or sing the lyrics of songs composed by friends of the artist. ” “A number of performance works will also be presented in the Arsenale, beginning with a new project by Jennifer Allora and Guillermo Calzadilla, In the Midst of Things, in which a choral group will perform an arrangement of Joseph Haydn’s oratorio The Creation. ”
Olaf Nicolai (1962, Halle/Saale. Vive y trabaja en Berlín) desarrolla una nueva performance basada en la composición en dos partes de Luigi Nono "Musica-Manifesto n. 1: Un volto, del mare - Non consumiamo Marx " (1969), una pieza innovadora para voz y cinta magnética , el último de los intentos del compositor italiano de pronunciarse crítica y políticamente por medio de la música inspirándose para sus letras en los poemas de Cesare Pavese, los grafiti que se ven en las calles de París, y las voces grabadas al azar, en vivo, durante las manifestaciones Data di composizione: marzo-aprile 1969 Organico: 1 Soprano, 1 Voce Durata: Un volto, del mare 16'46''; Non consumiamo Marx 17'36'‘ Editore: I Dischi Del Sole - Edizioni del Gallo (licenza di G. Ricordi) Prima esecuzione assoluta: Chatillons sous Bagneaux, 17 maggio 1969 Soprano: Liliana Poli; Voce: Kadigia Bove (Un volto, dal mare); Edmonda Aldini (Non consumiamo Marx) Nota: dedica a Carlos Franqui, rivoluzionario poeta cubano Il nastro è stato realizzato presso lo Studio di Fonologia Musicale di Milano della Rai; tecnico: Marino Zuccheri http: //www. luiginono. it/it/luigi-nono/opere/musica-manifesto-n-1 -un-volto-del -mare-non-consumiamo-marx Luigi Nono. (Venecia, 1924 - 1990) Compositor italiano. Fue discípulo de G. F. Malipiero, de Bruno Maderna y de H. Scherche. Entre los años 1950 y 1959 participó en los cursos impartidos en Darmstadt, donde entró en contacto con la música de Webern y de Schoenberg, del que llegó a ser yerno. Después de enseñar en Darlington, su obra, iniciada con Variaciones canónicas (1950), está inscrita bajo la influencia del dodecafonismo de Anton Webern, pero evolucionaría posteriormente hacia formas propias del vanguardismo más radical, en las que la voz humana permite expresar su compromiso político al tiempo que su peculiar lirismo, heredero de la tradición musical italiana. Aunque fue miembro del Partido Comunista italiano desde 1952, el compositor rechazó los planteamientos estéticos del realismo socialista y buscó el camino que acercara su música a un nuevo público capaz de recibir su mensaje. Así, en Epitafio para Federico García Lorca (1952 -1953), Luigi Nono expresa su enérgico mensaje con un elegante y sutil lenguaje musical, que encuentra su continuación estilística en El canto suspendido (1956), evocación y denuncia de los horrores del fascismo. La ópera Intolleranza 1960, de 1961, constituye un paso adelante en su búsqueda de nuevas formas para el teatro musical.
SPECIAL PRESENTATIONS Chris Marker, Untitled (Crush art #5), 2003 -2008, y Untitled (Passengers #129), 2008 -2010, fotografías. © Fotos: Legado de Chris Marker Foto: Alessandra Chemollo. Cortesía: la Biennale di Venezia Christian François Bouche-Villeneuve (Chris Marker) (Neuilly-sur-Seine, Francia, 1921 - París, Francia, 2012) fue escritor, fotógrafo y director de cine. Se le atribuye la invención del documental subjetivo “While the central focus of All the World’s Futures is on an extensive body of new works commissioned from artists specifically for the 56 th Art Biennale—an unprecedented range of projects exhibited for the first time—the Exhibition will also pay close attention to a selected iteration of historical perspectives by artists both living and deceased. Organized as small anthologies, these compact surveys range from a series of text-based neon sculptures by Bruce Nauman, dating from 1972 to the early 1980 s, to an atlas of Harun Farocki’s filmography, which totals 87 films. In addition, the Art Biennale will present works by such seminal figures as the photographer Walker Evans, with a complete set of the original edition of Let Us Now Praise Famous Men; from filmmaker Sergei Eisenstein tomultimedia artist Chris Marker; installation artist Isa Genzken to sculptor-composer Terry Adkins; author-film director Alexander Kluge to installation artist Hans Haacke; conceptual artist Teresa Burga to performance artist Fabio Mauri; sculptor Melvin Edwards to painter Marlene Dumas; artistactivist Inji Efflatoun to earthworks artist Robert Smithson, painter Emily Kngwarreye to film director Ousmane Sembène; sculptor Ricardo Brey to conceptual artist Adrian Piper; painters Tetsuya Ishida to Georg Baselitz. “This gathering of practices from Africa, Asia, Australia, Europe, and North and South America searches for new connections in the artists’ commitment to examining the human condition, or exploring specific ideas and areas of production within the artists’ oeuvre. ” “The Invisible Borders Trans-African Project, for example, is an artist-led organization founded in Nigeria in 2009 that assembles African artists – mainly photographers, writers, and filmmakers- with the zeal and passion for social change, to reflect upon with the question of borders and its implications in 21 st century Africa. The Invisible Borders will present in the 56 th Art Biennale a Trans. African Worldspace, a survey of their platform’s recent and ongoing photographic and audiovisual production, which will be periodically generated and incorporated into their presentation throughout the seven months of the exhibition. Moreover, the group will present in the ARENA their feature length documentary Invisible Borders 2011, The Film, followed by a discussion on the State of Things in the trans-African contemporary art scene and the critical ideas at the center of their practice. Abounaddara is an anonymous collective of Syrian filmmakers working on impromptu documentaries, otherwise known as “emergency cinema. ” Abounaddara has long reflected on the right to the image. They employ an aesthetic of do-it-yourself and disorientation, self-producing their films and distributing them online to avoid political censorship and the formatting dictates of the media and entertainment industries. Since its founding in 2010, Abounaddara has released a series of short documentaries celebrating the daily life of ordinary Syrians. In the wake of the March 2011 popular uprising, they began to produce a short film every. Friday, an ongoing initiative that relies on the voluntary commitment of a network of filmmakers who work in secret, for reasons of security. At the Art Biennale Abounaddara will present a video installation featuring a selection of films from their prolific body of work, and will premiere a new film every Friday in the ARENA. “ (Read II. A Note on the Special Presentations of All the World’s Futures and IV. A Note on the Special Projects featured in All the World’s Futures in the Addendum to the Curator’s statement)
Biennale Sessions, a project for universities The Biennale Sessions project will be held for the sixth consecutive year, following the success of its previous editions. This initiative is dedicated by la Biennale di Venezia to universities and academies of fine arts, and to institutions that develop research and training in the arts and in related fields. The goal is to offer favourable conditions for students and teachers to organize three-day group visits for fifty people or more, offering reduced price meals, assistance in organizing their journey and stay, and the possibility to organize seminars at the Exhibition’s venues free of charge. As of today, 38 international Universities have enrolled in the project. 17 Universities are Italian and 21 foreign (amongst which 11 are European and 10 non-European). Educational activities will again be offered for the year 2015, addressed to individuals and groups of students of all levels and grades, to universities and academies of fine arts, and to professionals, companies, experts, art lovers and families. These initiatives aim to actively involve participants in both Guided Tours and Creative Workshops. Rirkrit Tiravanija 1961, Buenos Aires, Argentina. Vive en New York, Berlin y Chiang Mai (Tailandia) Untitled. 2015 (14086 unfired), 2015, ladrillos de barro, sellos de madera, herramientas. Dimensiones variables. Arsenal Foto: Alessandra Chemollo. Cortesía: la Biennale di Venezia
Exposición Central: Giardini Izq. : Samson Kambalu (1975, Malaui, África). Nyau Cinema. 2012 -2015. Instalación de video, color y b&n, s/sonido Der. : Thomas Hirschhorn (1957, Berna, Suiza). Roof Off. 2015. Instalación © Foto: Haupt & Binder
Fabio Mauri (1926 -2009, Roma, Italia) Varias obras, Sala Chini del Pabellón Central en los Giardini. Der. : Il Muro Occidentals o del Pianto. (El muro occidental o de los lamentos) 1993 Maletas, bolsos, cajas, billeteras de cuero, tela y madera © Foto: Haupt & Binder
Venecia convierte su 56ª Bienal en un volcán de arte sociopolítico Inmigración, exclusión, hambrunas y ecología, entre los asuntos de esta edición Ángeles García / Milena Fernández Venecia 6 MAY 2015 - 00: 57 CEST http: //cultura. elpais. com/cultura/2015/05/05/actualidad/1430852504_647397. html Okwui Enwezor (Calabar, Nigeria, 1963) anunció, desde que fue elegido para la comisaría de la Exposición General de la 56ª edición de la Bienal de Venecia titulada Todos los mundos futuros, quería la implicación de los artistas en el convulso momento que se vive en el planeta. El crítico nigeriano pretendía que el arte contemporáneo volviera a recobrar la importancia que ha tenido cuando las circunstancias históricas así lo han requerido. Y por lo que se puede ver en los pabellones de estos auténticos juegos olímpicos del arte, Enwezor ha conseguido de sobra su objetivo. Wangechi Mutu The End of Carrying All. 2015 Instalación de video, animación, color sonido (14') She’sgot thewhoieworidinher. 2015 Maniquí, papel, cera, luces Bienal de Venecia, / andrea mreola (efe) La emigración, el hambre, las persecuciones políticas, la discriminación sexual o el cambio climático son algunos de los temas que empapan las obras (gran predominio de vídeo y fotografía) expuestas a lo largo y ancho de los Giardini y el Arsenale. Se abre así una bienal con más de 60 exposiciones de primer nivel en los llamados eventos colaterales (Mario Mertz, Charles y Jackson Pollock, Cy Twombly, Jaume Plensa, Albert Serra, Sebastião Salgado, Fabrizio Plessi, o la importancia de la copia en el Arte Antiguo). Mientras llega la apertura oficial, este sábado (la Bienal se alargará hasta finales de noviembre), las embarcaciones de lujo copan ya las aguas de la laguna con coleccionistas multimillonarios y famosos como Cate Blanchett, la musa de Armani que ha llegado a promocionar el pabellón de su país, Australia. Muchos vienen de la Expo de Milán, cuya celebración ha hecho que la Bienal se adelantara un mes, en una apuesta insólita por el turismo por parte del gobierno italiano, que espera superar los cuatro millones de visitantes entre ambas manifestaciones.
Exposición Central: Giardini Fatou Kandé Senghor Giving Birth. 2015. Video, color, sonido ('30) © Stills: Fatou Kandé Senghor. Repros: Haupt & Binder Elena Damiani: Rude Rocks N. 4 (Turrón after Bratke). 2015. Instalación En la pared, collages, serie The Victory Atlas. 2012 -2013 Inji Efflatoun Fondo izquierda: obras en acuarela, entre los 1950 s y 1980 s. © Foto: Haupt & Binder
Naeem Mohaiemen (1969, Londres, Reino Unido) Cinco impresiones de archivo en papel de arroz (Detalle) Exposición Central: Giardini © Foto: Haupt & Binder En su piso holandés, Peter subrayó y ´dibujó signos de exclamación acerca de la autopsia de Abu Yusuf Khan (el cuerpo está frío ) en un motín de soldados el 7 de noviembre de 1975. Los titulares dicen: ' Zia abrazó a Taher y dijo: “Has salvado mi vida"; “Los oficiales se asustaron y huyeron del acantonamiento' ; ' A pesar de las precauciones Taher fue capturado ' ; ' Sirajul Alam Khan había adquirido una imagen para sí mismo”; '¿Por qué fracasó el alzamiento del 07 de noviembre”. 2014 Last Man in Dhaka Central (The Young Man Was, Part 3) (2015), - See more at: http: //artobserved. com/2015/05/ao-on-site-veniceall-the-worlds-futures-at-the-giardini-in-venice-through-november -22 nd-2015/#sthash. oxr. WY 4 GM. dpuf
Exposición Central: Giardini Centro: Robert Smithson: Dead Tree. 1969, reconstruído en 2015 Árbol, espejos En el fondo: Pinturas de Daniel Boyd © Foto: Haupt & Binder
Exposición Central: Giardini Tetsuya Ishida Recalled. 1998 Acrílico sobre papel, panel © Foto: Haupt & Binder Teresa Burga Autorretrato. Estructura. Informe. 09. 06. 72, 1971/2006 Instalación © Foto: Haupt & Binder
Huma Bhabha Atlas. 2015 Llantas de goma recicladas With Blows. 2015/ With Words. 2015/ Mechanic. 2015/ Against What? Against Whom? 2014 Esculturas: Corcho, telgopor, cartón, acrílico, pasteles de óleo, esmalte de uñas, madera Fondo, izquierda: Emily Kame Kngwarreye - Derecha: Ellen Gallagher © Foto: Haupt & Binder
Palabra de Carlos Marx http: //cultura. elpais. com/cultura/2015/05/05/actualidad/1430852504_647397. html La palabra de Carlos Marx está presente de manera protagónica en esta 56ª edición de la Bienal de Venecia. Dos actores leerán en inglés, al menos dos veces al día y durante los siete meses que dura la exposición los volúmenes de El capital, de Marx, en una performance dirigida por el videoartista Isaac Julien (Londres, 1960). Los lectores —un chico y una chica— leen sobre un escenario con capacidad para cien personas. Dos monitores gigantes proyectan el texto recitado, en inglés y en alemán, la lengua en la que fue publicado en 1867. El director artístico de la Bienal, Okwui Enwezor, ha propuesto la palabra de Marx porque “El capital es el drama de nuestra época, que tiene que ver con cada esfera de nuestra existencia y gobierna los dos sitios donde se produce la economía: la fábrica y la Bolsa”. No se trata de una secuencia de escenas documentales como en el telediario, sino de “una política de la forma respecto a lo que el arte puede producir”, explica Enwezor. Él ha escogido personalmente a cada uno de los 136 participantes porque su obra ha sido influida por la lectura de El Capital. “Cada uno de los artistas presentes representa mi biografìa y todos abordan temas de un siglo terrible”, declaraba ayer el comisario, que defiende la necesidad de una actitud más crítica por parte de los artistas. Isaac Julien, Kapital (2013), via Sophie Kitching for Art Observed – See more at: http: //artobserved. com/2015/05/ao-on-site-veniceall-the-worlds-futures-at-the-giardini-in-venice-through-november -22 nd-2015/#sthash. R 0 Jc 5 XME. dpuf
Exposición Central: Giardini http: //cultura. elpais. com/cultura/2015/05/05/actualidad/1430852504_647397. html La selección de Enwezor combina nombres famosísimos en el mundo del arte con otros desconocidos o con poca obra realizada. Junto a Boltanski, Steve Mc. Queen, Broodthaers, Jeremy Deller, Marlene Dumas, James Marshall, Bruce Nauman, Robert Smithson o Walker Evans hay un grupo potente de semi-desconocidos, y un 25% de jóvenes creadores africanos que han provocado las críticas de algunos periodistas. “Yo no he escogido a nadie por su color”, asegura tajante el comisario, quien añade: “Hay artistas negros buenos y hay artistas negros malos. Ocurre lo mismo en todas las razas”. La que no está muy bien representada, por cierto, es España, al menos en cuanto a número de artistas. Sólo a última hora ha sido incluida Dora García, creadora conceptual que ya estuvo en el Pabellón de España en 2011 con una pieza bucle que se desarrollaba a lo largo de la bienal. De Latinoamérica llegan el colombiano Oscar Murillo, la cubana Tania Bruguera (aunque, al igual que en Arco, ayer seguía sin saberse oficialmente si puede viajar) o el tándem afincado en Puerto Rico Allora & Calzadilla. Hans Haacke Blue Sail. 1964 -1965 Tela de chiffon, ventilador oscilante, plomadas e hilo © Foto: Haupt & Binder De la chilena Paz Errazuriz procede una de las obras más conmovedoras de la exposición. La artista recurre a los archivos de imágenes de la dictadura de Pinochet para hablar de víctimas doblemente olvidadas. Son travestis y transexuales que fueron crudamente perseguidos y muchos de ellos exterminados sin que después nadie les reconociera como héroes; un olvido similar al sufrido por los gitanos durante el exterminio nazi.
Exposición Central: Giardini Kerry James Marshall Sin Título (Amantes). 2015 Acrílico sobre panel de PVC Sin Título (Mancha). 2015 Acrílico sobre panel de PVC © Foto: Haupt & Binder Marlene Dumas Cráneos. 2013 -2015 36 obras en óleo sobre tela © Foto: Haupt & Binder
http: //cultura. elpais. com/cultura/2015/05/05/actualidad/1430852504_647397. html El Gobierno italiano espera superar los cuatro millones de visitantes • Haig Aivazian, Libano En un recorrido apresurado por esta gigantesca exposición llama la atención el peso que han recuperado el vídeo y la fotografía como soportes, algo que tiene que ver con la petición del comisario de recuperar la palabra para narrar historias de manera comprensible para el espectador. • Anna Boghiguian, Egipto/Canadá La memoria del exterminio armenio no podía faltar en este repaso a los grandes desastres de la historia reciente y el asesinato de millón y medio de armenios a manos de los turcos otomanos durante la I Guerra Mundial se recuerda con obras de 18 artistas en el monasterio de San Lázaro. • Mekhitar Garabedian, Bélgica Dentro de los actos colaterales, el pabellón iraquí recoge el drama creado por el Estado Islámico. El artista Haider Jabbar, refugiado residente en Turquía, expone 2000 acuarelas con retratos de personas asesinadas por el ISIS. • Nigol Bezjian, Siria/EUA • Hera Büyüktasçiyan, Turquía • Silvina Der-Meguerditchian, Argentina/Alemania • Rene Gabri & Ayreen Anastas, Irán/Palestina/EUA • Aikaterini Gegisian, Grecia • Yervant Gianikian & Angela Ricci Lucchi, Italia • Aram Jibilian, EUA • Nina Katchadourian, EUA/Finlandia • Melik Ohanian, Francia • Mikayel Ohanjanyan, Armenia/Italia • Rosana Palazyan, Brasil • Sarkis, Turquía/Francia • Hrair Sarkissian, Siria/Rein Unido
Biennale College – Theatre 18 training workshops (30 July > 9 August) Deadline for applications: 1 June 2015
Arsenale ID Repubblica di Indonesia IT Italia MZ Mozambico CN Repubblica Popolare Cinese People’s Republic of China Biennale Sessions Biennale College Mostra Exhibition. La Biennale all’Arsenale 1 Ibrahim Mahama ASAC 2 Xu Bing 3 Lemi Ponifasio 4 Samson Kambalu 5 Emeka Ogboh 6 Mathieu Kleyebe Abonnenc, Coco Fusco, Ana Gallardo, Maria Eichhorn, Abounaddara 7 Mounira Al Solh 8 Emily Floyd 9 Sarah Sze 10 Joachim Schönfeldt Arsenale Teatro Piccolo Arsenale Ingresso Entrance
Exposición Central: Arsenale 1 Adel Abdessemed: Nymphéas (Water Lilies). 2015. Instalación En el fondo, una de las obras de neón de Bruce Nauman. © Foto: Haupt & Binder
Terry Adkins “Divine Mute”. 1998. De la serie Deeper Still Aluminio, latón, niquel, madera Exposición Central: Arsenale 1 © Foto: Haupt & Binder
Obras de Abu Bakarr Mansaray, Melvin Edwards, Terry Adkins, Daniel Boyd (de izquierda a derecha) Exposición Central: Arsenale 1
Exposición Central: Arsenale 1 Abu Bakarr Mansaray Sinister project. 2006 Grafito, lápiz de color, marcador sobre papel © Foto: Haupt & Binder Terry Adkins Matinée. 2007 -2013. Bronce, acero, perchas, corcho quemado “Plinth”. 2004 (De la serie Black Beethoven). Fibra de vidrio, brocato, acero Single Bound. 2000. Metal, plumas © Foto: Haupt & Binder
Qiu Zhijie Jing. Ling Chronicle Theater Project. 2010 -2015 Instalación Exposición Central: Arsenale 1 © Foto: Haupt & Binder
Exposición Central: Arsenale 1 Raha Raissnia Longing. 2014 16 mm film, color, b&n, sonido óptico (20') © Stills: Raha Raissnia - Repro: Haupt & Binder Katharina Grosse Sin título, Trumpet. 2015 Instalación © Foto: Haupt & Binder
Exposición Central: Arsenale 1 Lili Reynaud Dewar My Epidemic (Small Bad Blood Opera). 2015 Instalación, telas, tinta, pintura, metal, amplificadores, videos, pantallas de LED, audio 29: 58 min © Foto: Haupt & Binder Saâdane Afif The Laguna’s Tribute (A Comer Speaker in Venice). 2015 Performance en el espacio público durante la puesta del sol, afiches, panfletos, caja de jabón fundida en bronce. © Foto: Haupt & Binder
Exposición Central: Arsenale 1 Karo Akpokiere Zwischen Lagos und Berlin. 2015 Cincuenta dibujos, aguada, lapicera y lápiz sobre papel © Foto: Haupt & Binder Petra Bauer A Morning Breeze. 2015 Instalación, afiches, proyección de diapositivas digitales sobre mesa Sobre los comienzos del Movimiento Socialista Femenino en Suecia, entre 1907 y 1920. © Foto: Haupt & Binder
Theaster Gates Gone Are the Days of Shelter and Martyr. 2014 Exposición Central: Arsenale 1 Madera, viento, concreto, laja, metal, video El artista recicla materiales de la Iglesia Catolica St. Laurence, una parroquia ahora demolida en el sur de Chicago, que ejemplifica el actual proceso de desinversión en espacios urbanos religiosos, sobre todo en vecindarios negros pobres. (De la guía breve. Del inglés: Binder & Haupt) © Foto: Haupt & Binder
Exposición Central: Arsenale 1 Cao Fei La Town. 2014 HD video, color, sonido (42’) © Still: Cao Fei. Repro: Haupt & Binder Madhusudhanan Penal Colony. 2014 -2015 Treinta y cinco dibujos de carboncillo sobre papel © Foto: Haupt & Binder
Pino Pascali: Cannone Semovente. 1965 Madera, chatarra, ruedas En el fondo: Joana Hadjithomas & Khalil Joreige: “Latent Images, Diary of a Photographer. ” 2009 -2015. Parte III del proyecto Wonder Beirut Performance basada en una edición limitada del libro de artista publicado por Rosascape, Paris. Approx. 130 min. Exposición Central: Arsenale 1 En la foto: Copias del libro en la pared. La publicación de 1. 312 páginas documenta los cientos de rollos de película expuesta que nunca fueron revelados por el fotógrafo libanés Abdallah Farah. Durante la Guerra Civil Libanesa (1975 -1991), Farah dejó de revelar sus películas. En el libro, breves fragmentos de texto describen las imágenes invisibles. Para la performance de lectura todos los jueves y domingos en la Arena del Pabellón Central, Giardini, una copia del libro es tomada de la instalación cada vez y llevada a la Arena. © Foto: Haupt & Binder
Samson Kambalu Sanguinetti Breakout Area. 2015 Exposición Central: Arsenale 1 El proyecto se refiere a los escritos de Gianfranco Sanguinetti, un miembro del movimiento italiano de arte de protesta política, conocido como Situacionista Internacional, consultado por el artista el el Yale Center for British Art en 2013. La venta de los archivos de Sanguinetti a la Beinecke Rare Book and Manuscript Librarary de Yale provocó una enfadada carta de su antiguo traductor al inglés y servidor web, Bill Brown, en diciembre de 2013. Kambalu presenta la carta de Brown como un "regalo“ al proyecto Situationista y una extensión del mismo. Fotografías de imágenes y textos encontrados en la colección de Sanguinetti, alterados y recontextualizados ("detournement" a la manera de los Situacionistas. (De la guía breve. Del inglés: Binder & Haupt) © Foto: Haupt & Binder
Oscar Murillo Frequencies (an archive, yet possibilities). 2013 -en curso Exposición Central: Arsenale 1 Una colaboración entre el artista, miembros de su familia, y la científica social Clara Dublanc. Telas son ajustadas temporariamente sobre pupitres de escuela en diferentes partes del mundo -incl. Colombia, Israel, Etiopia- para registrar las actividades y comentarios diarios de los alumnos. (De la guía breve. Del inglés: Binder & Haupt) © Foto: Haupt & Binder
Eduardo Basualdo Exposición Central: Arsenale 1 Alba. 2014. Madera, metal Grito. 2015. Grafito sobre papel, metal Amenaza. 2015. Plástico, grafito, metal, madera Cómo volver a casa. 2015. Grafito sobre papel sobre metal y mesa de madera © Foto: Haupt & Binder
Exposición Central: Arsenale 1 Chris Ofili Forgive Them. 2015 Óleo sobre lino © Foto: Haupt & Binder Sammy Baloji The Other Memorial. 2015 Cobre Motivos de escarificación de diversas comunidades en el Congo, encontrados en archivos etnográficos. © Foto: Haupt & Binder
Massinissa Selmani A-t-on besoin des ombres pour se souvenir? , 2014 Exposición Central: Arsenale 1 Grafito sobre papel Massinissa Selmani recibió una de las Menciones Especiales del Jurado de la 56 a Exposición Internacional de Arte. © Foto: Haupt & Binder
CORDERIE Arsenale Corderie, Artiglierie, Isolotto, Sale d’Armi • • • 1 -11 Philippe Parreno 1 Bruce Nauman, Adel Abdessemed 2 Daniel Boyd, Terry Adkins, Melvin Edwards, Monica Bonvicini, Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla, Antje Ehmann & Harun Farocki, Peter Friedl, Raha Raissnia, Abu Bakarr Mansaray, Thea Djordjadze, Pino Pascali, Taryn Simon, Joana Hadjithomas & Khalil Joreige, Adel Abdessemed 3 Katharina Grosse 4 Dora García, Steve Mc. Queen, Lili Reynaud Dewar, Karo Akpokiere, Olga Chernysheva, Samson Kambalu, Oscar Murillo, Petra Bauer, Ayoung Kim, Liisa Roberts, Teresa Burga, Saâdane Afif, Qiu Zhijie, Theaster Gates, Sonia Leber and David Chesworth, Sonia Boyce, Carsten Höller, Nidhal Chamekh, Madhusudhanan, Cao Fei 5 Boris Achour, Massinissa Selmani, Eduardo Basualdo, Newell Harry, Chris Ofili, Hiwa K, Sammy Baloji, Adrian Piper 6 Chantal Akerman, Christian Boltanski, Jumana Emil Abboud, Ji Dachun, Ricardo Brey, Meriç Algün Ringborg, Ernesto Ballesteros, The Propeller Group, 7 Helen Marten, Keith Calhoun & Chandra Mc. Cormic, Joachim Schönfeldt, Gedi Sibony, Kay Hassan, Mykola Ridnyi, Marco Fusinato, The Propeller Group, Gulf Labor Coalition, Lorna Simpson, Jason Moran, Lavar Munroe, Gonc¸ alo Mabunda, Tiffany Chung, Sônia Gomes 8 Harun Farocki, Huma Bhabha, Mykola Ridnyi, Cao Fei, Cooperativa Cráter Invertido, Rupali Gupte & Prasad Shetty, Maja Bajevic, Mika Rottenberg, Barthélémy Toguo, Mariam Suhail, Natalia Pershina-Yakimanskaya Gluklya, Hwayeon Nam, Peter Friedl, Ala Younis, Mikhael Subotzky, Georg Baselitz, Carsten Höller, Tania Bruguera, David Maljkovic, Nidhal Chamekh
Arsenale Corderie, Artiglierie, Isolotto, Sale d’Armi ARTIGLIERIE • 9 Im Heung-soon, Rupali Gupte & Prasad Shetty • 10 Kutlug˘ Ataman, Chris Marker • 11 Maria Eichhorn, Cheikh Ndiaye, Gary Simmons, Rupali Gupte & Prasad Shetty, Rirkrit Tiravanija • 12 Invisible Borders: The Trans-African Project • • AL Albania CL Cile Chile IE Irlanda Ireland KS Repubblica del Kosovo - Republic of Kosovo SI Repubblica di Slovenia - Republic of Slovenia SE Svezia Sweden TV Tuvalu ISOLOTTO • IILA Istituto Italo-Latino Americano • LV Lettonia SALE D’ARMI • • • 12 Invisible Borders: The Trans-African Project AR Argentina AE Emirati Arabi Uniti MK Ex Repubblica Jugoslava di Macedonia , GE Georgia MX Messico PE Peru VA Santa Sede SG Singapore ZA Sudafrica TR Turchia
Exhibicion Central : Arsenale 2 Vista del Arsenale, Corderie Obras de derecha a izquierda: Ji Dachun: Ricardo Brey: Crack. 2009. Objetos, técnica mixta Jumana Emil Abboud: Ballad of the lady who lives behind the trees. 2005 -2014. 41 dibujos de técnica mixta sobre papel © Foto: Haupt & Binder
Arsenale 2 Joachim Schönfeldt Factory Drawing Drawn In Situ. 2010 -2015 Serie de dibujos © Foto: Haupt & Binder Marco Fusinato From the Horde to the Bee. 2015 10. 496 páginas de documentos impresos, mesas, billetes, cámara secuencial En el fondo, Gulf Labor Coalition. © Foto: Haupt & Binder Proyecto para recaudar fondos para el Archivo Primo Moroni, archivo y fuente en Milán para publicaciones militantes y críticas.
Kutluğ Ataman: THE PORTRAIT OF SAKIP SABANCI. 2014 Aprox. 10. 000 paneles LCD Creada para el vigésimo aniversario de la muerte del líder empresario turco Sakıp Sabancı. Una obra multi-imagen de las miles de personas, cuyos caminos de alguna manera se cruzaron con el de Sakıp Sabancı: Personas que fueron apoyadas por él, que trabajaron con él, así como miembros de familia. En el fondo, fotos de Chris Marker. © Foto: Haupt & Binder
Venecia. La directora del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), Maria Cristina García Cepeda, inauguró este jueves 7 de mayo el Pabellón de México en la 56 Exposición Internacional de Arte “Biennale di Venezia”, con la obra “Possesing Nature”, de los artistas Tania Candiani y Luis Felipe Ortega, y la curaduría de Karla Jasso. “Possessing Nature parte del vínculo que tienen la Ciudad de México y Venecia con su entorno lacustre. Creo que los visitantes que vean la pieza mexicana reflexionarán sobre la manera como usamos el agua y la forma en que la modernidad utiliza los recursos naturales. Con esta exposición, con esta pieza estamos celebrando el diálogo de México con el mundo a través del arte y la cultura”, dijo García Cepeda. http: //mexicoenlared. tv/inauguran-pabellon-de-mexico-en-bienal-de-arte-de-venecia/ La curadora Karla Jasso explicó que “Possessing Nature” inició desde múltiples puntos de investigación, paralelismos, intenciones, urgencias y actos de reflexión. “Concebida como un aparato de ingeniería cuya función es la evocación, ‘Possessing Nature’ se presenta como escultura monumental, sistema hidráulico, caja de resonancia, espejo o canal de agua”. Se trata, dijo, de una pieza de (contra) infraestructura que enfatiza dos momentos de la modernidad: la materialidad y el dinamismo, así como la arrogancia y el límite del sueño. Por su parte, Luis Felipe Ortega explicó que la pieza se desdobla en dos ámbitos. Uno tiene que ver con una investigación histórica, con una propuesta conceptual, con una reflexión sobre la idea de modernidad y los tropiezos de la modernidad y esa insistencia de ser modernos y generar grandes transformaciones en el mundo. Por otro lado, añadió, es una pieza monumental, hecha con un material muy crudo, el acero, que no está maquillado y que a la vez se convierte en un sistema hidraúlico para atraer literalmente agua de la laguna de Venecia, ponerla a circular para que afecte esa escultura y regresarla nuevamente a la laguna. Es decir, dijo, la escultura se transforma en mecanismo, tiene una utilidad, una función, se le pone a trabajar. También se vuelve el contenedor de un video filmado en Venecia, Xochimilco y Tequixquiac, que el público puede ver al pie de la escultura como si se tratase de un espejo de agua. Tania Candiani explicó que la pieza se construyó en base a una cartografía que hace referencia a los espacios que México ha ocupado para su participación en la Biennal de Venecia desde el 2007. “Haciendo un análisis histórico de los edificios, la curadora encontró que estos representaban los cuatro poderes del mundo occidental, que son el poder de la aristocracia, el mercantil, el religioso y el poder militar. “Entonces, atendiendo a esa traza empezamos a pensar en la idea de las ciudades originalmente anfibias pero con destinos diferentes. México como una ciudad que fue desecada, en la que el primer actor de arrogancia lo hizo Hernán Cortés drenando el agua de las lagunas que rodeaban a Tenochtitlán para poder atacarla”, dijo. Comentó que la pieza tiene varias capas, funciona como una biopsia de la memoria y de alguna manera debido a su materialidad parece ocultar, pero tiene un mirador al que el público accede que lo que hace es revelar y mostrar el interior.
En esta edición, Argentina estará representada por el reconocido artista Juan Carlos Distéfano, con el envío “La rebeldía de la forma”, cuya movilizadora obra hace reflexionar sobre la condición humana. http: //www. telam. com. ar/notas/ 08 de mayo de 2015 El pabellón, una antigua sala de armas de los Arsenales (500 metros cuadrados) donde los barcos que iban a Oriente guardaban sus atalajes, conserva los muros de ladrillo y un increíble techo con vigas de madera, que, según recordó el presidente de la Fundación Bienal, Paolo Baratta, "es el único queda intacto". Fue Baratta quien negoció con el gobierno argentino la posibilidad de alquilar por 20 años un espacio propio y evitar la condición de "país nómade". En 2011 la Presidenta firmó en Venecia el comodato por veintidós años, con la contrapartida de restaurar la sala
El acto de apertura del pabellón argentino fue presidido por el canciller Héctor Timerman , con la presencia de la directora de Asuntos Culturales, Magdalena Faillace y de Distéfano acompañado por su mujer, la dramaturga Griselda Gambaro, además de otros artistas invitados, coleccionistas, periodistas y un grupo de compatriotas que se encontraban en el lugar. En la exposición central participan además tres artistas argentinos: Ana Gallardo (1958), Eduardo Basualdo (1977) y Ernesto Ballesteros (1963), que cuentan con el apoyo de la Cancillería Según Faillace […] "Emma traviesa” es un homenaje a Spilimbergo de la serie de una prostituta que lleva ese nombre, una escultura grandiosa pero terrible, se trata de la figura de una travesti que tiene a babucha a la muerte que le está succionando el cuello, en blanco y negro, y debajo hay un piso que es un damero también en esos dos colores". "Todas las demás piezas, de las 23 expuestas, son en color y con esa resina tan especial y envolvente que parece que encapsula sus obras. La muerte tiene un reloj y encima, grabados, avisos del rubro 59, los que ofrecen servicios sexuales: es la maravilla del arte griego trasplantada a una travesti del siglo XXI", consideró la embajadora. "Hay otra escultura, 'Los iluminados', que alude fuertemente a la violencia, donde los distintos estamentos del poder están mirando hacia un lado, con las manos unidas de rodillas, en postura de oración y la cabeza tirada para atrás, mostrando la absoluta indiferencia de todo un sector del poder en relación con lo que estaba pasando durante la dictadura militar", agregó Faillace y dijo que el artista "es una persona con un don especial, que trasciende la prueba ácida del tiempo". Refiriéndose a la Urpila, una figura del norte argentino que arrastra un carrito, donde lleva una réplica del obelisco -que la Presidenta por la videoconferencia señaló a los presentes a un acto en el Chaco para que la observaran- Faillace la calificó de una gran ternura, "pero las otras presentan situaciones de violencia, figuras que tienen una impronta agónica, de redención y ponen al hombre en el imaginario de un Cristo". Por último, la embajadora mencionó una obra hecha por Distéfamo en homenaje a Cataluña -ya que estuvo por años exiliado en Barcelona durante la dictadura militar- prestada por el Museo de Houston para su exhibición en el Pabellón y que tiene un valor de un millón de dólares. La escultura muestra a un obrero que ve enredado un barrilete y se monta al poste de una luz, con una tenaza para cortar el cable. Quiere que el barrilete vuelva a volar a riesgo de quedar electrocutado en una metáfora del hombre que se inmola por el bien de los demás". Entre los presentes se encontraban la artista Marta Minujín, la fotógrafa Adriana Lestido, la galerista Teresa Anchorena; la titular de Fundación Proa, Adriana Rosenberg; el director de la Bienal, Paolo Baratta; y el presidente del Museo de Bellas Artes de Neuquén, Oscar Soljan. La delegación argentina está conformada, entre otros, por Martín Di Girolamo, Fermín Eguía, Tomás Espina, Maximiliano Gómez Canle, Sebastián Gordín, Zulema Maza y Viviana Ponieman.
Entre las 23 obras de Distéfano que se presentan en La rebeldía de la forma, selección curada por María Teresa Constantin, con montaje de Patricio López Méndez y Federico Fishbarg, se destaca la última pieza que secretamente Distéfano terminó cuando el envío ya estaba anunciado. Inspirada en “El secreto de Ema”, de Lino Enea Spilimergo, la “Ema traviesa”, recrea la historia de una joven prostituta que acaba suicidándose. Un final más dramático que el de la Ramona Montiel de Berni, a la que el rosarino pinta en su boda, hecho que la redime del pasado marginal. Esta Ema tensa aún más la cuerda por su condición de travesti. Distéfano deja ver a través de la resina transparente, modelada magistralmente, los clasificados de los diarios que le ponen precio al sexo. La rebeldía de la forma es el último envío de la actual directora de Asuntos Culturales de la Cancillería, Magdalena Faillace, quien cierra un ciclo de cuatro envíos nacionales durante su gestión; Yuyo Noé, Adrián Villar Rojas, Nicola Costantino y esta selección de esculturas de Juan Carlos Distéfano, entre las que se incluye “Acción directa”, un trabajo imponente (mide 3, 25 x 3) que integra la colección del Museo de Bellas Artes de Houston. Desde allí llegó la obra custodiada por las manos expertas de Delmiro Méndez, quien podría escribir una historia del ir y venir de las obras de arte en nuestro país y en el mundo. http: //www. lanacion. com. ar/1790894 -momento-de-gloria-en-la-bienal-de-venecia-para-distefano http: //www. revistamagenta. com/index. php/56 -bienal-de-venecia/
Arte 27/03/15 Distéfano: el misterio de la forma elocuente Entrevista. Antes de viajar a Venecia, donde representará al país, el artista revela detalles de su proceso creativo y cómo sus esculturas son el resultado de su vínculo estrecho con la materia. Por Ana Maria Battistozzi Y Mercedes Perez Bergliaffa La voz de Juan Carlos Distéfano discurre en un susurro y su andar parsimonioso no le impide a los 81 años subir y bajar cuantas veces sea necesario la escalera de su estudio en La Boca. Es un día de visitas. Próximo a partir a Venecia donde representará al país en la edición número 56 de la Bienal Internacional, recibe a Ñ. El artista se deja fotografiar junto a sus elementos de trabajo y, muy tangencialmente aparece, cubierta con un paño y aún en proceso de producción, la enigmática obra que llevará a Venecia. Cuando se le pregunta por el significado que asume para él esa ciudad donde se presentará en pocas semanas habla de su terrible melancolía. “Una ciudad triste como pocas –dice–, donde no hay más qué hacer porque todo está hecho. Es como un gran museo con grandes museos. Por suerte voy a poder visitar algunos –se entusiasma– y ver algunas obras que me interesan, como un cuadro de Cosme Tura que está en el museo Correr. Es una Piedad, muy pequeña. Un cuadro que conjuga una mezcla de la pintura italiana y alemana. La cosa geométrica italiana y al mismo tiempo el tratamiento de los paños de los alemanes. Pero además hay en ese pequeño cuadro algo raro, cierta cosa diabólica –precisa–. Cerca de la figura de la ‘Virgen con el Cristo muerto’ hay un árbol con una forma extraña, podría ser un mono o no sé qué”. –Su obra es pródiga en este tipo de referencias. ¿Por qué? Porque encuentro allí una mezcla de lo que me pasa, de lo que me pasó, de lo que mamé aquí y al mismo tiempo de ciertas vivencias bastante profundas de los artistas que amo, entre ellos, los italianos y los alemanes. –Hay también un momento en que aparece una influencia del románico catalán tal vez asociada a su estadía en Barcelona. Por ejemplo, en la obra Persona u Homenaje a Cataluña de 1979. Sí, puede ser, cuando estaba en Barcelona me pasaba los días en el Montjuich. Porque el Montjuich (Museo Nacional de Arte de Cataluña) es un milagro. Eso que hicieron de sacar los frescos de las iglesitas del Ampurdan y llevarlas allí es un milagro. En las obras de arte yo creo percibir cuánto hay de verdad y cuánto de especulativo. Por ejemplo, un fragmento o un paisaje pequeñito de Pietro Lorenzetti me parece que son milagros. Es muy difícil encontrar en obras –que seguramente las hay– de esa calidad, esa potencia, esa verdad. Por ejemplo hablo de un Kieffer, que son palabras mayores.
–Hay un interrogante que mucha gente se plantea con frecuencia respecto del arte contemporáneo y es sobre cuáles obras del presente podrían considerarse equivalentes de aquellas grandes obras del pasado que tanto nos fascinan. ¿Es posible parangonar, más allá de la cuestión del oficio, esa dimensión de verdad, si es posible seguir usando el término? Uso la palabra verdad porque no encuentro otra palabra. Porque allí no hay especulación y creo que con algunos artistas sí es posible hacer una comparación de ese tipo. Además de Kieffer, yo podría nombrar a Norberto Gómez, a Marcia Schvartz, a Garabito, a Pirozzi. –¿Cuáles serían las instancias comparables en ellos? Es que son inefables. Me interesa aquél artista que hace lo que hace porque si no lo hace se muere. No para asombrar. El espectáculo es una estupidez. No se trata de la lógica del espectáculo, ni del chisporroteo del chiste. Ni como decía Girondo: de las ideítas reputitas y las ideonas reputonas. Tal vez esto siempre fue así pero me da la impresión de que por lo menos antes había un oficio que lo disimulaba o lo enmascaraba. Algo noble que por lo menos mostraba que el pintor sabía pintar, que no se le escapaban los tonos. . . –¿Diría que el oficio actuaba como un filtro que desenmascaraba cualquier impostura? En cierto modo sí. Un músico si no sabe por lo menos solfeo no puede meterse a componer, ¿no? No se puede ser tan pedante como para no escuchar lo que hicieron los otros. Además de la alegría que produce sentir que aquello del pasado ha sido hecho también para nosotros. Yo disfruto como loco con las obras de arte de distintas épocas. –Una de las virtudes del libro que acaba de editar Capital Intelectual sobre su obra es que al hacer foco en fragmentos de algunas obras, las imágenes ponen de relieve el carácter pictórico que tienen sus piezas escultóricas. Sí, claro es un híbrido; siempre quise ser pintor. –¿Qué lo llevó a salir de la pintura y ocupar el espacio de esa manera? El placer de manejar la arcilla, tocarla y modelar. La arcilla es algo tan sensual, no conozco ningún placer –salvo hacer el amor– que produzca una sensación que se le parezca. El poder modelar, tocar el material va indicando cómo uno tiene que ponerlo. Lo que hago es simplemente dejar aparecer lo que surge espontáneamente. Y resulta mucho mejor de lo que yo lo imagino. Tengo que estar muy atento, no ser testarudo y no aferrarme a un plan que me indica que esto debe ser de determinada manera. Hay algo en la superficie que me va diciendo cómo y por dónde tengo que ir.
–Pero la arcilla no es el material definitivo sino una instancia intermedia. Luego viene el uso del poliéster. ¿Cómo surge ese material en su obra? Nace sobre todo de un problema económico. Elijo el poliéster, que es un material bastante desagradable para trabajar, básicamente porque se puede trabajar en casa, no me obliga a ir a un fundidor. El poliéster es muy fuerte y permite situaciones que con otros materiales sería absolutamente imposible. –Tiene una cualidad pétrea, al menos esa es la sensación que produce. Sí, es muy duro. Se sostiene a sí mismo. En la historia de la escultura hay infinidad de recursos formales –un arbolito, una plantita– como para ocultar el sostén. Aquí no hace falta. Por otro lado está el color, el poliéster tiene color. Yo adoro el color en la pieza. Y lo bueno es que con el poliéster el color puede ser incluido dentro de la pieza. No es una capa sobre la superficie. El color nace desde adentro. Desde la primera capa a la segunda, la tercera, la cuarta o la quinta es posible pasar de un verde a un rojo. –Mencionó la cuestión económica que lo llevó a usar la resina poliéster. Pero a continuación surgieron una serie de cuestiones que traducen especial entusiasmo por las posibilidades de ese material y su potencial expresivo. Pareciera algo más que una cuestión económica ¿no? Sí, claro, me iluminó caminos que además fui confrontando con la experiencia de algunos colegas. Pablo Suárez me enseñó bastante en ese sentido y luego unos ingenieros me ayudaron mucho para que mis trabajos funcionaran. –¿Cuánto tiempo le llevó familiarizarse con el material? La primera obra en la que lo usé, en 1968, era una cabeza que hace recordar la escultura sumeria. ¡Qué salto en la historia del arte, voy de un lado para otro! Es una pieza de un rigor geométrico tremendo. Parece piedra negra pero es poliéster. –Es lo que permiten los materiales sintéticos. Muchas veces lucen como si fueran otra cosa. Pero no en el sentido que yo los trabajo, de ningún modo puede confundirse con otro material. No tienen otra verdad que la de sí mismos. La que ha surgido de lo que el material mismo sugiere. –Hemos hablado de sus ideas sobre el arte del pasado y del presente y también de la importancia del material. Podríamos hablar ahora del envío a Venecia. ¿Cómo fue concebido? Siguiendo de alguna manera las directivas que emanaron del curador general de la Bienal. Sólo que esos lineamientos llegaron a la Cancillería en octubre, con muy poco tiempo para preparar una obra inédita, tal como es la exigencia. Tal vez Picasso podría hacer una gran obra en un tiempo tan corto pero yo no. Así con esos elementos la curadora María Teresa Constantin, Burucúa y yo nos planteamos algunas definiciones. Primero que yo no puedo hacer ninguna pieza especial para la Bienal. Olvídense, no es mi modo de trabajar, la única obra inédita que va ya había sido empezada hace dos años y todavía está en proceso de producción. La producción de mis obras me toma mucho tiempo. Eso no garantiza que sean buenas pero estos son mis tiempos. No hay caso, como diría Espartaco, es mi modo de operar. Luego irán una serie de piezas que elegimos en conjunto.
–A lo largo de su carrera ha citado distintos momentos de la historia del arte pero en los últimos años aparecen abundantes referencias al arte argentino; a Gómez Cornet en “La Urpila”, ahora a Spilimbergo en “Emma Traviesa”. ¿Por qué esas citas? Porque se trata de grandes artistas a los que amo. Tengo una profunda admiración por Spilimbergo, Gómez Cornet y un cariño muy especial por Cúnsolo por ejemplo. De haber estado en otro país, Cúnsolo podría haber estado al lado de Carrara. ¿Qué diferencia hay entre De Pisis y Victorica? No sé si se conocieron y tampoco me importa. Tenemos un artista enorme como Guttero; un artista como Fermín Eguía o como Garabito que logra hacer una obra de arte a partir de un balde o una palangana. Que uno pueda quedar fascinado con eso hay que ser un gran poeta para lograrlo. ¿No? Poca gente presta a estos artistas la atención que se merecen. ¡Y en cambio hay tanta excitación alrededor de tanta novedad banal! Eso me rebela. Por supuesto, no es que yo vaya a salir a vociferar con una pancarta por ahí. Consciente o no, cada uno de nosotros da una respuesta a los grandes interrogantes de nuestra civilización. Si esto no ocurre lo que sale a la luz es un naturalismo irrelevante. Yo parto de un tema porque necesito un tema. En la obra que estoy trabajando para llevar a Venecia podría decirse que hay una referencia a lo que Spilimbergo trató en Breve Historia de Emma, que es para mí una obra bisagra en el arte argentino. El tema es el motor que me hace trabajar pero el material me va apuntado formas y cuando trabajo yo estoy atento a esas formas. Como es tan largo el trabajo, puedo estar atento al material y todo lo que me sugiere. No pienso en el efecto que va a producir en el espectador, ni en mí ni en nadie. Me concentro en qué relación hay entre una curva y una recta. Van a decir que soy un formalista. Pero lo que quiero es que la obra no sea estúpida; que no sea tosca. Puede ser agria, dulce amorosa o agresiva, que me satisfaga. –¿No piensa en lo simbólico mientras hace las obras? –No pienso en lo simbólico para nada. –La condición y las posturas del cuerpo, las torsiones ¿tienen valor simbólico? –No tienen valor simbólico. Es implemente una curva, una forma plástica, no un tema. Se relaciona con lo que me dice la materia. –¿También la incorporación de pedazos de diarios de avisos de oferta sexual? En “Ema Traviesa”, la obra que aún tengo que terminar para llevar a Venecia, los diarios se mezclan con la ropa de uno de los personajes. Allí estoy usando un elemento de la realidad. Aunque los avisos de oferta sexual hace tiempo que fueron prohibidos. Pero me sirvió para que la ropa del “cafisho” estuviera ajada, que la tela sean los avisos. Lo que significaba eso para ese momento y lo que significa plásticamente. Y una cosa importante que no suelo decir que tiene que ver con mi oficio gráfico: es el poder de la letra. –Si uno recorre su obra diría que en ella primero aparece lo pictórico y más recientemente lo gráfico. Si pero los colores que elijo tienen que ver con mi oficio gráfico. Trabajo por superposición y transparencia y allí aparece la letra también. –Las superficies de sus esculturas son muy complejas. Tan complejas como una pintura. Es que ya lo dije yo quiero ser pintor. –Respecto de Emma Traviesa, la obra que se verá por primera vez en Venecia. Hay en ella una fatalidad, una suerte de infortunio que recorre muchas obras en el arte argentino. Si, está la referencia a la serie de monocopias de Spilimbergo pero también algo muy personal que no tiene nada que ver con la plástica y es el dolor que me produce la fatalidad de estos seres, los o las travestis que parecieran condenadas a prostituirse. Esta situación es el punto de partida de mi obra. No tiene que ver con una cuestión moral ni estética. Es otra cosa. Morandi partía de una botella o una manzana y Garabito de una palangana, yo parto de esto. Es algo que me inquieta porque es socialmente una situación muy dura que me conmueve.
En un momento importante de nuestra actual temporada artística tenemos el privilegio de ver obra de Lino Enea Spilimbergo (1896 -1964) tanto en "Territorios de Diálogo" (CC Recoleta), comentada en la edición anterior de Arte al Día, como en Imago - Espacio de Arte, perteneciente a la Fundación OSDE. “Breve historia de Emma 1936 -1937" es un relato tomado de una crónica policial: Emma Scarpini, de 30 años de edad -autorizada para ejercer la prostitución- se suicidó arrojándose desde el noveno piso de un hotel. Conocida en el bajo fondo por Lola, su cadáver nunca ha sido reclamado. Se halló en su habitación una carta para sus padres que decía: "Siempre fui buena. . . No soy yo la culpable. . . ". No hay certezas sobre su verdadera existencia, pero en las treinta y cuatro monocopias de un realismo brutal, Spilimbergo relata los avatares de una niña en su hogar, que a los quince años trabaja en un taller de planchado y a los diecisiete es invitada a subir a un auto cuyo destino será un prostíbulo de San Fernando. Emma, de melena corta con moño, ojos grandes, es un dibujo casi esquemático que se irá transformando, que muestra la angustia, la resignación, la muerte como testigo, el pequeño espacio de una habitación cuyos objetos, cama, jarra, palangana, acompañan su existencia reducida a la esclavitud. En cierta forma, Spilimbergo denuncia esta explotación a través del relato dramático de su vida y de la de sus compañeras. Entre ellas se contemplan, se muestran sin pudor. Sólo una escena la muestra junto a un hombre. En las secuencias posteriores se la ve ya con el rostro ajado, cubriéndoselo, acurrucada, hasta llegar a la monocopia final, un rostro que presagia su fin. Diana Wechsler, curadora también de esta muestra, señala que el proyecto Emma integra dos aspectos de la figura militante de Spilimbergo: el estético y el político. Esta historia está contada para interpelar a la sociedad burguesa, la que avaló la redacción de leyes que regularizaron y naturalizaron la prostitución. Debe recordarse que cuando se expuso la muestra de este personajesímbolo en Tucumán, en 1949, sufrió la censura de la Iglesia. News Argentina miércoles 16 de julio, 2008 Breve historia de Emma por Laura Feinsilber Lino Enea Spilimbergo Breve historia de Emma XVIII 1936 -1937. monocopia 47 x 27, 5 cm. Colección particular.
Ana Gallardo – Argentina EL PEDIMENTO, 2009 -2015 Jardín de las Vírgenes Installazione con diversi media, suolo, legno – Dimensioni variabili La ubicación de la instalación “El pedimento” de Ana Gallardo, apartada y segregante como una celda, podría resultar tautológica si no fuera porque afuera enloquece el Jardín de las Vírgenes en pleno florecimiento de sol. Sientes casi el deseo de inclinar la cabeza al entrar en la oscuridad interna que lleva consigo el olor de la tierra. De inmediato, percibes que los pasos recorren una especie de ritual antes incluso de vislumbrar entre la tierra las formas de los puñados de tierra levemente posados en el suelo. En la oscuridad te encuentras de repente ante la materia inerte, como el desecho de la colada de un metal precioso en el que se apoyan esquirlas de una fusión oscura y propiciatoria. Una tumba antigua sembrada de objetos, de fetiches mestizos. Olor de tierra, olor de muerte. “En la entrevista que me ha concedido ante la instalación, Ana Gallardo habla del renacer, de la reencarnación, y cuenta el proceso de creación tras los dos meses de trabajo con las mujeres, internas en la cárcel de la Giudecca, en Venecia, con las que ha compartido algunos temas que se cruzan con su trabajo de artista. “Un lugar para vivir cuando seamos viejos” (2008) es su más reciente trabajo centrado en la pregunta que la artista se plantea y comparte también en este proyecto con las mujeres de la cárcel. La clausura. La reclusión. El internamiento. La constricción. La pena. La vejez. La representación de la muerte, el “fil vert” que une a la tierra, la misma tierra de la “muerte en vida”. Las internas, “zombis” separadas de la cotidianidad de los honestos, que cultivan el huerto dentro de la cárcel. Precisamente esa fusión, esa tierra, agua y compost proceden de allí dentro. Inspirada en diversos rituales de las mujeres mejicanas de Oxaca que ofrecen a la divinidad un puñado de tierra, una ofrenda a cambio de atenciones, la instalación “El pedimiento” permite a las mujeres de la cárcel de la Giudecca dejar estos objetos fetiche para marcar la vida-tierra, próxima futura, para imaginar la muerte, el envejecimiento. En una atmósfera de soledad que atraviesa todo el trabajo de Ana Gallardo y también su cuerpo de artista, sus dibujos potentes. Soledad y fuerza vital juntas ”
Eduardo Basualdo (Buenos Aires, 1977) Grito (Shout), 2015. P aper, graphite and metal, variable dimensions. Photo by Ignacio Iasparra. Courtesy of the artist. “Basualdo’s works will, whether we want to or not, train our eye to perceive what is not there, what lies beyond. In his works (in his worlds) there is always more than meets the eye: and what does meet the eye is there to lead it towards this dimension of the yet unseen. However much there might be, there is always more: a chink in an otherwise solid door, some extra space and emptiness behind or beyond the continuous lines of everyday life, the ghostly image of what lies beneath the table or behind the wall, the visible shadow of the hidden blade. His art constructs a peepshow into other worlds. ” —Victoria Noorthoorn Galeria Luisa Strina is pleased to announce Eduardo Basualdo’s participation at the 56 th Venice Biennale, All the World’s Futures, curated by Okwui Enwenzor. Basualdo’s presentation focuses on the notion of limits, their nature and permeability, featuring a series of new works comprising sculptures, drawings, and a site-specific installation. By means of an overall suspicion towards reality, Basualdo questions the relations between what is perceived by the mind and what is sensed through the body. The pieces presented in Venice use the senses to diffuse the boundaries of the material world.
Arsenale 2 Ernesto Ballesteros (1963, Buenos Aires, Argentina) Indoor Flights. 2014 Construcción y demostración de vuelo de aeroplanos ultralivianos. © Foto: Haupt & Binder [. . . ] “Ballesteros también dedica tiempo al aeromodelismo “indoor”, una particular especialidad para la que se construyen aeroplanos a escala reducida aptos para ser volados en grandes espacios cerrados. El proyecto del artista es llevar sesiones de “indoor” a lugares dedicados al arte, estetizando algo que normalmente es considerado un hobby, pero que contiene gran belleza formal. Estas acciones podrían considerarse como un nuevo capítulo del ciclo abierto con las pinturas de 1986 y 1987 ( En el hangar y Afuera del hangar ). Parecen también una respuesta al legado familiar, presente ya en los dibujos realizados sobre los libros dedicados a la aviación descubiertos en su niñez en la biblioteca de su padre, y en todo el corpus de obras donde los misterios del espacio y su exploración están permanentemente presentes”. http: //cvaa. com. ar/03 biografias/ballesteros. php
Mika Rottenberg Buenos Aires, 1976 No. Nose. Knows Emigró a Israel en 1977. Vive en Estados Unidos Durante más de una década, Rottenberg se ha centrado en el trabajo y en las mujeres que lo realizan. Pero sus obras se han acercado al tema desde ángulos nunca fáciles de atar a ninguna perspectiva política, transformándola en algo así como una insurgente en la Bienal. “Siempre he leído El Capital como poesía, el modo en que Marx escribe acerca de las hilanderas, midiendo el valor literario por la cantidad de vida humana que requiere, ” dijo Rottenberg, de 38 años, quien nació en Buenos Aires en 1976 y emigró un año después a Tel Aviv, Israel, donde su padre, Enrique Rottenberg, era productor de cine. “Aunque como artista estás obligado a crear una buena obra y a veces eso no tiene nada que ver con la moralidad, o incluso la contradice”. Los trabajadores de una escena de "No. Nose. Knows" Instalación de Mika Rottenberg en la Bienal de Venecia. Crédito. Mika Rottenberg, a través de Andrea Rosen Gallery, Nueva York Respecto de su presentación dice: “Creo que en mi obra trato de darle forma a la manera en que se fabrican y consumen las cosas, lo que se ha transformado en algo tan vasto hasta convertirse en inimaginable. Si realmente comprendemos la insania de esto, creo que la gente se comportaría de manera diferente”. La gente que se reunía alrededor de la instalación se comportaba bastante mal, inclinándose sobre canastos llenos de perlas rechazadas y deformadas, y tratando de robar algunas como recuerdos de la Bienal. “¡No las toquen!”, decía Rottenberg furiosa, vigilando sus mercancías como si realmente fuera una vendedora de perlas. “¡No las roben!”. Aunque su mal humor se alivianó por la cantidad de personas agolpadas en el pequeño teatro, donde el aire acondicionado había dejado de funcionar. “Me encanta que estén ahí sentados y transpiren”, dijo sonriente. “Que estén sufriendo por su placer”.
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